Teatro denuncia de día, cuento infantil de noche (Miradas 2)





Marina Bollaín pone en pie La ópera de tres peniques en Madrid.
La directora ha adaptado a la actualidad española la obra de Brecht.
Además, actúa en Historia de Yuco, un cuento infantil.
Ambas obras serán parte del Festival de otoño de teatro

ANTONIO GÁRATE (MIRADAS 2) - MADRID
26.11.2009

"Mackie Navaja" es sin duda una de las canciones más populares del siglo XX, de la que se han hecho cientos de versiones.

Pertenece a la obra La ópera de 3 peniques de Bertolt Brecht, con música de Kurt Weill, escrita a finales de los años 20, y prohibida después por los nazis, que la tacharon de arte degenerado.

Es una historia que habla de corrupción y pobreza, de prostitutas, políticos sin escrúpulos y mendigos. El mayor éxito teatral de Brecht que, ahora, la directora Marina Bollaín lleva a escena en Madrid.

"Brecht critica a la sociedad burguesa, al capitalismo", asegura Bollaín. "Yo lo he trasladado a una capital española, con sus casos de corrupción, de delincuencia aceptada", asegura. Un ejemplo impactante, "el caso de la Policía de Coslada".

Cuento infantil en pequeño formato
Frente a esta producción de gran formato que se presentará en los Teatros del Canal el 27 y el 28 de noviembre, Bollaín actúa en un montaje pequeño para un público también muy exigente.

Historia de Yuco, que se representará en el Teatro Pradillo de Madrid los días 5 y 6 de diciembre "es un infantil, un cuento musical, de formato sencillo". Ella canta y baila en el escenario.

Cuenta atrás antes del estreno para las dos en el Festival de Otoño de Madrid. Un montaje donde la música de Kurt Weill, con sabor a cabaret y jazz, es tan expresiva como el texto de Brecht.

Teatro musical que quiere lanzar un mensaje al patio de butacas, antes que quedarse en un musical de mero entretenimiento.

D.

Historia de Yuco, la niña que perdió una canción



ESPECTÁCULO INFANTIL: Danza en diciembre 2009

Historia de Yuco, la niña que perdió una canción
Cía. De Marina Bollaín (Madrid) / Danza
» 5 y 6 de diciembre 2009
Sábado 17h. y domingo / 12h.30

Infantil: Niñas y niños desde 3 años

Historia de Yuco la niña que perdió la canción de su abuela
Cuentos y canciones para voz, guitarra, contrabajo y castañuelas

Una mañana Yuco se despertó y notó algo extraño.
Intentó tararear la canción que le cantaba su abuela cuando era muy pequeña pero no pudo. Lo intentó y lo intentó y nada:
se le había olvidado.

Se puso muy triste y se lo contó a su amigo el contrabajo.
Éste le dijo: “Si la canción ha salido de tu cabeza, tiene que haber ido a algún lado.

¡Así que vamos a buscarla!”.

La guitarra y las castañuelas se les unieron en su viaje y salieron los cuatro a buscar la canción de la abuela.

Cantacuentos:
La soprano: Marina Bollaín, y el guitarrista y contrabajista: Pablo Navarro van cantando y contando la historia de Yuco, la niña que perdió la canción de su abuela.
En compañia de sus amigos la guitarra, las castañuelas y el contrabajo, Yuco emprenderá un viaje lleno de aventuras para encontrarla.

Canciones infantiles y populares como “Los cuatro muleros”, “La Tarara”, “Estaba la pastora”, “Arrollo claro”, etc... jalonarán el viaje de Yuco.

Un espectáculo sencillo y entrañable que enseña a los niños las canciones de toda la vida.

Así, entre todos, conseguiremos que Yuco no olvide las canciones de Su abuela.

Marina Bollaín nace en Madrid, donde estudia canto y germanística. En el año 1993 se traslada a vivir a Berlín donde concluye
sus estudios de canto y de dirección escénica de ópera.

Canta como artista invitada en distintos teatros alemanes y realiza numerosos conciertos en Alemania y España así como para las embajadas españolas en Guinea Ecuatorial, Serbia, Camerún, Costa de Marfil, Etiopía y Líbano, entre otros. Su repertorio hace especial hincapié en la música española y ha grabado tres discos compactos con canciones de Federico García Lorca, Fernando Sor y Enrique Granados.

Ha trabajado como actriz en distintas producciones cinematográficas y para televisión en Madrid y Sevilla (Premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Gijón en 1992) y ha sido profesora de danza. En los últimos años se ha dedicado, paralelamente a su actividad como cantante, a la dramaturgia y dirección de escena. Fue becaria en la Academia de España en Roma en 1999 y ha recibido diferentes becas del Ministerio de Cultura para estudiar dirección de escena en Berlín durante años 2000 a 2003. Ha realizado la dirección de escena de la zarzuelas La Verbena de la Paloma” y “Adios Julián”, ha creado y dirigido Harragas” sobre la inmigración marroquí en España y ha escrito el libreto y realizado la puesta en escena de la ópera de cámara “Cuerpos Deshabitados” con música de José María Sánchez-Verdú, y de “Canciones Españolas” con repertorio de Manuel de Falla y Federico García Lorca.

Pablo Navarro comienza muy pronto sus estudios de guitarra clásica en el Conservatorio Superior de Madrid.
Despues de estudiar seis años guitarra clásica, comienza a estudiar contrabajo, terminando la carrera con el título de Profesor Superior de contrabajo en el Conservatorio Superior de Madrid.
Amplía su formación en Cuba con el maestro de contrabajo Cachao.
Ha grabado y colaborado con músicos de los más diferentes géneros: flamenco con José el Francés, El Negri, Lolita y Los Panchos, entre otros; Jazz con Natalia Dicenta y Joshua Edelman; Rock con Josele Santiago y Marlango.
Forma parte del grupo Racalmuto y la orquesta de Mastretta.
Tambien ha tocado con el guitarrista cubano Cotan y ha trabajado con los grupos de teatro Dagoll Dagom y la compañía Animalario. |

Temporada DANZA EN DICIEMBRE 2009


LA.Otra compañía (Canarias) / Danza
» Del 27 al 29 de noviembre 2009
Viernes a domingo / 20h.30 


Encontrar “it”, pronombre inglés que posee un significado propio e indefinible y que en español se traduce como “ello” o “eso”, ha sido y es el gran motivo de búsqueda del ser humano.

La misma búsqueda que ha encontrado la fe y la razón, la sabiduría y la conciencia, la salud y la enfermedad, el odio y la tolerancia, la guerra y la no guerra…

Danza en diciembre 2009

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Todo Oídos: concierto para una escucha activa
Cía. Neopercusión (Valencia) / Música
» 1 de diciembre, martes / 20h.30 


Interpretaremos Anatomía de una marcha militar de Alberto Bernal para tres percusionistas

Los comentarios correran a cargo del propio compositor. Invitaremos luego a un vinito a los que vengan.

Danza en diciembre 2009

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Historia de Yuco, la niña que perdió una canción
Cía. De Marina Bollaín (Madrid) / Danza
» 5 y 6 de diciembre 2009
Sábado 17h. y domingo / 12h.30

Infantil: Niñas y niños desde 3 años 


Una mañana Yuco se despertó y notó algo extraño.
Intentó tararear la canción que le cantaba su abuela cuando era muy pequeña pero no pudo. Lo intentó y lo intentó y nada:
se le había olvidado.

Danza en diciembre 2009

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What Does It Make You Feel?
Cía. Projects in Movement (Israel/Madrid) / Danza
Programa doble: “Q Project” y “Beyond”

» Del 10 al 12 de diciembre 2009
De jueves a sábado / 20h.30 


Tenía que hacerlo justo en ese momento,
sabía cuál era la señal.
Los caminos estaban a punto de cruzarse,
y de repente… todo parecía más desconocido.
Dudé por un instante,
pero dejé que se acercara.

Cerré los ojo y cuando los volví a abrir,
todo había cambiado.

Era mi "Q" para actuar.

Danza en diciembre 2009

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Plot
Cía. Claudia Faci e invitados (Andalucía / Madrid) / Danza

» 17 de diciembre jueves / 20h.30 director invitado Mateo Feijoo
»18 de diciembre viernes / »20h.30 director invitado Martín Vahamonde
»19 de diciembre sábado / 20h.30 director invitado Carlos Fernández
»20 de diciembre domingo / 20h.30 director invitado Óscar Villegas 


Plot: ardid – argumento - complot – conjura – conspiración – intriga – parcela –solar – terreno - trama - trazar

Cuatro directores han sido invitados a participar en esta propuesta en la que, cada uno de los días programados, se pondrá en escena el primer ensayo de la idea que cada uno de ellos quiera materializar.

Danza en diciembre 2009

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Meter la pata




Exposición:

"Meter la pata", Álvaro Basagoiti Plá-Font
Inauguración 26 de diciembre 2009 / 20h.

Hasta el 8 de diciembre 2010 en el Hall de Teatro Pradillo de Madrid

Inversamente proporcional

Desmadre teatro presenta:




Inversamente proporcional
Tomás Pozzi
4 de diciembre / 22h.
Teatro Pradillo

Ciclo El Único

Nena . . . nena . . . . escucha lo que dice mama . . . ¿Ves esta herida que tengo acá, la ves? Es una herida profunda, habla de cosas reales e irreales también. ¿Te la muestro? Mirá, ves? Es la marca que se hace entre hermanos, como mordiscones, como una... la tapo porque tengo miedo que sea antes de tiempo y el cuerpo se elevaría a dos metros del suelo y se haría humo verde como una barca que se va . . . me escuchas . . . SORDAAAAA . . . tullida emocional . . . AYYYYYYY perdona . . . no Estoy bien sin beber alcohol. Estoy muy tranquila, no pienso
chupar… que traigan todas las aves de corral, quiero verlas pasar un instante frente a mi ventana. Traigan a los gallos pigmeos, los pollitos, las batarazas, los gansos, los zodapes, todo traigan. Depués traigan los carruajes, que se aniden los escorpiones sobre los terciopelos embarrados.
Saquen todas las montañas del horizonte, todas. Quiero pampas y pongan un mar, un mar pero chiquito, tampoco un mar gigante llenos de aletas que sobresalen de la espuma. El mar trae bichos como las enredaderas y se llenan todas con sombrillas y pelotudos con bronceadores y paletas con la pelota adosada y todo , , , Algunas veces se que desvario . . . y caigo en un terreno baldio . . . SHHHHHHHH escuchas . . . Oigo sopolos, shhhh, si, si, soplos etéreos, sobrehumanos. Una tira de asado es el cuerpo mio. Sujetame. Sujetame con tu mano, que si el viento se mueve, ha de bambolearme . . . ves, lo ves . . . enseguida vuelo . . . me elevo . . . levo . . . . ay dios !!!!!! la TARTA . . . La muerte disfrazada de sombra, la sombra disfrazada de muerte. Siempre esa cara de orto seco que tenés. Nunca me regalaste nada, ni un caramelo ni un par de galochas me regalaste, nada, siempre esa cara de orto seco, ni una sonrisa . . . nena como te digo una co te digo la o . . . Más que un encuentro sorpresivo con un hombre, me encantaría un encuentro con una mañana. Siempre atardece, siempre es ocaso, acaso . . .
Me siento rara,. A veces cuando camino por la casa, , siento que estamos en un sueño. No puedo dormir,. No duermo. Nadie duerme. La vida no es un sueño,. Yo sé que soy superficial, e infantil. Vos has leído mucho más que yo. Has estudiado, has dado cátedras… Yo sólo vivo para escucharte ¡!!!!!!! Que decis nena? no te escucho . . . .decimelo al oido despacito . . . Hija: mama esta lúgubre manía de vivir, esta recóndita humorada de vivir, te arrastra mamá, no lo niegues. Hoy me miré en el espejo y me fué triste. Estaba sola. La luz rugía, el aire cantaba, pero mi amado no volvió. Envié mensajes, sonreí, demolí mis manos por que me dijeron que de esa manera iba a volver mi amado tan amado.
Oigo la demente sirena que le robé. El barco con barcas de espuma donde murieron mis risas. Recuerdo el último abrazo ¡no! Nada angustias. Río en el pañuelo, lloro a carcajadas, pero cierro las puertas de mi rostro para que no digan que esta mujer enamorada soy yo. Me remuerden los días, me preocupan las noches, me duele la vida tanto, tanto. Deseperada ¿a dónde vas?, deseperada mamá, nada más . . . Como seria el paisaje si nuestros corazones se abriesen como una compuerta y de alli salieran aquellas niñas que fuimos… Las dos envueltas en carcajadas, para ponernos a bailar sobre una hoja… Seca… Apenas soplada por el viento… ¡¡¡¿¿¿Qué nos paso!!!???

Tânia Carvalho en el Teatro Pradillo



De min nâo posso fugir, paciência!
Cía. Tânia Carvalho (Portugal) / Danza
» 24 y 25 de noviembre 2009
Martes y miércoles / 20h.30
Festival de Otoño


La joven coreógrafa y bailarina portuguesa Tânia Carvalho (Portugal, 1976) empezó a bailar con tan sólo cinco años. Se ha formado en el Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea del Fórum Dança (Lisboa) y trabajado con Francisco Camacho, Carlota Lagido, David Miguel, Filipe Viegas y Vera Mantero, entre otros. Con De mim não posso fugir, paciência! (¡De mí no puedo huir, paciencia!) -estrenada en mayo de 2008 en BlackBox (Montemor-o-Novo, Portugal)- propone una pieza para cuatro bailarines y un pianista.

Después de espectáculos como Um privilégio característico (2002), Barulhada (2007) y Danza Ricercata (2008), Carvalho presenta esta última coreografía que toma su título de un verso de la poetisa Patricia Caldeira y sobre la que reflexiona: “El expresionismo es la tendencia del artista hacia la deformación de la realidad mediante un efecto emocional, es
una forma de arte subjetivo. Cuando empiezo una pieza de danza, me involucro con las experiencias del mundo que he acumulado en mi interior y creo una composición a partir de esto. Cada uno de nosotros ve y siente las cosas que nos rodean de manera diferente. En este sentido, cuando me sumerjo en una obra con lo que mis sensaciones y mi imaginación me sugieren, estoy distorsionando el mundo a los ojos de los otros. Lo que tenemos dentro es, en mi opinión, una forma de expresionismo para los otros. Deformamos el mundo, cada uno a nuestra manera”.

Tânia Carvalho empezó a estudiar danza clásica con cinco años. En 1991 ingresa en la Escuela Superior de Danza de Lisboa y en los años siguientes participa como alumna en distintos
seminarios y cursos de danza (Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea Forum Dança y Curso de Coreografía de la Fundación Calouste Gulbekian). Además, ha participado en
proyectos de vídeo y colaborado como actriz para Projecto Teatral. Entre sus trabajos como coreógrafa encontramos: Mulher à beira de um contrabaixo (1997), A corte (2000), Inicialmente Previsto (2000), New Tan (2001), Um privilégio característico (2002), The Best of Them All (2003), If I could stay there forever (2005), A silent explosion is not quite disturbing (2005), I walk, you sing (2006), Orquéstica (2006), A Slowness that looks like a velocity (2007), #1 Ricardo - Different movements, for different people (2007), Barulhada (2007), #2Ramiro, #3Bruna - Different movements, for different people y Danza Ricercata (2008). En 2004 es invitada como coreógrafa portuguesa a participar en el encuentro Point to Point en Tokio, en 2006 disfruta una residencia con la Company of Elders (The Place, Londres) y en 2007 es artista en residencia en La Chartruse-Centre National des Écritures du Spectable en Francia. También se ha interesado por la composición musical, interés del que han surgido los proyectos Com a voz me enganas y Trash Nynph. Es cofundadora de la asociación Bomba Suicida.

“La pieza está compuesta para que parezca que los bailarines reaccionan a lo que el pianista toca, a los sonidos Del Piano y a sus silencios. como si fueran marionetas y el pianista los manipulara.”- Tânia Carvalho

Coreografía: Tânia Carvalho
Interpretación:Tânia Carvalho, Luís Guerra, Marlene Freitas, Ricardo Vidal y Maria João Rodrigues
Música: Tânia Carvalho
Texto: Patrícia Caldeira
Iluminación: Anatol Waschke
Vestuario: Aleksandar Protich
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio)

http://teatropradillo.com

Teatro Infantil en El Escorial



Programación de teatro infantil a partir de 2 años segundos y cuartos domingos de cada mes.
13 de Diciembre, a las 12:30 representación de "Los Tres Cerditos" de la compañía TROPOS.

Entrada 5 €
Casa de la Cultura de El Escorial
Organiza: Nuevos Públicos

Muda




Teatro Pradillo presenta 

Muda
Cía. Pablo Messiez / Teatro 


Del 8 al 17 de enero 2010 / 20h.30
No hay función de lunes a miércoles

Con Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado
Diseño de iluminación: Paloma Parra
Estreno absoluto 

Después de once años de desarrollar su carrera como actor en Buenos Aires bajo las órdenes de directores como Leonor Manso, Rubén Szuchmacher o Daniel Veronese, en el año 2006 Pablo Messiez debuta como director con su espectáculo ANTES.

El montaje tuvo una excelente recepción crítica y se mantuvo en cartel durante dos años, además de haber sido seleccionado para participar del Festival Porto Alegre Em Cena de Brasil, junto con La noche canta sus canciones (obra que protagonizaba con la dirección de Daniel Veronese).

Muda es su nuevo proyecto de dramaturgia y dirección.

“Hace unos 10 años estaba en Buenos Aires pasando por uno de esos momentos en los que de repente nada parece tener sentido. Entré a una tienda de discos y me puse a escuchar uno de Ute Lemper. Era un tema en alemán. Yo no entendía la letra, pero la composición tuvo un efecto terapéutico. No recuerdo cómo pasé de estar perdido a verlo todo un poco más claro. Pero sí me acuerdo perfectamente que me compré el disco (aunque no parecía lo más sensato gastar dinero en cd’s teniendo en cuenta la precariedad del estado de mi economía de esos días) y que sabía que esa canción me había salvado.

Muda es una obra sobre el poder sanador de las ficciones.

Una muda que no podía dejar de mudarse llega por fin al sitio que buscaba: un departamento silencioso en pleno centro porteño. Su vecina de arriba y el encargado del edificio intentarán aplacar sus propias soledades a fuerza de llenarla de relatos. Cada uno irá aportando involuntariamente su ración de ficción. Los relatos propios y ajenos serán la materia que los mantendrá vivos, la que les permitirá dejar de estar solos.”

Pablo Messiez

“El mérito de Antes es, sin dudas el gran trabajo de estos tres actores que, con una ajustada dirección de Pablo Messiez, encaran una historia llena de dobleces. Se trata de un trabajo más que recomendable de Messiez, quien debuta como dramaturgo y director, y en el que también despunta su talento” -
Verónica Pagés. Diario La Nación/ 12 de Agosto de 2007

“Queda claro que Messiez (actor de La noche canta sus canciones, que acaba de estrenar Daniel Veronese, y que antes brilló en Un hombre que se ahoga, versión del mismo director de Tres hermanas, de Chejov) se tomó muchas libertades: niños encarnados por adultos y una nana negra y tuerta personificada por un hombre. Pero el desplazamiento no desentona: el flamante director se animó a más. Hacia un lateral del espacio escénico, la cocina floreada se desdibuja, desaparece y deja ver el esqueleto del escenario, las maderas, los bastidores. Así, la ficción deviene hecho escénico, verdad teatral; y algo de los muchos universos que aparecen (del elenco y de los personajes) se entreteje: la necesidad de compartir, de establecer algún tipo de comunión para no sentirse tan solos.”  - Carolina Prieto. Página 12/ 20 de junio de 2008

“Esta opera prima de Messiez es de tal belleza que brilla aun de ternura en su melancolía” - Lucho Bordegaray. Revista Llegás/ septiembre 2007

“Antes, primero y prometedor primer trabajo de Pablo Messiez, imita la productiva liturgia de jugar, fabular posturas e imposturas, códigos y lenguajes.” - Luis Masas/ Revista Veintitrés/ 20 de septiembre de 2007

“Para lograr la simpleza, la emotividad y la brillantez citadas, fueron necesarias la adaptación y dirección sensible e inteligente de Pablo Messiez” - Gabriel Peralta. Crítica Teatral/ 17 de Agosto de 2007.

“Pablo Messiez se tropezó con Verdad tropical de Caetano Veloso y como suele suceder con las buenas escrituras -y con las lecturas atentas, hambrientas- ese texto le abrió puertas. Algunas ya conocidas y otras totalmente nuevas, como la obra de Carson McCullers: aire para respirar según el autor de Antes, y musa de la pieza que acaba de estrenar. Con mucho acierto, el autor y director armó una pieza sencilla en su estructura y corta en su duración, que cuenta una misma historia desde diferentes focalizaciones y en donde juega con el coqueteo entre la realidad y la ficción dándose -de paso- el gusto de hablar del también del teatro.” - Silvia Sánchez. Mundo Teatral/ 17 de Julio de 2007

Nuestro Festival de Otoño 2009





Jerk
Cía. Gisèle Vienne / Dennis Cooper / Jonathan Capdevielle (Francia) / Teatro
» Del 17 al 20 de noviembre 2009
De martes a viernes / 20h.30 


Jerk es la cuarta obra de la directora, coreógrafa, intérprete y artista visual Gisèle Vienne en colaboración con el polémicoescritor norteamericano Dennis Cooper (autor de, entre otros libros, Contacto, Cacheo, Tentativa, Guía o Chaperos).
Tras I Apologize (2004), Une belle enfant blonde (2005) y Kindertotenlieder (2007), este “solo para titiritero” continúa poniendo a prueba los vínculos entre realidad y fantasía.

Gisèle Vienne, Dennis Cooper y Jonathan Capdevielle suben al escenario una reconstrucción imaginaria -extraña, poética, divertida y lúgubre- de los crímenes perpetrados por el asesino en serie Dean Corll que, con la ayuda de los adolescentes David Brooks y Wayne Henley, mató a más de veinte niños en el estado de Texas a mediados de los años 70.

David Brooks cumple cadena perpetua. En prisión aprende el arte de los títeres y, en una función para una clase de estudiantes de psicología, reconstruye los asesinatos cometidos por Corll. Siguiendo la tradición del género, los títeres de guante sirven aquí para representar temas ilícitos y violentos. Precisamente la violencia y el humor del texto convierten
a Jerk en una pieza llena de fiereza que mezcla sin reparos sexualidad y estética gore. El aparente realismo del espectáculo, la narración lineal y la historia verdadera de la que parte consiguen, paradójicamente, sumir al público en una atmósfera de irrealidad y extrañamiento. El titiritero, embaucador y farsante, se identifica totalmente con el personaje
de David Brooks...

Jerk se estrenó en el Festival Antipodes en el año 2008.

Gisèle Vienne nació en 1976 y actualmente vive y trabaja entre Grenoble y París. Tras licenciarse en Filosofía, estudió el arte de los títeres en la Ecole Supérieure Nationale des Arts de
la Marionnette entre 1996 y 1999.
Ha coreografiado y llevado a escena Splendid’s, de Jean Genet en el año 2000; ShowRoom-Dummies en el 2001; Stéréotypie en el 2003; y Tranen Veinzen en el 2004, junto a Etienne
Bideau-Rey.

Desde 2004 ha coreografiado y dirigido I Apologize y Une belle enfant blonde/ A young, beautiful blond girl (2005), Kindertotenlieder (2007) y Jerk (en su versión radiofónica dentro del
contexto del taller de creación de radio de France Culture y en su versión teatral).

También ha realizado una creación titulada Eternal Idol con un patinador sobre hielo y un actor, en febrero de 2009. Ha trabajado con Etienne Bideau-Rey en Showroomdummies para
su recreación en febrero de este año.
Junto a Etienne Bideau-Rey ha escrito Corps/Objet – Sur le rapport du corps au corps artificial,
publicado por el Centre Chorégraphique National de Grenoble.

A partir de una novela de Dennis Cooper
Dirección: Gisèle Vienne
Dramaturgia: Dennis Cooper
Música: Peter Rehberg
(Música Original) y El Mundo Frío De Corrupted
Iluminación: Patrick Riou
Interpretado y creado en Colaboración con: Jonathan Capdevielle
Voces Grabadas: César Bernard y José Enrique Oña Selfa
Estilismo: Stephen O’malley y Jean-Luc Verna
Títeres: Gisèle Vienne Y Dorothéa Vienne Pollak
Maquillaje: Jean-Luc Verna y Rebecca Flores
Vestuario: Dorothéa
Vienne Pollak, Marino Marchand Y Babeth Martin
Profesor De Ventriloquia: Michel Dejeneffe
Ensayos En Español en colaboración con: Pierre Dourthe y Luisma Soriano
Traducción Al Español: Javier Calvo
Estreno En Madrid
Foto: Alain Monot
Idioma: español
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)



De min nâo posso fugir, paciência!
Cía. Tânia Carvalho (Portugal) / Danza
» 24 y 25 de noviembre 2009
Martes y miércoles / 20h.30


La joven coreógrafa y bailarina portuguesa Tânia Carvalho (Portugal, 1976) empezó a bailar con tan sólo cinco años. Se ha formado en el Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea del Fórum Dança (Lisboa) y trabajado con Francisco Camacho, Carlota Lagido, David Miguel, Filipe Viegas y Vera Mantero, entre otros. Con De mim não posso fugir, paciência! (¡De mí no puedo huir, paciencia!) -estrenada en mayo de 2008 en BlackBox (Montemor-o-Novo, Portugal)- propone una pieza para cuatro bailarines y un pianista.

Después de espectáculos como Um privilégio característico (2002), Barulhada (2007) y Danza Ricercata (2008), Carvalho presenta esta última coreografía que toma su título de un verso de la poetisa Patricia Caldeira y sobre la que reflexiona: “El expresionismo es la tendencia del artista hacia la deformación de la realidad mediante un efecto emocional, es
una forma de arte subjetivo. Cuando empiezo una pieza de danza, me involucro con las experiencias del mundo que he acumulado en mi interior y creo una composición a partir de esto. Cada uno de nosotros ve y siente las cosas que nos rodean de manera diferente. En este sentido, cuando me sumerjo en una obra con lo que mis sensaciones y mi imaginación me sugieren, estoy distorsionando el mundo a los ojos de los otros. Lo que tenemos dentro es, en mi opinión, una forma de expresionismo para los otros. Deformamos el mundo, cada uno a nuestra manera”.

Tânia Carvalho empezó a estudiar danza clásica con cinco años. En 1991 ingresa en la Escuela Superior de Danza de Lisboa y en los años siguientes participa como alumna en distintos
seminarios y cursos de danza (Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea Forum Dança y Curso de Coreografía de la Fundación Calouste Gulbekian). Además, ha participado en
proyectos de vídeo y colaborado como actriz para Projecto Teatral. Entre sus trabajos como coreógrafa encontramos: Mulher à beira de um contrabaixo (1997), A corte (2000), Inicialmente Previsto (2000), New Tan (2001), Um privilégio característico (2002), The Best of Them All (2003), If I could stay there forever (2005), A silent explosion is not quite disturbing (2005), I walk, you sing (2006), Orquéstica (2006), A Slowness that looks like a velocity (2007), #1 Ricardo - Different movements, for different people (2007), Barulhada (2007), #2Ramiro, #3Bruna - Different movements, for different people y Danza Ricercata (2008). En 2004 es invitada como coreógrafa portuguesa a participar en el encuentro Point to Point en Tokio, en 2006 disfruta una residencia con la Company of Elders (The Place, Londres) y en 2007 es artista en residencia en La Chartruse-Centre National des Écritures du Spectable en Francia. También se ha interesado por la composición musical, interés del que han surgido los proyectos Com a voz me enganas y Trash Nynph. Es cofundadora de la asociación Bomba Suicida.

“La pieza está compuesta para que parezca que los bailarines reaccionan a lo que el pianista toca, a los sonidos Del Piano y a sus silencios. como si fueran marionetas y el pianista los manipulara.”- Tânia Carvalho

Coreografía: Tânia Carvalho
Interpretación:Tânia Carvalho, Luís Guerra, Marlene Freitas, Ricardo Vidal y Maria João Rodrigues
Música: Tânia Carvalho
Texto: Patrícia Caldeira
Iluminación: Anatol Waschke
Vestuario: Aleksandar Protich
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio)

ARTE NUEVO DE HACER TEATRO. ENTREVISTA CON RODRIGO GARCÍA




Dramaturgo, videoartista, performer, escenógrafo y director teatral, Rodrigo García (Buenos Aires, 1964) es el fundador de la compañía La Carnicería, cuyo trabajo ha sido producido por el Festival de Aviñón, el Teatro Nacional de Bretaña y el Festival de Atenas. Ganador del prestigiado Premio Europa Nuevas Realidades Teatrales, García se presentó recientemente en México con los espectáculos Accidens / Matar para comer y Versus.

¿Cómo empezaste a hacer teatro?

Mi formación fue como público. En Buenos Aires veía todo. En la época que me tocó, cuando yo era joven, que sería del ochenta al ochenta y cinco, no me perdía nada. Aun en la dictadura era increíble la cantidad de espacios abiertos. Podías ver algo todos los días. Francamente no sé por qué me dio por ir tanto al teatro. Mi familia no tiene ninguna relación con el arte. Mi padre es carnicero y mi madre verdulera. Son inmigrantes españoles que se fueron para Argentina. En mi casa no había libros, ni nada.

¿Por qué te fuiste a España?

Porque era joven.

Pero en Argentina hay una oferta teatral interesante.

Sí, pero estaba jodido. Yo tuve (me imagino que muchos otros también) una gran decepción con la llegada de la democracia. La esperábamos con mucha ansiedad, después de una dictadura militar con tantos muertos, tanta masacre. Y había ganado el candidato que creíamos más lógico, Raúl Alfonsín. La desilusión fue tremenda porque económicamente aquello fue un desastre. Había una hiperinflación tremenda. Yo junté un poco de dinero y dije me voy.

¿Cómo produjiste tus primeras obras?

Yo pedía siempre dinero para montar y nunca me daban nada. No existía un teatro independiente. Si no entrabas por un lado estatal, no hacías nada. Total, un día me dieron dos pesos para montar una obra porque había ganado un concurso de literatura dramática. Pude dirigir gracias a escribir. Mi primer montaje se llamó Acera derecha. Le fue bien. Por suerte conocí a Carlos Marquerie, que tenía una compañía que se llamaba La Tartana. Teníamos muchas afinidades. Él trabajaba cosas más abstractas, con títeres raros, muñecos. Él consiguió dinero del Ministerio de Cultura para operar una sala que se llamó Teatro Pradillo en Madrid. Y ahí sí tuve la fortuna de tener un espacio de exhibición y, sobre todo, un diálogo con gente que pensaba como yo. En aquel entonces Carlos hizo una programación tremenda, durísima. Y nos fue muy mal.

¿Mal de crítica?

De todo. Teníamos todo en contra. La crítica, por supuesto. Arrolladora. Yo siempre que hago una obra es todo un desastre.

¿Hasta la fecha?

Sí. Lo triste es que también teníamos en contra a los profesionales. Los otros que hacían teatro también nos veían como gente que hacía cosas muy raras.

¿Y cómo es el tránsito de una posición marginal en España a estar programado en muchos de los espacios más codiciados del teatro contemporáneo?

Lo que pasa es que nosotros nunca dejamos de producir. Yo además trabajaba en una agencia de publicidad como creativo. Era tremendo porque estás todo el tiempo ahí dedicado a una estupidez, a vender un producto. Pero así me ganaba la vida y podía ayudar con los montajes, comprar cosas o hacerlas. Así hice un montón de obras, como cuarenta. Por suerte, teníamos el Pradillo y poco a poco tuvimos un público. Eso fue muy lindo de Madrid. Llegamos a tener gente que venía a amarnos o a odiarnos. Y seguimos trabajando, sin parar, en medio de una política teatral española horrorosa, absolutamente conservadora, preocupada porque nadie se enoje, lo cual es absurdo porque si tú crees que el teatro significa algo para la sociedad, lo lógico es apostar por otro tipo de lenguajes, aunque alguien se enoje. Un buen día aparecieron unos tipos franceses a ver una obra mía. Entre ellos estaba François Le Pillouer, director artístico del Teatro Nacional de Bretaña. Él me invitó a un festival allá. Y a partir de entonces me apoyó mucho. Año tras año me invitaba a producir con ellos, aun cuando algunas piezas no salieron bien. Ese fue el despegue para Francia. Lo de Aviñón fue una casualidad porque nosotros fuimos a trabajar al Festival Internacional de Buenos Aires con dos obras: una se llamaba After sun y otra Conocer gente, comer mierda. Y aquello fue un desastre total. La crítica me puso a parir, que era una mierda, una cosa terrible. Y a una función no vino nadie. Nadie. Vino mi padre, mi madre, un amigo de la infancia y dos personas más. Resultó que una de ellas era Vincent Baudriller del Festival de Avignon y la otra Sasha Waltz, que en aquel entonces estaba en la Schaubühne de Berlín. Al final yo me quería morir. Ellos se acercaron y me invitaron a trabajar con ellos.

¿Tu teatro ha cambiado a partir de estas experiencias?

Sí. Al principio yo hacía montajes donde el peso lo tenía la palabra, pero en el Pradillo me encontré con gente que venía de la danza contemporánea y el performance. Y ahí yo veía que los cuerpos expresaban cosas más abstractas, que no se podían lograr con la literatura. Poco a poco empecé a escribir menos y a trabajar más con acciones físicas. Paralelamente me convertí en un estupendo público de artes plásticas. Empecé a ir a la Documenta de Kassel y a la Bienal de Venecia. Y eso caló mucho porque en las artes plásticas descubrí una pluralidad que no encontraba en el teatro. En los artistas de teatro yo encontraba tendencias muy uniformes. Todo era muy parecido. Mientras que los artistas plásticos eran muy diversos: uno hacía cosas
con multimedia, otro con barro, otro con plantas y otro con altavoces y sonido. Yo veía una libertad expresiva enorme, donde realmente cada quien tenía una poética muy definida y la explotaba. Empecé a escribir menos. Y, curiosamente, me di cuenta de que, si había menos literatura, la palabra tenía más importancia. Cuando llegaba, lo hacía con mucha más fuerza. Empecé a trabajar las cosas físicas, influenciado por artistas que me gustaban mucho como Jan Fabre, Jan Lauwers y, por supuesto, Pina Bausch.

¿Cómo es tu proceso de trabajo?

Al principio trabajaba como cualquiera. Es decir, me sentaba a escribir el texto y, cuando lo tenía terminado, lo montaba con unos actores, y adiós. Pero desde hace diez años lo que hago es decidir, de manera muy intuitiva, con quién voy a trabajar. Digo, quiero tres tipos. Van a ser sólo hombres o sólo mujeres. No responde a nada porque no tengo ninguna idea previa, ni siquiera un tema. Nada. Simplemente sé que estoy vivo, que me pasan un montón de cosas y que las tengo que contar. Por lo tanto, lo que le pido a un actor es mucha confianza, que tiene que ser mutua porque empezamos sin nada. Yo ensayo muy poco. La mayor parte del tiempo trabajo en mi casa. Hago muchos dibujos, que normalmente son lo que se ve en el escenario. Y entonces llego con los actores y comento las cosas que he estado pensando. Y son ellos
los que tienen la habilidad para convertir lo que les propongo, que es muy frágil, en algo expresivo. Por ejemplo, en un ensayo de After sun le dije a un actor que bailara con dos conejos. Y aunque parecía una chorrada fue una escena que resultó terrible por cómo lo hacía él. Tuvimos unos escándalos increíbles porque parecía que los mataba. Toda esa partitura de movimientos, toda la energía, todo lo puso el actor. Yo no le dije nada. Nunca dirijo a los actores. Generalmente son ellos quienes llevan las cosas al límite.

¿Cómo organizas todo ese material?

Acumulo muchísimo. Y nunca repito. Si hacemos un día esto de los conejos, no se repite más. Y no lo volvemos a hablar. Nunca nos sentamos a intentar encontrarle una explicación a nada. En mis ensayos no hay ni mesas ni sillas. Estamos todos de pie, se trabaja físicamente. Por lo general, llega un momento, que me toma diez días, en que me encierro con todas las imágenes y escenas que hemos creado. Y también de una manera muy intuitiva pienso que una imagen no necesita un texto porque sería redundante o que otra necesita un texto que haga un contrapunto porque no evoca nada o le falta algo. Y una vez que decido todo eso, los actores memorizan, lo veo y me vuelvo a encerrar dos días a hacer un storyboard muy riguroso, donde pongo la secuencia de acciones. La hacemos dos, tres veces de un tirón y a estrenarla porque nos gusta que el público venga pronto. Al final, creo que la obra de un artista es una exposición de sus limitaciones, sus carencias. Uno dice: este es mi lenguaje, pequeñito, mal hecho, lo que sea, pero esto es lo que puedo hacer. ~


El hombre del tiempo - Estreno



Estreno jueves 12 noviembre 2009

El hombre del tiempo
Cía. Gichi-Gichi Do (Madrid) / Performance


» Del 12 al 15 de noviembre 2009
De jueves a domingo /20h.30


El Hombre del Tiempo es un personaje-metáfora, alguien que mide las variaciones climatológicas a lo largo del día y de los años, redactando a partir de los datos recogidos, informes y estadísticas; pero también es alguien capaz de variar esas condiciones climatológicas a su antojo, transformando por lo tanto la naturaleza de todas las cosas y el curso de los acontecimientos.

Nos interesa hablar de los tres estados del hombre: el manipulador, el manipulado, y por encima de ellos un ente superior que marca el destino de ambos.

El Hombre Del Tiempo supone también una investigación acerca de cómo los acontecimientos son manipulados por los grupos de poder, para modificar su carta de naturaleza y utilizarlos a favor de sus intereses.

Gichi-Gichi Do es un equipo de trabajo formado por Luciana Pereyra Agoff (Niña Jonás) y Óscar G. Villegas (Sr. Curí).

El objetivo de Gichi-Gichi Do es el diseño y la creación de proyectos escénicos que se desarrollan bajo diferentes formatos: instalaciones escénicas, conciertos y performances.

De entre sus últimos trabajos cabe destacar:
Exposición (2005), Progenitura (2007) e Intermedio (2008)

Creación: Gichi-Gichi Do
Performers: Niña Jonás, Sr. Curí, Claudia Faci y Jesús Barranco
Agradecimientos: Familia Pereyra-Agoff-Zimman-Benito- Villegas
Con el apoyo de Iberescena
Estreno absoluto