El colmo de la improvisación


Ayer viví en primera persona qué puede ser el colmo de la improvisación. Y como lo viví, como participé en ello, todo lo que aquí puedo decir tiene un toque subjetivo y sentimental. Cuando vea vídeos podré decir algo más.
Por Nerea Aguilar.

Zona Híbrida

ENTREVISTA A TRES BANDAS PRIMER FESTIVAL INTERDISCIPLINAR, ZONA HÍBRIDA

"Nos interesa sacudir a la gente para invitar a pensar fuera de los parámetros cotidianos”

NEREA AGUILAR SANZ
Para entender la vida que nace de los productos inter y transdisciplinares en el primer Festival interdisciplinar Zona Híbrida, hablamos con tres de sus promotores.
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EL PRIMER FESTIVAL ZONA HÍBRIDA reúne este mes a tres compañías en la sala Pradillo de Madrid / Reverso

Berta Delgado y David Aladro-Vico son los promotores de LRM Performance, una de las tres compañías que, junto a Reverso y Ebba Rohweder, se mostrarán en la madrileña sala Pradillo entre el 22 y el 25 de octubre. También nos acompaña Laura Kumin, directora y programadora de la sala. Las disciplinas y las artes se refuerzan en un nuevo festival que muestra varias facetas a la vez : desde la experimentación sonora, visual, plástica y escénica, hasta la ciencia y tecnología aplicadas al arte.

DIAGONAL : ¿Qué significa Zona Híbrida ?

BERTA DELGADO : Hemos reunido a artistas de diferentes campos : plásticos y visuales, performers, bailarines y músicos.

DAVID ALADRO-VICO : Buscamos la mezcla de las artes, que habitualmente se encuentran separadas y concentradas en sus roles y su propio público. Somos un compositor de música contemporánea y una artista plástica que crean una obra conjunta, una performance, en la que todas las partes tienen la misma importancia. Pensamos en ampliar esa idea y buscar artistas que trabajaran en todos los ámbitos a la vez.

LAURA KUMIN : Para el Teatro Pradillo resulta un proyecto muy acorde con nuestras inquietudes. Nosotros apostamos por los creadores y trabajamos para crear diálogos entre artistas y con el público. Es muy enriquecedor colaborar con gente que te abre las perspectivas. Esta contaminación creativa genera una visión más amplia tanto para ellos como para los espectadores. Cuando hablé con LRM, buscamos la manera de sacar el mayor provecho de ello. El ciclo que han montado es el resultado. Me encanta que la sala funcione como detonante de posibilidades creativas, y creo que se pueden generar muchas ideas para el futuro de esta iniciativa.

D. : ¿Qué elementos contiene lo que vais a mostrar ?

D.A-V. : Presentaremos nuestro último montaje, Cogwheel, sobre el tiempo, el desgaste y las máquinas, con música electroacústica, videoarte, retroproyecciones, pintura y actuación.

D. : ¿Cómo definiríais vuestro trabajo ?

D.A-V. : Nos hemos ido centrando en crear un espectáculo- performance, y el aspecto escénico ha ido cobrando la misma importancia que el musical y visual.

B.D. : No tiene un argumento ni intención de entretener en el sentido más comercial. Es muy expresionista. Busca el contraste y la integración entre elementos sonoros y visuales. Nos interesa provocar emociones con el trabajo. No nos gusta condicionar al espectador con definiciones previas ; que saque sus propias conclusiones.

L.K. : Muchas veces el espectador entra en un espectáculo creyendo tener una sola manera de entender. Más que ‘entender’, me parece interesante ‘vivir’ una obra. Es fantástico cuando una obra, una pieza o una performance generan preguntas y debate entre los espectadores.

D. : ¿Cuál es vuestro proceso de creación ?

D.A-V. : Tenemos intereses y gustos comunes sobre arte, música y artes escénicas. Las ideas para un nuevo proyecto se acumulan mediante influencias : obras que hemos visto y escuchado de cualquier área, la vida diaria o cualquier elemento que sugiera algo. B.D. : Generalmente empezamos con bocetos e ideas apuntadas en un cuaderno, y hacemos muchas pruebas ; después, muchos ensayos. La improvisación sobre elementos preestablecidos es una muy buena fuente de ideas.

D. : ¿Hacia dónde va la creación actual ?

D.A-V. : Tenemos esa sensación de que hay saturación, por así decirlo, en las artes, porque hay una oferta muy amplia. La mezcla de disciplinas será una forma de renovación.

L.K. : No sé si yo lo atribuiría a la saturación. Pienso que se debe más a nuevas formas de comunicación y de formación de los artistas y un mayor sentido de libertad a la hora de cruzar las fronteras. Sí es cierto que esas fronteras están muy borrosas hoy día. Lo importante, cuando se proponen creaciones pluridisciplinares, es buscar un contenido coherente para no quedarse simplemente en la convivencia superficial de disciplinas porque sí.

D. : ¿Qué me decís del esfuerzo y la cuestión económica ?

B.D. : Has puesto el dedo en la llaga. Hay que hacer malabarismos para poder comer y sacar adelante tus proyectos y los gastos de materiales e instrumentos, que son muchos. Hacer algo cuesta, en cualquier área. Y hacer algo creativo, nuevo, cuesta más, pues hay que desafiar lo preexistente, especialmente los prejuicios. Pero luego la recompensa es mucho mayor, sobre todo en lo personal.

D.A-V. : Sobre el dinero, en general, lo importante es no ponerse nervioso. Con muy poco dinero, o ninguno, se puede hacer mucho. Creemos que la calidad no depende directamente del dinero.

L.K. : Pero el trabajo continuo, lo que garantiza perspectivas de futuro, sí. Porque la creación, la programación y el mantenimiento de una compañía o un espacio son trabajos reales que necesitan una remuneración real y aportan valores reales a la sociedad. No es igual trabajar con un presupuesto adecuado para realizar una labor continua que pasar las horas haciendo cuentas para sacar adelante un proyecto. Y es más frustrante aún cuando cada año las iniciativas artísticas son mayores, pero la financiación se reduce. Sin embargo, sí hay dinero para promocionar macroeventos escénicos y culturales.

D. : ¿Qué esperáis de los próximos años ?

B.D. : Uf, hay tanto por hacer... Supongo que, al gustarnos tantas disciplinas distintas, nunca se nos acaban las ideas y proyectos. Con tener las condiciones mínimas necesarias para seguir, es suficiente.

D.A-V. : Sí, y simplemente con tener la voluntad de hacer cosas las condiciones surgen. La voluntad es algo muy poderoso. Así que seguiremos adelante, a descubrir...

L.K. : Y nosotros también esperamos seguir descubriendo cosas con los artistas que programamos y el público que acude a verlos. En el fondo, esa búsqueda es lo que nos motiva a todos.

Intermedio

Pasa de la mierda esa de la Pina Bausch y ven a ver ésto:

villegas


Intermedio, de Óscar Villegas (Guichi - Guichi Do). Este viernes a las 20h.30 en el Teatro Pradillo.
D.

¿Con mas información de obras anteriores la actualidad sería otra?

¿La falta de movimiento en lo escénico se debe a esta falta de información?. Que papel juega Teatrón aquí?

Siempre he sentido la falta de información visual de obras y experiencias escénicas de cualquier ámbito. Ahora que podemos tener una herramienta que permite que esta información circule no podemos decir que cuando alguien cuelga una obra de hace tiempo se este haciendo un homenaje. No podemos estar con remilgos de actualidad. Todo es actualidad en el momento en que existe. Las escénicas son obras públicas como una novela pero a diferencia de estas desaparecen. Esto implica una evolución mas lenta de lo teatral por que la información que queda es escrita (manipulada) y la poca información visual que hay esta perdida por ahí en archivos invisibles. Por esto colgar una obra de hace seis años no es archivo sino una voz en la actualidad de la escena.

Hay un dialogo que se da a menudo entre colegas escritores y es el uso de las referencias, el como hablan de los modos de hacer con apoyos reales porque los libros están al alcance de la mano para verificarlos, destronarlos o influirse. Los de la escena toda la vida hemos contado con muy pocos documentos. Por asociarlo al caso de los libros lo que tenemos son opiniones y ensayos varios y casi nunca la obra real o en su caso la voz del autor. Tampoco hay que negar el escaso interés por lo poco que hay desde este arte donde hemos hecho callo en la desinformación ¿verdad? Son mas los inspirados que los prácticos, es decir, insulsos de portada. Lo que significa que cuando los callistas culturales intervienen pueden raspar por donde sea con la confianza que da la anestesia general.

Se conserva la información visual de vacas sagradas en archivos de algunos centros de la cultura (NY, París…) pero seguimos sin contar con la información de la historia mas cercana. Sin ir muy lejos aquí en Barcelona resulta imposible acceder a las creaciones de hace tres años de la mayoría de los creadores actuales. Las entitats catalanas se dedican a hacer catálogos de artistas locales con menos información que un programa de mano, sin darse cuenta de que todo aquello que apoyan ahora y que subvencionaron antes, a las generaciones venideras no les sirve como apoyo. Todos hemos sido, somos y por un tiempo seguiremos siendo generaciones tuertas.

El discurso “es que un directo nunca puede ser mirado o experimentado a través del video como lo es en la realidad” es cierto. Pero esto no quita para que la obra pueda verse en vídeo y seguir informando en vez de desaparecer del contexto general. Verlo en pantalla siempre dará una idea mas aproximada de la obra que cualquier texto escrito.

Valoro que en teatrón la gente de rienda suelta a sus impresiones, fechas de sus actuaciones, textos varios, guiones de obras, etc…son parte de la realidad, pero en mi caso preferiría que soltaran sus trabajos.

…y es que hace tiempo que no asisto a una obra o presentación de cualquier tipo donde no haya una cámara. ¿Donde están todas esas imágenes? ¿Son solo para los programadores y para los doscientos que en esa ciudad lo vieron? ¿El sentido práctico de esto sería crear muebles domésticos para guardar miniDVs postumos?

Carmelo Salazar en Tea-tron

Interesante...
D.



César

César de Urbino, pequeño y ficticio reino italiano de Manos blancas no ofenden, una de las obras del ciclo italiano de Calderón, ha sido criado ajeno a sus atributos masculinos por una madre sobreprotectora, de modo que el chico, a su pesar, ha salido algo afeminado.
Lejos de traumarle, el príncipe sabe como sacarle partido a su tara, para colaborar en el enredo cortesano que se trama alrededor de su prima lejana, la condesa de Ursino. En un golpe de la fortuna, se viste de mujer y llega de ser la mejor amiga y confesora de su secreta amada, la condesa Serafina, y aprovecha para apoyarla en el litigio que ésta tiene con los variados pretendientes que la acosan como heredera del torno de Ursino. Y, como el roce hace ..., las "amigas" se terminan por encariñar.

Para desenredar el nudo gordiano, durante una representación teatral palaciega, nuestro travestido se debe volver a travestir, esta vez de actor masculino (?), pirueta de la historia, la cual pretenderá utilizar para poder revelar su verdadera identidad.
Ocurre que a pesar de ser un hombre, disfrazado de hombre, nadie le cree y, siguen prefiriéndolo como personaje femenino y se ríen de ella considerándola una loca.
Nuestro héroe, desesperado ante la idea de quedarse atrapado por pícaro, en su papel ficticio, les reúne y les enseña a toda la corte, sus partes.

Anoche, lo vimos en el Teatro Pavón de Madrid.
D.

Mi puta perrera

Angelica Lidell tiene un blog.
Y es cojonudo.
Vía Rubencito.
D.

Teatro de Objetos: El alma de la cosas

El Teatro de Objetos sale del armario con el reportaje, Teatro de Objetos: El alma de la cosas. Se habla del Teatro Pradillo, de Pendientes de un hilo, de La Tartana Teatro, de Juan Muñoz, de PlayGround, Los Noctámbulos, etc.
En la revista mensual Teatro Madrid de octubre 2008. Por S. Pelegrín.
Muy majo.
D.

Brossa y Santos

Carles Santos conoció a Joan Brossa, y durante años no dejó de visitarlo, hasta que un día no fue por su casa, y nunca más le volvió a ver.

Carles Santos, que se considera su discípulo, homenajea a Brossa en un espectáculo teatral, a pesar de las dudas que podrían despertarle al homenajeado tales homenajes.
En él, vemos piezas de Brossa (muy buenas, buenísimas, viejísimas, como La Tempestad), escuchamos sus maravillosos poemas o sus aforismos ("...una carta urgente, ... déjala, mañana será más urgente"), y vemos un montaje de Santos, sus pianos maltratados, su puesta en escena, ¡al ataque! Brossa y Santos, Santos y Brossa.

Ambos dialogan entre sí, a pesar de que uno de ellos ya ha fallecido. Su obra no.
Ni su presencia, que se nos aparece en forma de documentos de archivo, donde nos habla del oficio de artista (Brossa, escribe, publica su obra y vive como un artista), pero sobre todo del drama que es nacer en este (ese) país y ser un bueno (tan vigente aún).

Los demás somos sus discípulos. Los demás, ahí estamos.
D.

*Nota: Joan Brossa se ha estrenado en Madrid varias veces, la primera que yo sepa en el Ciclo Autor del Teatro Pradillo, año 2001. Mira tú por dónde.