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Dramaturgo, videoartista, performer, escenógrafo y director teatral, Rodrigo García (Buenos Aires, 1964) es el fundador de la compañía La Carnicería, cuyo trabajo ha sido producido por el Festival de Aviñón, el Teatro Nacional de Bretaña y el Festival de Atenas. Ganador del prestigiado Premio Europa Nuevas Realidades Teatrales, García se presentó recientemente en México con los espectáculos Accidens / Matar para comer y Versus.
¿Cómo empezaste a hacer teatro?
Mi formación fue como público. En Buenos Aires veía todo. En la época que me tocó, cuando yo era joven, que sería del ochenta al ochenta y cinco, no me perdía nada. Aun en la dictadura era increíble la cantidad de espacios abiertos. Podías ver algo todos los días. Francamente no sé por qué me dio por ir tanto al teatro. Mi familia no tiene ninguna relación con el arte. Mi padre es carnicero y mi madre verdulera. Son inmigrantes españoles que se fueron para Argentina. En mi casa no había libros, ni nada.
¿Por qué te fuiste a España?
Porque era joven.
Pero en Argentina hay una oferta teatral interesante.
Sí, pero estaba jodido. Yo tuve (me imagino que muchos otros también) una gran decepción con la llegada de la democracia. La esperábamos con mucha ansiedad, después de una dictadura militar con tantos muertos, tanta masacre. Y había ganado el candidato que creíamos más lógico, Raúl Alfonsín. La desilusión fue tremenda porque económicamente aquello fue un desastre. Había una hiperinflación tremenda. Yo junté un poco de dinero y dije me voy.
¿Cómo produjiste tus primeras obras?
Yo pedía siempre dinero para montar y nunca me daban nada. No existía un teatro independiente. Si no entrabas por un lado estatal, no hacías nada. Total, un día me dieron dos pesos para montar una obra porque había ganado un concurso de literatura dramática. Pude dirigir gracias a escribir. Mi primer montaje se llamó Acera derecha. Le fue bien. Por suerte conocí a Carlos Marquerie, que tenía una compañía que se llamaba La Tartana. Teníamos muchas afinidades. Él trabajaba cosas más abstractas, con títeres raros, muñecos. Él consiguió dinero del Ministerio de Cultura para operar una sala que se llamó Teatro Pradillo en Madrid. Y ahí sí tuve la fortuna de tener un espacio de exhibición y, sobre todo, un diálogo con gente que pensaba como yo. En aquel entonces Carlos hizo una programación tremenda, durísima. Y nos fue muy mal.
¿Mal de crítica?
De todo. Teníamos todo en contra. La crítica, por supuesto. Arrolladora. Yo siempre que hago una obra es todo un desastre.
¿Hasta la fecha?
Sí. Lo triste es que también teníamos en contra a los profesionales. Los otros que hacían teatro también nos veían como gente que hacía cosas muy raras.
¿Y cómo es el tránsito de una posición marginal en España a estar programado en muchos de los espacios más codiciados del teatro contemporáneo?
Lo que pasa es que nosotros nunca dejamos de producir. Yo además trabajaba en una agencia de publicidad como creativo. Era tremendo porque estás todo el tiempo ahí dedicado a una estupidez, a vender un producto. Pero así me ganaba la vida y podía ayudar con los montajes, comprar cosas o hacerlas. Así hice un montón de obras, como cuarenta. Por suerte, teníamos el Pradillo y poco a poco tuvimos un público. Eso fue muy lindo de Madrid. Llegamos a tener gente que venía a amarnos o a odiarnos. Y seguimos trabajando, sin parar, en medio de una política teatral española horrorosa, absolutamente conservadora, preocupada porque nadie se enoje, lo cual es absurdo porque si tú crees que el teatro significa algo para la sociedad, lo lógico es apostar por otro tipo de lenguajes, aunque alguien se enoje. Un buen día aparecieron unos tipos franceses a ver una obra mía. Entre ellos estaba François Le Pillouer, director artístico del Teatro Nacional de Bretaña. Él me invitó a un festival allá. Y a partir de entonces me apoyó mucho. Año tras año me invitaba a producir con ellos, aun cuando algunas piezas no salieron bien. Ese fue el despegue para Francia. Lo de Aviñón fue una casualidad porque nosotros fuimos a trabajar al Festival Internacional de Buenos Aires con dos obras: una se llamaba After sun y otra Conocer gente, comer mierda. Y aquello fue un desastre total. La crítica me puso a parir, que era una mierda, una cosa terrible. Y a una función no vino nadie. Nadie. Vino mi padre, mi madre, un amigo de la infancia y dos personas más. Resultó que una de ellas era Vincent Baudriller del Festival de Avignon y la otra Sasha Waltz, que en aquel entonces estaba en la Schaubühne de Berlín. Al final yo me quería morir. Ellos se acercaron y me invitaron a trabajar con ellos.
¿Tu teatro ha cambiado a partir de estas experiencias?
Sí. Al principio yo hacía montajes donde el peso lo tenía la palabra, pero en el Pradillo me encontré con gente que venía de la danza contemporánea y el performance. Y ahí yo veía que los cuerpos expresaban cosas más abstractas, que no se podían lograr con la literatura. Poco a poco empecé a escribir menos y a trabajar más con acciones físicas. Paralelamente me convertí en un estupendo público de artes plásticas. Empecé a ir a la Documenta de Kassel y a la Bienal de Venecia. Y eso caló mucho porque en las artes plásticas descubrí una pluralidad que no encontraba en el teatro. En los artistas de teatro yo encontraba tendencias muy uniformes. Todo era muy parecido. Mientras que los artistas plásticos eran muy diversos: uno hacía cosas
con multimedia, otro con barro, otro con plantas y otro con altavoces y sonido. Yo veía una libertad expresiva enorme, donde realmente cada quien tenía una poética muy definida y la explotaba. Empecé a escribir menos. Y, curiosamente, me di cuenta de que, si había menos literatura, la palabra tenía más importancia. Cuando llegaba, lo hacía con mucha más fuerza. Empecé a trabajar las cosas físicas, influenciado por artistas que me gustaban mucho como Jan Fabre, Jan Lauwers y, por supuesto, Pina Bausch.¿Cómo es tu proceso de trabajo?
Al principio trabajaba como cualquiera. Es decir, me sentaba a escribir el texto y, cuando lo tenía terminado, lo montaba con unos actores, y adiós. Pero desde hace diez años lo que hago es decidir, de manera muy intuitiva, con quién voy a trabajar. Digo, quiero tres tipos. Van a ser sólo hombres o sólo mujeres. No responde a nada porque no tengo ninguna idea previa, ni siquiera un tema. Nada. Simplemente sé que estoy vivo, que me pasan un montón de cosas y que las tengo que contar. Por lo tanto, lo que le pido a un actor es mucha confianza, que tiene que ser mutua porque empezamos sin nada. Yo ensayo muy poco. La mayor parte del tiempo trabajo en mi casa. Hago muchos dibujos, que normalmente son lo que se ve en el escenario. Y entonces llego con los actores y comento las cosas que he estado pensando. Y son ellos
los que tienen la habilidad para convertir lo que les propongo, que es muy frágil, en algo expresivo. Por ejemplo, en un ensayo de After sun le dije a un actor que bailara con dos conejos. Y aunque parecía una chorrada fue una escena que resultó terrible por cómo lo hacía él. Tuvimos unos escándalos increíbles porque parecía que los mataba. Toda esa partitura de movimientos, toda la energía, todo lo puso el actor. Yo no le dije nada. Nunca dirijo a los actores. Generalmente son ellos quienes llevan las cosas al límite.¿Cómo organizas todo ese material?
Acumulo muchísimo. Y nunca repito. Si hacemos un día esto de los conejos, no se repite más. Y no lo volvemos a hablar. Nunca nos sentamos a intentar encontrarle una explicación a nada. En mis ensayos no hay ni mesas ni sillas. Estamos todos de pie, se trabaja físicamente. Por lo general, llega un momento, que me toma diez días, en que me encierro con todas las imágenes y escenas que hemos creado. Y también de una manera muy intuitiva pienso que una imagen no necesita un texto porque sería redundante o que otra necesita un texto que haga un contrapunto porque no evoca nada o le falta algo. Y una vez que decido todo eso, los actores memorizan, lo veo y me vuelvo a encerrar dos días a hacer un storyboard muy riguroso, donde pongo la secuencia de acciones. La hacemos dos, tres veces de un tirón y a estrenarla porque nos gusta que el público venga pronto. Al final, creo que la obra de un artista es una exposición de sus limitaciones, sus carencias. Uno dice: este es mi lenguaje, pequeñito, mal hecho, lo que sea, pero esto es lo que puedo hacer. ~
Estreno jueves 12 noviembre 2009
El hombre del tiempo
Cía. Gichi-Gichi Do (Madrid) / Performance
» Del 12 al 15 de noviembre 2009
De jueves a domingo /20h.30
El Hombre del Tiempo es un personaje-metáfora, alguien que mide las variaciones climatológicas a lo largo del día y de los años, redactando a partir de los datos recogidos, informes y estadísticas; pero también es alguien capaz de variar esas condiciones climatológicas a su antojo, transformando por lo tanto la naturaleza de todas las cosas y el curso de los acontecimientos.
Nos interesa hablar de los tres estados del hombre: el manipulador, el manipulado, y por encima de ellos un ente superior que marca el destino de ambos.
El Hombre Del Tiempo supone también una investigación acerca de cómo los acontecimientos son manipulados por los grupos de poder, para modificar su carta de naturaleza y utilizarlos a favor de sus intereses.
Gichi-Gichi Do es un equipo de trabajo formado por Luciana Pereyra Agoff (Niña Jonás) y Óscar G. Villegas (Sr. Curí).
El objetivo de Gichi-Gichi Do es el diseño y la creación de proyectos escénicos que se desarrollan bajo diferentes formatos: instalaciones escénicas, conciertos y performances.
De entre sus últimos trabajos cabe destacar:
Exposición (2005), Progenitura (2007) e Intermedio (2008)
Creación: Gichi-Gichi Do
Performers: Niña Jonás, Sr. Curí, Claudia Faci y Jesús Barranco
Agradecimientos: Familia Pereyra-Agoff-Zimman-Benito- Villegas
Con el apoyo de Iberescena
Estreno absoluto
Cía. Marina Weiner (Madrid) / Teatro físico
» Del 29 de octubre al 8 de noviembre 2009
De jueves a domingo / 20h.30
Fragmentos rotos de un puzzle que tampoco contesta nada...
La Desfragmentación misma hace imposible su historia
El loco cuerdo vuelve loco al sano.
Lo que desespera es la ausencia de motivo.
Cuando se vive en el horror, toda esperanza figurativa se desvanece y la coherencia es un anhelo inalcanzable.
Toda certeza cae, el suelo mismo cae.
Y al final de la caída , nos espera el falso fondo de las chisteras de los timadores
Este espectáculo empezó a gestarse gracias al Laboratorio de Exploración Escénica de Espacio Teatro Contemporáneo (ETC) de la Cuarta Pared, en el que se me invitó a investigar durante un mes, sin prisas y con total libertad de obsesión para elegir tema, equipo y sentido.
Intérpretes: Daniel Abreu, Laura González, José Luis Mosquera y David Picazo
Texto y dirección: Marina Wainer
Coproducción del Teatro Pradillo
House Circuit
Cía. Trans/Garden (Madrid - Argentina) | Teatro Físico / Danza
» Del 15 al 25 de octubre
De jueves a domingo / 20h.30
>>> Compra aquí tu entrada anticipada
House Circuit, es la primera parte de una trilogía basada en el condicionamiento de las relaciones establecidas en el marco de un espacio definido.
House circuit 1
5 personas comparten un piso, uno de los habitantes se va, a partir de ese momento, la convivencia pierde sintonía, entra en defasaje, las simples situaciones “cotidianas” los afecta de manera diferente y exacerbada, generando, encuentros, desencuentros y des-conciertos, que ponen en conflicto permanente a estos personajes, contradictorios, humanos y modernos...
Este “piso compartido” con su funcionalidad predeterminada , se vera entonces transformado. La cocina, los cuartos, el baño, la sala… se convierten en casillas del tablero de un juego donde ganar y perder dependerá de la suerte y la inteligencia con la que sus cuatro habitantes sepan o puedan adaptarse a las nuevas situaciones de convivencia.
Mey-Ling Bisogno estudia variadas técnicas de danza para alimentar su curiosidad y su apetito por la escena. Se formó en danza clásica, contemporánea y jazz en Venezuela, luego en Miami, obtiene una beca para perfeccionar su aprendizaje en el Alvin Ailey American Dance Center en Nueva York, estudia diversas técnicas (Graham, Horton, Limón, Contact, flying Low. En Buenos Aires estudio teatro con Rubén Schumacher y en Paris en la escuela de Jacques Lecoq. Su ultimo trabajo de investigación del movimiento la llevo a trabajar en los circuitos de lucha libre en Francia. Colaboradora de muchos coreógrafos, fue intérprete para David Grenke y Li chiao Ping (USA), De la Guarda (Argentina), Mariana Bellotto (Argentina) Brenda Angiel (Argentina)... Dirige y coreografía obteniendo reconocimientos y premios para las compañías Danzamerica en Venezuela de 1990 a 1994, Art-o-ba en Buenos Aires de 1995 al 2000 y 3gallos en Paris Francia del 2002 al 2008. A finales del 2008 se instala en Madrid y crea la compañía Trans/Garden junto a Juan Branca y Martín Ghersa, artistas con una amplia trayectoria en la investigación escénica, la actuación y la composición musical.
Mey-Ling Bisogno cuenta hoy con un repertorio de 15 creaciones.
Idea y dirección: Mey-Ling Bisogno
Creación coreográfica: Mey-Ling Bisogno, Diana Bonilla, Juan Branca, Ana Crouseilles y Vincent Simon
Interpretes: Diana Bonilla, Juan Branca, Ana Crouseilles y Vincent Simon
Música original: Martín Ghersa
Iluminación: Paloma Parra
Vestuario: Luis Almeida
Fotos: Gustavo Rebollo Tur y Emilio Tenorio
Compañía Residente del Teatro Pradillo
CULTURAS :: ARTES ESCÉNICAS MONTAJES
LAURA CORCUERA
Lunes 12 de octubre de 2009. Número 110
UN SUBIDÓN
Dos tíos escriben el texto. Dos tías lo interpretan. Un repaso a los ‘90. Smashing Pumpkins, Nirvana, Patti Smith, un beso entre dos chicas. El paso del tiempo y muchos momentos poéticos creados desde la limpieza de espacio y luces. Si el texto de Pablo Fidalgo y Celso Giménez habla de dos señores enamorados que recuerdan –para romperla– una España fascista metida en la modernidad europea, el texto de Itsaso Arana y Violeta Gil presenta a dos chicas de 20, cómplices y amantes. Directas al público, esbozan una memoria rascada de testimonios y sensaciones, para ordenar la historia. Desde el muro de Berlín hasta el 11-S. Las plumas de la almohada por el suelo, como nubes de ensueño. La vía láctea en la pared del teatro, dos cuerpos tumbados que miran una película de Béla Tarr. Me quedo con las travesuras y complicidades de las dos chicas y paso de los dos cuarentones. Los que nacimos a finales de los ‘70 y principios de los ‘80, despertamos en los ‘90, pero crecimos en el nuevo siglo. Como la cerveza Sin. Han pasado diez años y los muros se han mantenido y reproducido, y los amores siguen estando ahí. El mundo no se acaba y la revolución sigue siendo necesaria. Por eso el trabajo de la Tristura es como un subidón de nexus a plena luz del sol. Cuando el mundo está a tus pies y la vida parece muy larga, pienso que todavía puedes preguntarte si nacimos para ser estrellas.
Años ’90. Nacimos para ser estrellas Compañía La Tristura (latristura.com) Teatro Pradillo. Septiembre 2009 Próximo estreno en el Festival Escena Contemporánea 2010
Uno dos tres . . . probando . . . hay alguien? Hare un rato de silencio respecto del tema. Ya dije mucho. Tienen ojos por todos lados. Lo ven y lo oyen todo. Disimularé otro poco mas haciendo como que soy una pobre mujer sola que ha quedado en la calle después de la última gran crisis que vino después del último gran apogeo . . . La muerte es así: voy cerrando los ojos en blanco. Me tiemblo mitad de la cara. Una mano sola se tensa. La pierna da coses. Hay convulsión, baba, alarido seco y caigo . . . pero todavía no no no . . . tengo que aguantar un poco mas . . . Caroline no quiere ir a la luz . . . por mas que se lo piden a gritos sus ancestros . . . ella todavía tiene muchas cosas por hacer y terminar . . . mucha gente que querer y otra que putear a la cara, a viva voz hasta quedar afónica y luego . . . quizá de a poco empezar a andar hacia el mas allá . . . o mas acá . . . quien lo sabe . . . vos? Yo no . . . NO.
Por dentro de mí había un río violeta. Me hice estrella de mar y me pose suavemente sobre un canto rodado. Una estrella de mar violeta en un río transparente también violeta y aromático. Había líquenes a mi lado que se bamboleaban con la corriente. Peces violetas se acercaban a mirarme. No habían visto nunca a una estrella de mar en un río. Yo brillaba. Adentro mío estuve en silencio absoluto. Afuera me enlechaban las orejas, laceraban mis pezones, entraban y salían de mí. Chorreaba sangre de mi boca. Un pez violeta tornasolado acerco sus ojos soñadores a los míos . . . y me desperté . . . doctor . . . doctor que simboliza ese sueño . . . por favor dígame . . . dígame ya hacen siglos que no duermo ¡!. . . Esta bien, esta bien . . . nos vemos la semana que viene l y o comentamos . . . . . . . .
- Tomás Pozzi
Jueves 17 y viernes 18 de septiembre de 18 a 22 h Intervenciones performativas a las 19 y 21h. La coreógrafa Olga Mesa presenta el trabajo en proceso desarrollado en torno al proyecto "labOratorio-labOfilm". La presentación abre una ventana al... Jueves 17 y viernes 18 de septiembre de 18 a 22 h La coreógrafa Olga Mesa presenta el trabajo en proceso desarrollado en torno al proyecto "labOratorio-labOfilm". La presentación abre una ventana al proceso creativo y experimental que la artista inició el pasado mes de agosto en la primera fase de un circuito internacional de residencias. Se invita al público, no a contemplar una pieza acabada sino a sumergirse en un dispositivo experimental de creación in situ, en el que el cuerpo, la mirada y la cámara indagan en la creación nuevos espacios de narración, integrando al espectador y convirtiéndolo en partícipe de la presentación. La instalación se compone de un dispositivo audiovisual intercalado con intervenciones performativas a cargo de Olga Mesa y la intérprete Sara Vaz. "labOratorio-labOfilm" es un proyecto de co-producción entre el Museo Nacional Reina Sofía, Off Limits, Frac de Alsacia, Emetrop de Bourges y otros espacios de creación contemporánea en Francia, que se desarrollará entre 2009 y 2010 y concluirá con la presentación de la obra completa en el Museo Nacional Reina Sofía en el primer trimestre de 2011. Ficha técnica: Producción: Una co-producción de : Museo Nacional Reina Sofía, Frac de Alsacia (Francia), Emetrop de Bourges (Francia) Agradecimientos: In-Sonora, Teatro Pradillo, Black & Noir, Marta Rodríguez, Raúl Alaejos y José Luis Lara.
Intervenciones performativas a las 19 y 21h.
Concepto y dirección: Olga Mesa
Cuerpo-operador (intérpretes): Olga Mesa y Sara Vaz
Instalación sonora: Jonathan Merlin
Montaje audiovisual: Daniel García Isidoro
Montaje técnico: Matías A. Thomas
Asistente de dirección: Marta Rodriguez
Off Limits y Cía. Olga Mesa /Association Hors Champ- Fuera de Campo (Francia)
El presente proyecto ha sido realizado con el apoyo de las Ayudas a la Creación Contemporánea Matadero Madrid 2009 del Ayuntamiento de Madrid.
![[2531899430_93314e287a.jpg]](http://1.bp.blogspot.com/_a9SABWfPe2I/SqnsqjZfHaI/AAAAAAAAAt4/sMb5aD8xrAo/s1600/2531899430_93314e287a.jpg)
Queridxs chicxs de La Tristura,
ni siquiera me pregunto qué hago escribiendo esto o quizá he empezado a preguntármelo precisamente porque ahora que dije que no lo hacía. Hubiera querido decir algo cuando les ví en el bar, después del estreno en Pradillo, pero abrir la boca, hacer cualquier cosa era empezar a destruir el palacio que había perdido y que ustedes reconstruyeron. Y no estaba lista para que eso ocurra porque quería volver allí, un poquito solo. Dar un paseo. Pero un palacio no es real hasta que no está en ruinas. Juventud, divino tesoro. Ya no importa. Yo le digo a todos que vayan al Pradillo a ver Años 90...A que les rompan el corazón y los hagan muy, muy felices.
Elisa Fuenzalida. viernes 11 de septiembre de 2009
Estreno en el Teatro Pradillo, este jueves a las 20h.30. Quizá sea una de sl mejores obras de teatro de la década, sin más...
D.
Años 90. Nacimos para ser estrellas
Cía. La Tristura (Madrid) / Teatro
» Del 10 al 20 septiembre 2009
De jueves a domingo / 20h.30
* No hay función el 19 septiembre
Premio INJUVE 2008
A pesar de su juventud, La tristura es ya una compañía con voz propia en el panorama teatral español.
Eduardo Pérez-Rasilla, Teatro Madrid
Siempre interesante compañía. Un paso más en la estela de su reflexión escénica.
Guía del Ocio
Bello y estremecedor montaje, encarnizadamente interpretado.
ABC
Defienden el pensamiento como una opción de disfrute,incluso de ocio, incluso de belleza instantánea.
Ophelia
Una apuesta por un teatro fronterizo, lejano al mero entretenimiento.
El País
La tristura. Una de las más interesantes compañías de la escena alternativa de la capital.
El Mundo
La tristura cañonea el escenario con su último espectáculo. El testimonio del Apocalipsis por una generación informada pero exhausta, proteica e incendiaria.
Generación XXI
Esta joven compañía tiene las imágenes más dulces y los textos más crudos.
Público
El último grito del teatro alternativo. La Razón.
Porque para hacer el amor y la revolución al mismo tiempo sí que hace falta ser estrella.
Revista Afuera
Una particular historia de amor para conectar con los grandes interrogantes de la humanidad, todo continuando con el estilo poético que caracteriza las obras de La tristura.
Agenda Urbana La tristura deja de ser una promesa con este espectáculo. Es ya una compañía con voz propia en el panorama teatral español. Espero mucho de La tristura.
Madrid Teatro
La tristura presenta su segundo trabajo Años 90. Nacimos para ser estrellas. Un recorrido por la última década del siglo veinte, (desde la caída del muro de Berlín en 1989, hasta la caída de las torres gemelas, en 2001) a través de la historia íntima de dos hombres mayores, interpretados por Itsaso Arana y Violeta Gil. Los años noventa es una historia de amor, un viaje de lo privado a lo público, y una reflexión sobre los últimos acontecimientos de la historia. Un llanto por el siglo veinte. Una historia de amor para contar la historia del mundo.
Contra la violencia y la sociedad del espectáculo, los hombres se asocian creando formas de vida diferentes, que puedan proponerse como alternativa a las vidas comunes.
Puse la televisión en mi habitación Dormí abrazado a la catástrofe Y la catástrofe entró en mi habitación Los días más felices de mi vida Puse la televisión en mi cama Los días más felices de mi vida
Dormí abrazado a ella Fueron en los Años 90 No la apagué cuando me dormí Ponía la televisión en la cama
No bajé el volumen Y eran tan feliz Que me quedaba dormido enseguidaLos años noventa empiezan en la tierra, con la caída del muro, y acaban en el cielo, con los aviones que destruyen las torres gemelas. Ese es el cielo que hemos querido construir. Un cielo desde el que las estrellas bajan a salvarnos. Y así acaba su historia.
Hemos construido una fábula sobre la creación, sobre la inspiración, y sobre la luz. Desde siempre, el hombre ha hecho preguntas al cielo. Y algunas veces, ha obtenido respuesta.
Los Años 90 empiezan en el verano del 2007 y toman forma en invierno, gracias al apoyo de La Casa Encendida y a la Residencia de artistas del mAula de Teatro de la Universidad de Alcalá.
Años 90 se estrena el uno de mayo de 2008 en el Canto de la cabra. Ese mismo verano recibe el Premio Injuve 2008 Propuestas Escénicas.
Después de su gran acogida, Años 90 participa en diferentes festivales nacionales e internacionales y vuelve a Madrid para abrir la temporada 2008-2009 en El Canto de la Cabra.
Años 90, continuará su camino durante 2009. Valencia, Sevilla y Barcelona son sus próximos destinos.
Viajan las estrellas, el algodón y la coca-cola.
La tristura son Violeta Gil, Celso Giménez, Pablo Fidalgo e Itsaso Arana.
En 2006 estrenan La velocidad del padre, la velocidad de la madre.
Con esta obra realizan una gira por diversas ciudades de España como Sevilla, Bilbao, Valencia, Madrid o Vigo.
Los textos de La velocidad…, y Años 90. Nacimos para ser estrellas son el número 23 y 27 de la colección Pliegos de Teatro y Danza.
La tristura cree que el teatro es el lugar adecuado para el encuentro con el otro, para hablar y escuchar. Cree en la implicación absoluta de cada miembro de la compañía en cada aspecto del hecho teatral, en la toma de decisiones, y en el compromiso activo con una forma de vivir. Apuesta por un lenguaje poético y político, lejos del realismo y de las formas convencionales, buscando la excelencia en cada uno de sus trabajos.
Formando parte de una generación que se declara desencantada y nihilista, La tristura reivindica el teatro como espacio sagrado y lugar de asamblea. Si La velocidad…, fue una reflexión sobre la educación y los modelos familiares, Años noventa… trata de mirar al mundo cara a cara, sin acusar y sin buscar culpables, e intenta, una vez más, responder a la pregunta de cómo vivir.
En el tiempo de la postmodernidad, La tristura hace teatro con la convicción de que las palabras y los gestos pueden cambiar las cosas. Y de que sólo hay una manera de diferenciar lo real y lo ficticio, la búsqueda incansable de la belleza y la verdad.
Itsaso Arana
Nace en Tafalla, Navarra en agosto de 1985. Licenciada en interpretación textual por la RESAD
Realiza cursos de danza e interpretación con Elena Córdoba, Inés boza y Bruce Myers.
Participa en el festival de teatro internacional de Varsovia y en el festival europeo de escuelas de Lyon con
producciones de la RESAD Actriz en Instrucciones de nadador Actriz en La velocidad del padre, la velocidad de la madre.
En Años 90. Nacimos para ser estrellas Itsaso es Klaus
Violeta Gil
Nace en Segovia, septiembre 1983. Licenciada en interpretación gestual por la RESAD.
Ha realizado cursos de interpretación y danza con Karine Ponties, Julie Dossavi, Bruce Myers e Inés Boza.
Actriz en Perro muerto en tintorería: los fuertes dirigido por Angélica Liddell, en la sala Francisco Nieva del CDN, temporada 2007/2008.
Actriz en La velocidad del padre, la velocidad de la madre.
En Años 90. Nacimos para ser estrellas Violeta es Travis.
Celso Giménez
Nace en València, octubre 1983. Estudia interpretación en la Escuela Off de València. Licenciado en dramaturgia por la RESAD. Realiza cursos de creación escénica con Lilo Baur, H. Kouyaté o Bruce Myers.
Trabaja como actor en espectáculos de Gerardo Esteve, Antonio F. Lera o Rafael Cruz.
Es autor de Instrucciones de nadador, Un hombre bajo la influencia, ed. Gens. Yo soy Angélica,
Matador Volumen K, ed. La Fábrica y de El hombre antes, durante y después, ed. Fundamentos.
Actor y autor de La velocidad del padre, la velocidad de la madre, Pliegos de Teatro y Danza.
Autor de Años 90. Nacimos para ser estrellas, Pliegos de Teatro y Danza
Pablo Fidalgo
Nace en Vigo, mayo 1984. Realiza talleres de poesía con Clara Janés y Menchu Gutiérrez. Se forma como dramaturgo en la RESAD Poeta invitado en Cosmopoética 2007. Incluido en la antología Decreto de abandono, Cuadernos de Valverde. Accésit del premio Minerva de poesía en gallego con el libro A idade
do ar, editorial Galaxia de Vigo.
Autor de Viajes Fundamentales ed. Gens. Ha sido traducido al inglés y al persa. Publica poemas y críticas de poesía en medios como Las afinidades electivas, Poesía digital o El crítico: escuela de letras.
Autor de La velocidad… y Años 90. Nacimos para ser estrellas, Pliegos de Teatro y Danza.
"Pero existe la fe de la estrella en todas las estrellas, como existe en la serpiente la fe en no haber perdido las alas"
Vladimir Holan
Texto: Pablo Fidalgo y Celso Giménez
Intérpretes: Itsaso Arana y Violeta Gil
Diseño de iluminación: David Benito
Colaboran: Aula de Teatro de la Universidad de Alcalá y La Casa Encendida
www.latristura.com
Historias de derribo, la nueva producción de La Tartana Teatro, y su primer cartel. Muy pronto podrá verse en el Retiro de Madrid. Este 30 de agosto 2009.
Nos vemos allá.
D.
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teatro pradillo, madrid
lo primero que pienso es:
está bien escrito ¿por qué hacerle una foto?...lo segundo que pienso es:papelera llena de papeles con caca.lo tercero que pienso es:alguien en su desesperación le ha pegado un bocao al cartel.[ conclusión: hago la foto porque el cartel es bonito con ese magenta ].
5 personas comparten un piso, uno de los habitantes se va, a partir de ese momento, la convivencia pierde sintonía, entra en defasaje, las simples situaciones cotidianas los afecta de manera diferente y exacerbada, generando, encuentros, desencuentros y des-conciertos, que ponen en conflicto permanente a estos personajes, contradictorios, humanos y modernos...
Este piso compartido con su funcionalidad predeterminada , se vera entonces transformado. La cocina, los cuartos, el baño, la sala se convierten en casillas del tablero de un juego donde ganar y perder dependerá de la suerte y la inteligencia con la que sus cuatro habitantes sepan o puedan adaptarse a las nuevas situaciones de convivencia.
Idea y dirección: Mey-Ling Bisogno
Intérpretes: Diana Bonilla, Juan Branca, Ana Crouseilles y Vincent Simon
Música: Martín Ghersa
House circuit se estrenó en junio en el Teatro Pradillo.
Blazek son dos niños malos, que juegan con cerillas.
Los fósforos asustan y fascinan a partes iguales. Hacen daño (queman), pero ayudan a contar historias, sin necesidad de un texto, sin palabras, sólo habilidad, imaginación. Son el juego y el juguete.
Aislados del mundo, inmersos en un burbuja, dos hermanos siameses nos enseñan su mundo privado encendiendo cerillas una a una.
Como en Calle Aire, los actores vuelven a surgir de un cajón. Actuan devenidos muñecos o autómatas ellos mismos. Los dos actores son muy hábiles moviendo sus manos, coregrafiando el microgesto, muy cerca.
Sobró quizá la introducción (hablada) a la “magia”. Algo larga e improvisada. Justo lo contrario que el resto, preciso, al detalle, muy fino. Me gusta esta compañía: El retretre de Dorián Grey.
Hasta el sábado en Pradillo.
D.
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No pesa el corazón de los veloces
Cía. Erre Que Erre (Catalunya) | DANZA
» 2 y 3 de Julio 2009
Jueves y Viernes / 20h.30
FESTIVAL VISIBLE '09
“Amor salvaje, como instinto natural, sin connotaciones románticas de entrega y sacrificio. Amor como componente biológico de los organismos que necesitan y buscan fusionarse para sobrevivir. El deseo de una respiración única en común, una forma de encontrarnos a través de la piel, como si estuviéramos ciegos, y que consigue desbocarnos, enajenarnos y puede llevarnos al éxtasis”.
D.
Un evento musical muy especial...
D.
Precio: 90 €
Inscripción hasta el 15/06/2009
Asunto: Seminario, en info@teatropradillo.com
