Hay que aprovechar el regreso (solo 1, 2 y 3 diciembre) a la cartelera del teatro Pradillo de Unos cuantos piquetitos, ya que es posible que estemos ante las últimas representaciones de esta obra capitaneada por dos de los elementos más interesantes del nuevo teatro español: la autora Laila Ripoll y el director y dramaturgo Emilio del Valle.
Pocos profesionales como ellos muestran tan sólido compromiso con los tiempos que les ha tocado vivir y con los problemas sociales con que sus contemporáneos se enfrentan diariamente, pero lo más interesante es que el producto siempre es absolutamente brillante. En esta ocasión el montaje analiza, pero no desde una historia concreta, la violencia que ejercen los hombres sobre las mujeres, e invita a una reflexión directa e inteligente sobre la cuestión a través de los intérpretes: Chema de Miguel Bilbao, Carolina Solas, María Pagola, Montse Muñoz y Manuel Rey.
La semana por delante teatro
El País. ROSANA TORRES 27/11/2011
'En la nube' reflexiona sobre la crisis en el teatro
- El programa cultural de Radio 3 analiza los hábitos de consumo de cultura
- Hablamos con gerentes de salas y distribuidores de espectáculos teatrales
El 40% de la población asiste a espectáculos culturales en directo. Destacan entre ellos los conciertos de música actual, con tasas del 25,9%, observándose una frecuencia inferior en la asistencia a conciertos de música clásica.
Si nos centramos en espectáculos de artes escénicas, destaca la asistencia al teatro, con un 19% de adeptos anuales.
Conclusión: la crisis económica no ha repercutido en los hábitos de consumo de cultura de los españoles. Nos lo dice la última encuesta de hábitos y prácticas culturales en España (2010-2011), elaborada por el Ministerio de Cultura.
Invitados del 'mundillo'
Pero quizás, el indicador de asistencia no es suficiente para entender lo que está pasando “bajo las tablas”. En la Nube, el programa cultural de Radio 3, ha podido conversar con diversos profesionales del teatro para destapar una realidad poco conocida.
Santiago Bustamante conversa con Juan Muñoz (gerente de la Sala Pradillo, productor y director de escena), Aitor Tejada (fundador con Miguel del Arco deKamikaze producciones, productor entre otras “La función por hacer”), e Isis Abellán (distribuidora de espectáculos y responsable de Proversus).
Denise Despeyroux en círculos de amor con El corazón es extraño
La autora se divide entre la comedia y la tragedia en su nuevo trabajo escénico
14 de septiembre de 2011
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
El sofá, la butaca mecedora y unas cartas de tarot, parecen ser algunos de los lugares comunes que encontramos en las obras de Denise Despeyroux. La butaca como lugar de exhibición, el tarot como curiosidad por un sentimiento desconocido y ajeno al mundo, y el sofá que, además de punto de reunión, parece ser el lugar donde se desnudan los personajes, donde intercambian, donde se establecen y donde toman decisiones, como si de un diván de psiquiatra se tratara. Tal vez quiera ser precisamente esto, tendré que preguntarle. La imagen y el simbolismo parecen acompañar sus trabajos, y es lógico, porque como escritora y dramaturga quiere reflejar en la escena el ambiente que crean sus palabras en los textos, y es una forma de hacerlo.
Pero no quiero perderme tanto en los detalles (que serían casi un libro aparte), porque ya la obra tiene suficiente complejidad como para que me disperse.
Estamos ante un nuevo estreno de la autora uruguaya, de la que hace unos meses dije que parecía estar en vías de cambio, pero que contaba ya con un trabajo a medias, El corazón es extraño. A caballo entre las anteriores sagas de la muerte, u otros textos previos, y una línea posterior de trabajo, nuestra autora se vuelca y se desnuda en gran medida dentro de esta obra, en la que veo un tremendo reflejo en el personaje principal el núcleo de la trama, en detalles, pero también en el fondo.
En definitiva, los tres personajes que maneja, Violeta (la protagonista, comprometida con cualquier amor propio o ajeno), Víctor (amigo de su hermano y desesperado de amor) y Andrés (hermano de Violeta y negado para amar), junto con Nadia, de la que Víctor está enamorado, pero que no aparece, el clon de Nadia, que sí aparece pero transformada en un clon de Violeta, y el crítico César Ignacio Morente, que tampoco aparece, y con el que Violeta se relacionará, acaban trazando círculos entorno a la protagonista. Círculos que se entrecruzan y que definen más que un espacio común de Violeta, porque son las distintas formas de amar que rodearán a nuestra protagonista.
Una primera mitad con más humor, dará paso a una segunda parte más cargada de tragedia, pero nunca falta el estilo del deje con el que Denise hace levitar las cosas entre personajes. Contrasta esa escenografía tan clásica y recargada, con el concepto de modernidad que da el laboratorio instalado en el sótano (La Caverna), por Andrés, el hermano de Violeta. Es otra forma de dar un nuevo contraste a los personajes y a su sustancia.
Si el amado de Violeta es el amor anhelado, que no llega a adaptarse a su deseo o a su idealización del mismo, el hermano refleja un amor prohibido, que acabará por reconstruir Andrés a partir de una figura ajena (que, seguramente, tampoco le podrá satisfacer). Y por último, Víctor, muestra el amor desesperado que su auténtico deseo no es capaz de comprender hasta que es tarde. Estamos, por tanto, ante una situación de completo desamor y de absoluto caos de las relaciones, que nadie es capaz de resolver aunque todos los personajes anden rondando esa necesidad.
Es difícil (si no imposible), abarcar de manera sintética toda la simbología del trabajo de Denise, desde el juego con el sofá, donde se entrecruzan las relaciones afectivas entre personajes, o que sirve para una breve reflexión de Violeta antes de la decisión final… o el juego entre músicas, como esa traición de Haendel con El triunfo del tiempo y la verdad, que parece querer abrir los ojos de algo inevitable, pese al rechazo que produce a la protagonista… acaso también a la autora.
Una iluminación lúgubre, que quiere dotar de espacios de reflexión interior, describe un lugar común repleto de contenidos, y esconden una caverna de terror más que de futuro bajo la casa. Tal vez un efecto más definitorio de las luces diese más juego desde la agilidad y enmarcasen más las ideas, o tal vez no se quiera arrojar mayor claridad que la de la sencillez y el amontonamiento de las vidas.
A Quique Villar (o Quique Fernández, ahora en el papel de Andrés), pudimos verle en El guante y la piedra, donde en su papel de boxeador pasaba por la situación de víctima. Ahora su interpretación le transporta a un personaje más duro que, pese a algunos comportamientos que le pueden hacer despreciable, en el fondo le han convertido en víctima de su situación. Una víctima más despiadada, porque está exenta de ternura, que no de amor como se quiere mostrar.
Rosalía Cigana (o Rosalía Martínez), se encargó precisamente de dirigir el anterior trabajo de Quique, y ahora asume el papel principal en el trabajo de Denise Despeyroux. No tiene una posición sencilla, porque además hace el doblete como clon de Nadia (o Nadia 2), así que se encuentra a caballo entre un personaje excesivamente profundo, pensante, reflexivo y culto, y otro no formado, sin posibilidad de establecer una relación adulta, quizá sin siquiera emotividad: tan sólo coinciden en el sufrimiento, donde se conectan cada noche por medio del sueño.
Ricardo Reguera conduce el papel del amigo de Víctor, un ser confundido por un amor no correspondido, que acaba haciendo de nexo, pero también de separación, en ese lugar donde reside una amistad que puede convertirse en algo más, pero que no se define cuando debe.
Como en clave poética, la autora quiere trasladar la importancia del desamor hacia la fundamental existencia de la amistad, como equilibrando un peso que no tiene equilibrio posible, aunque ofrezca una alternativa opcional.
Tal vez por eso, el colofón de este texto pone el acento en algo que abarca a todos sus personajes (aunque a la salida me percato de que hay quien sólo lo atribuye a la protagonista), porque todos ellos, sean los que aparecen como los que sólo son citados, forman una trama sin la cual no se comprende el devenir de los acontecimientos: “Amar sin esperanza es sobrevivir al desamor logrando que quede intacta la ternura”. Quizá el análisis profundo diera para un tratado sociológico de los personajes, pero antes que eso, recomiendo al público que lea sus anteriores textos, porque además de disfrutar del humor de la autora (con mayor peso en otras obras), comprenderán muchas vías de exploración a partir de su trabajo.
El corazón es extraño o la atribulada muerte de los vivos no es sólo una verdad irrefutable o de Perogrullo, también es el título del montaje que el Teatro Pradillo acoge hasta que termine el presente mes. Denise Despeyroux, la autora y directora del espectáculo y una habitual de los circuitos independientes, disemina generalmente preocupaciones con cierto carácter existencial y una inclinación filosófica y metalingüística, cuando no estética, de la intersubjetividad y de los trasuntos que atañen al corazón y su insondable condición, sus caprichos, sus paradojas, sus recovecos, sus insensateces y sus bravuras, sus apariencias, su deleite y dicotómicamente, también, su magulladura. El texto que ha escrito para este montaje con la madrileña Compañía Teatro de la Intemperie es, si acaso, un esfuerzo de nuclearización de sus intereses más pródigos sobre el saetado por Cupido (y su ontología, su literatura, su poética, su palabra) y un alegato melancólico y alegórico en el tono, y trágico en su narración, sobre su triste y angustiosa soledad cuando no es correspondido y la absoluta tiniebla en la que, perdiendo el control, a uno le abandona su desesperanza. Este tema fundamental (o mensaje con distintos niveles de lectura) se hace paralelo al de la improbabilidad de encontrar mecanismos de control para tal sentimiento y, sobre todo, a la incómoda tarea de su estudio a través de la sistematización y con el sueño de una fantasía científica con antagónicas razón y emoción. En su fondo, la desvalidez y lo monstruoso como productos de su mal. De su inmanencia esquiva. Del mal de amor.
Con un tejido retórico, pseudo-psicológico y apelando también a la ciberbiología o la bioética (y los sueños aberrantes que su trasgresión puede operar), la autora se desenvuelve con un texto, quizás, demasiado extenso y algunos momentos descompensados en la rítmica que lo estira. Afortunadamente, el elenco formado por Violeta Rosalía Cigana, Andrés Quique Villar y Víctor Ricardo Reguera, que también ostentan sus nombres en escena, salvan algunos obstáculos de lectura, el abuso de conceptos o de recursos intertextuales (Goya, Chéjov,Benjamin, Yeats, Händel, entre otros) y aterrizan formalmente el núcleo (a veces delirio) de la historia. Víctorama a Nadia y sufre por ello en tanto que su amor no es correspondido. Con la herida acude a casa de su amigoAndrés, un ex - compañero de la universidad con ambiciones experimentales poco deontológicas en su labor científica obstinada en la vida artificial. Andrés vive con su hermana Violeta, una traductora y ensayista demasiado preocupada con la intelectualización del amor y con los remedios psicológicos y pseudofilosóficos para la supervivencia de la vida cotidiana que, no obstante, intenta ayudar al amigo de su hermano al tiempo que ella es seducida (y también aletargada y malherida) por un idilio con un crítico literario. El consuelo y el apoyo que se dispensan ambos tórtolos desamparados despierta en el desahogo la idea de cierta unión trascendente más allá de las lindes de la empatía y la amistad. Pero, entre encendidos y apagados de elipsis constantes, Andrés también ha estado maquinando un remedio para Víctor: lágrimas de amor correspondido para la clonación de una Nadia para su amigo. Aunque, reparando en las palabras de su autora, la verdad y el desengaño nunca serán lo mismo.
Notodo.com.12.09.11
Flamenco de costa a costa, Entre mares. Stefano Domit hace un repaso de su breve historia en la danza.
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
Todo tiene un por qué en la danza, y es que, de otra manera, no tiene más sentido que la exhibición. Y Stefano Domit elige en este trabajo su necesidad de hacer un repaso de su corta vida, a través del flamenco y de la línea que le conduce desde su Brasil originario a nuestra España, donde ahora reside y desarrolla la danza.
A través de siete piezas, una de las cuales queda a discreción de María Juncal, que hará un solo propio a mitad del repertorio, Stefano comparte espacio de danza con su madre, Gisele Domit, y con su novia Lisiane Sfair, para contarnos acerca de su llegada al mundo del flamenco, de la forma en que va ocupando ese espacio de danza en el que ya se encontraba su madre, en el que encuentra a su novia, y que él va llenando para recibir finalmente una especie de testigo en forma de mantilla, que no se apropia, sino que quiere compartir con esas dos mujeres que parecen señalar su vida hoy por hoy.
Acostumbrado a un formato flamenco en este ciclo veraniego de la sala Pradillo, en el que suele haber algo más de fusión, o algo más de actualización y soltura, entrar en un flamenco más clásico, más escolástico si se quiere, me resulta un tanto chocante, pero está bien que veamos cuestiones que se mantienen en formas más estrictas, a la vez que se nos brinda la ocasión de ver esa percepción de nuestra danza más troncal, desde países de otras costas lejanas.
El trío formado por Stefano, Gisele y Lisiane me gusta especialmente cuando trabaja junto, mientras que la pieza de sola de María Juncal me deja un tanto frío en el contexto del espectáculo, porque corta la dinámica que vienen marcando y, siendo un trabajo apreciable, no acaba de encajarme del todo en el centro de este Entre mares.
La música me parece de una ejecución fantástica y, tanto es su peso en el espectáculo, que en diversos momentos parece apreciarse una dirección de la guitarra de Fernando de la Rua sobre el baile, más que seguir a l@s bailaor@s, pero es que el responsable musical tiene un gran peso, y es inevitable que destaque.
Sinopsis
De muchas maneras el flamenco se expande, es asimilado y vivido por otras naciones y culturas, creciendo y enriqueciéndose cada día. En los más distintos lugares, las personas viven este arte y hacen de él su camino, su filosofía de vida. Aún estando lejos de sus raíces, el flamenco sigue puro, verdadero y fuerte. Y así, en Entre mares, el bailaor brasileño Stefano Domit nos muestra el flamenco que su madre y maestra un día le enseño, y que ha encontrado una forma de expresarse a través de su alma.
En las cuerdas del guitarrista y compositor brasileño Fernando de La Rua, con su nueva obra tituladaNunaces, este espectáculo propone musicalmente un viaje entre dos mundos, unidos por lenguaje flamenco de este joven bailaor.
Como artista invitada, una de las grandes figuras del flamenco actual, María Juncal, personificando la tierra de origen de este arte, y aportando así a esta obra, la fuerza y la belleza de su baile.
Entre mares “es un viaje personal y único por las emociones que el flamenco ha despertado en mi, y por los sueños que me han hecho trazar este camino entre mares…”
Dirección artística
Stefano Domit bailaor brasileño, convive con el flamenco desde pequeño, acompañando a su madre, Gisele Domit, entre ensayos, clases y espectáculos.
Inició en 2003 sus estudios de baile flamenco el la escuela de su madre y maestra ’Tablado Andaluz Caxias do Sul’, en Caxias do Sul, Brasil. Del 2004 hasta 2009, participó de los espectáculos de esta escuela como coreógrafo, bailaor, cantaor y percusionista, compaginándolo, a su vez, como profesor.
Participó como invitado de grandes eventos flamencos en Brasil, como el Festival Internacional de Flamenco, en São José dos Campos (2005, 2006, 2007 y 2008) y el Festival de Flamenco de Vitoria, ES.
Estuvo en España en 2007 y 2008, estudiando con maestros como David Paniagua, Miguel Cañas, Andrés Marín, Maria Juncal, Carmen "La Talegona" y Juana Amaya, entre otros.
En 2009 fija residencia en Madrid, e ingresa en el Conservatorio Profesional de Danza Comandante Fortea, donde empieza a estudiar la carrera de danza española y participar como invitado del taller coreográfico flamenco de ente centro de enseñanzas, ocupando el cargo de solista a partir de 2010.
Stefano ha compartido escenario con figuras importantes del baile flamenco internacional.
La música
Fernando de la Rua, guitarrista brasileño, empieza sus estudios musicales en São Paulo, en la ’Escola Municipal de Música’ (Vila Mariana) y en la ’Sociedade Hispana-brasileira’ de esta misma capital, donde empezó a trabajar con artistas españoles radicados en Brasil, y a tomar clases con guitarristas flamencos que venían desde España. Entre los artistas que han aportado gran influencia a su formación se encuentran Lorenzo Virseda y Paco Cruz, y la bailaora y coreógrafa ’La China’.
Aún en Brasil, ha impartido cursos de guitarra flamenca en centros de enseñanzas de gran importancia cultural como la ’Faculdade de Música de Salvador Bahía’, ’Universidade Federal do Rio de Janeiro’, ’Universidade Livre de Música Tom Jobim’ y la ’Escola de Música de Brasília, DF’.
En España, en el año 2000, empieza a trabajar en los Tablaos Flamencos ’Las Carboneras’ y ’Casa Patas’, colaborando con artistas como: Pol Vaquero, Manuel Liñan, Marco Flores, Alfonso Losa, David Paniagua, Montse Cortés, ’El Falo’, Ángel Gabarre, Hiniesta Cortés, Juan Ogalla, Manuel Reyes, Ana Romero, La ’Tacha’, Olga Pericet, Domingo Ortega, Inmaculada Ortega, Juan Soto, Amir Haddad, Paco Cruz, Diego el ’Negro’, Saúl Quirós, La ’Truco’, Talegón de Córdoba, Juan Andrés Maya, Manuel de la Malena, María Carmona, entre otros.
Fernando ha colaborado como guitarrista y compositor de muchas obras con artistas como Rafaela Carrasco (IX Festival de Jerez y Flamenco Festival USA, del 2004 al 2008), Manuel Reyes, Pedro Sanz (2004 y 2005), Manuel Liñan, Marco Flores (Espectáculo ’Dos en Compañía’, del 2001 al 2006), Domingo Ortega (Espectáculo ’Un Poquito de Ortega’), Inmaculada Ortega ( ’Pa Flamenca Yo’ con la participación de Domingo Ortega y la actriz Marta Fernández Muro) entre muchos otros, actuando en más de 20 países del mundo.
Fernando ha sido galardonado con los importantes premio en Madrid: el primero, en la edición del año 2004 de Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco, donde comparte con José Luis Montón el premio de mejor música original para danza, y el segundo, en el año de 2011, el Premio de ’Autor Revelación’ por la Academia de la Música en Madrid, XV edición, como compositor en el CD ’SUPERCOP’ de la cantante la Shina.
Ha creado un grupo instrumental de música brasileña (choro y samba) llamado ’Choro Ibérico’ donde interpreta temas propios y de grandes compositores brasileños.
A lo largo de su trayectoria, Fernando compuso muchas obras en las que une el lenguaje flamenco con el brasileño y en el año de 2010 empieza la grabación de ’Nuances’ (grabado en Madrid, São Paulo e Itapeva, Brasil) donde nos muestra algunas de estas obras tan particulares.
Dirección general y coreografía: Stefano Domit
Composición musical: Fernando de la Rua
Danza: Stefano Domit, Gisele Domit, Lisiane Sfair, María Juncal (bailaora invitada)
Guitarra: Fernando de la Rua
Cante: Jacob Quirós
Percusión: Iván Mellén
Palmas: Vanessa Leonardi
Asistente de escena: Yara Castro
Iluminación: Tito Osuna
Sonorización: Sergio Sarmiento
Programa:
O començo de tudo
Lembranças (Fandangos)
Mi juventud (Bulerías)
España (Soleá)
Amistad
Aún no tengo nombre (Tanguillos)
Mis alegrías (Alegrías)
Fecha: el Sábado 13 de agosto de 2011
Horario: a las 21:00h
Lugar: Teatro Pradillo - c/ Pradillo, 12 -Concha Espina- (Madrid)
Para más información:
Teatro Pradillo
La semana por delante TEATRO
ROSANA TORRES 10/07/2011 El País
Un bello nombre para un sugerente y atractivo festival. El Teatro Pradillo, uno de los más prestigiosos de la ciudad acoge hasta el 30 de julio la sexta edición del Festival Pendientes de un hilo, donde los objetos cobran vida a través de varios espectáculos que este año se ha querido que giraran en torno a los circos y ferias de objetos. Una muestra que va más allá de los festivales de títeres. Aquí se da cabida al teatro de objetos, al teatro visual siempre rico y variado, además de repleto de obras de calidad, nacionales o internacionales.
Esta semana tenemos, a medio camino entre el circo y los objetos teatrales, Debout de bois (Madera en pie) de la compañía francesa La main d'oeuvres que se centra en el movimiento, la acrobacia y la manipulación de un tronco de árbol que a veces es compañero, otras un aparejo de circo o también un instrumento musical.
Lo mejor es estar atentos a la programación de próximas semanas con malabaristas de palabras, ladrones de aire, hombres payaso, magos, fieras humanas... y además talleres y sombreros comestibles.
De manera permanente y hasta el final de la muestra la compañía Ferroluar instalará en el teatro su obra Hormigas, que conforman unos extraños seres que nos miran e intimidan.
Más información en la web www.teatropradillo.com
No se dejen engañar por su título, solemne y poco adecuado para un espectáculo que es puro juego. Patrick Murys, su artífice, tiene la imaginación intacta de un niño libre de vigilancia paterna. Solo en escena, crea un universo entero con unos pocos objetos de madera de aspecto añejo y se desdobla en un ramillete de personajes inquietantes que viven historias mudas cuyo significado queda abierto a la libre interpretación del respetable.
Si les gustan que les den las cosas masticadas, aquí lo llevaran crudo. ¿Quién es esa quimérica criatura errante de tres metros de altura, condenada a encontrar maletas añejas allá por donde camina y a acarrearlas sin pausa? Lo ignoramos, pero nos trae el eco de mil viajes, de cien mudanzas y de aquellos polacos exiliados que antes de la caída del muro de Berlín abarrotaban los pasillos del expreso Paris-Moscú con centenares de bultos enormes inverosímilmente embalados que enviaban a su parentela.
Paisajes en tránsito es teatro de objetos enriquecido por el excelente trabajo interpretativo de Murys, actor de larga trayectoria, que ha preparado un arsenal de sorpresas bien dosificadas. Una desgastada maleta de cuero a la que le coloca un cencerro se pone a saltar entre sus manos como una res brava: cuando le cuelga esquilas a las otras, consigue crear la ilusión de que juntas forman un animado rebaño pastando sobre la paja que antes sacó de su interior para esparcirla en el imaginario redil delimitado por una vía férrea circular de juguete.
Aún con alguna caída de ritmo, el trabajo de manipulación del actor francoperuano producido por la compañía portuguesa Circolando es magnífico. Su polisémico relato, inspirado en textos de Jorge Semprún y Primo Levi, se despega de su origen con chispazos humorísticos y escenas amables, sin apagar por ello un ruido de fondo inquietante. Es un buen comienzo para Pendientes de un Hilo, festival de teatro visual, títeres y objetos.
JAVIER VALLEJO 08/07/2011 El País
CRÍTICA: TEATRO PAISAJES EN TRÁNSITO
Autor e intérprete: Patrick Murys. Producción: Circolando. Teatro Pradillo. Del 6 al 9 de julio.
No es la única revista en papel que ahora se edita por amor al arte -o sea que nadie cobra nada. La más Bella, un proyecto que Diego Ortiz y Pepe Murciego llevan elaborando desde hace años, es otra "acción" en papel. Su territorio se mueve en torno al arte contemporáneo, entendido como un territorio amplio y su última entrega se "actuó" en el Teatro Pradillo, lo que da idea de lo underground del producto. UHF, Gutenberg Quaterly, Roulotte son algunas de las otras propuestas alternativas, si bien una de las más originales es la editada por Miguel Bonet y Alfredo Poves, Negocios Raros, donde, como el mismo nombre remedo de Chesteron indica, diferentes artistas proponen y analizan "negocios raros". Desde luego un must en esta época que exige agudizar la imaginación para salir adelante -y sobre todo para no morir del aburrimiento.
Sigue leyendo la reseña de La Más Bella Revista por Estrella de Diego en el Babelia.
D.
METRÓPOLI | En el Festival de Otoño en Primavera
José Luis Romo | Madrid
23/05/2011
Lautaro Perotti: 'En Buenos Aires hay mucho más teatro'
Lautaro Perotti
Impresionó a la crítica con su imprevisible Marito de 'La omisión de la familia Coleman' y ahora es uno de los grandes protagonistas del 'Festival de Otoño en Primavera': actúa en 'El viento en un violín', la esperada tercera obra de Claudio Tolcachir, y además, muestra su faceta como director en 'Algo de ruido hace'. Lautaro Perotti lo tiene todo para convertirse en el chico del momento de nuestra escena.
Lo suyo es un no parar...
Sí, por fortuna los productores son los mismos en las dos obras y me lo han puesto muy fácil. Con 'Timbre 4' (la compañía de Tolcachir) somos como una familia y todo ha ido rodado, y en 'Algo de ruido hace' también hemos hecho mucha piña, como dicen acá.
¿Por qué decidió dirigir?
Yo me siento actor, pero era una aspiración que siempre tuve. Apareció esta obra que me encantó y todo se precipitó vertiginosamente. La hemos montado en poco más de un mes.
Su pieza, al igual que en 'Los Coleman', hurga en el microcosmos de la familia...
Sí, habla de dos hermanos cuya vida se queda parada con la muerte de su madre hasta que llega una prima, muy vitalista, y pone su vida patas arriba. Habla de cómo ella modifica su vida y ellos la de ella. Me enganchó porque es una obra que hace pensar y también muy entretenida.
Dirige a actores argentinos y españoles, como Eloy Azorín. ¿Hay diferencias?
Por mi experiencia en esta obra, no noto ninguna. Me encontré con gente con mucho talento, que además son buenas personas.
La sombra de Tolcachir se va a cernir sobre esta pieza...
Lo sé, es algo a lo que no puedo escapar, porque llevamos trabajando juntos toda la vida. No pretendo distanciarme de él ni acercarme, ni nada. No sólo con Claudio, sino con toda la compañía, mantengo una idea muy fluida sobre el trabajo.
Como conocedor de las carteleras de Madrid y Buenos Aires, ¿se pueden comparar?
Bueno, la verdad es que allí hay mucho más teatro. Ésa sería la principal diferencia. Aquí hay cosas muy buenas, regulares y muchas aburridas. Allí también, pero en más cantidad. Aquí me ha encantado 'Veraneantes' y también vi 'Delicadas'.'Algo de ruido hace' | Varios escenarios | Dirección: Lautaro Perotti | Intérpretes: Eloy Azorín, Santi Marín y Fernanda Orazi | En cartel del 21 de mayo al 3 de junio
Son las páginas de una revista lo que los asistentes van a disfrutar. Algunas serán más o menos escénicas, pero otras serán simplemente visuales, olfativas, performáticas, y tal vez otras sean simple papel impreso que, conveniente colocado y ordenado, componen una revista que sólo puede ser saboreada en ese espacio y en ese momento. Una revista de variedades, pero de variedades editoriales.
Muchas de las páginas que se estén desplegando en vivo en el Teatro Pradillo estarán protagonizadas por colaboradores que in situ actuarán o completarán con su presencia la colaboración editorial. Artistas y colectivos como Left Hand Rotation, MMMM..., Daniel Charquero, María Salgado entre otros participan en la edición La Más Bella REVISTA, y alguno de ellos está elaborando una colaboración que tendrá una extensión escénica en el Teatro Pradillo.
Formalmente La Más Bella es una revista ensamblada, un compendio de colaboraciones de formatos y naturaleza variada. Al final de la función, el espectador se llevará a casa, bajo el brazo, su ejemplar de la Revista La Más Bella REVISTA, ensamblada por una cadena de montaje abierta a los colaboradores, amigos, conocidos, transeúntes...
Nacida en 1993 y formada por Pepe Murciego y Diego Ortiz, La Más Bella ha publicado cerca de 30 ediciones, contando con cerca de 600 colaboradores del ámbito artístico y cultural español. Además de los contenidos, La Más Bella ha querido ser siempre un producto experimental en su formato y apariencia externa, acercándose a la idea de revista ensamblada o libro objeto que han cultivado muchos artistas y colectivos a lo largo del siglo XX.
La Más Bella es un proyecto de reflexión, acción y experimentación en el mundo de la edición de arte contemporáneo, que impulsa y realiza proyectos artísticos específicamente pensados para ser editados por canales y métodos alternativos al mundo editorial convencional.
Premio del Jurado al Mejor Montaje Teatral: Muda, de Pablo Messiez, en el Teatro Pradillo de Madrid. "El sencillo y eficaz planteamiento del director argentino Pablo Messiez basa la potencialidad vívida (de palabras y de silencio, de realidad y de ficción) de un discurso extra-teatral gracias a una focalización actoral y textual (excelentes, en ambos casos) y hurga así en el daño compartido y en la única verdad que gobierna la condición de los personajes, acaso de todos nosotros: la de la soledad."
Finalistas: Coses que dèiem avui, de Neil LaBute, en la Sala Beckett de Barcelona; Del maravilloso mundo de los animales: el cordero, deDaniel Veronese en el Teatro Español de Madrid; La última cena, de Ignacio Amestoy, en el Teatro Guindalera de Madrid; y Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, en el Teatro Español de Madrid.
Salas alternativas: entrevista a Juan Muñoz y David Rodríguez
Publicado el Miércoles 16 de marzo de 2011, a las 12:32
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es - Una alternativa al teatro, las salas de pequeño formato
Es una compañía, como en otras salas alternativas, la que impulsa en su momento la creación de la Pradillo. En este caso fue La Tartana, que con un perfil peculiar, comparada con otras, lleva más de 30 años bregando en el panorama escénico español, sometida a distintos cambios y adaptaciones con los tiempos, pero a partir de sus montajes de títeres para todos los públicos, para niñ@s o para adultos.
Uno de los creadores de la compañía y de los impulsores iniciales de la sala Pradillo, Juan Muñoz, es el actual Director Gerente. Sigue ahí al pie del cañón, codo con codo con las otras salas alternativas de Madrid, pero también con las compañías a las que ofrecen espacio en su escenario, y con compañer@s y trabajador@s de la propia sala.
Su planificación de la programación tiene las especificidades que definen este espacio, y de ella que nos habla junto a David Rodriguez, responsable junto a Juan, de la programación y también de comunicación de la sala.
Hay algunas cuestiones principales en el espacio de Pradillo: la primera es la variedad y diversidad que ofrecen en su programación, aunque algunos ciclos se programen periódicamente. La segunda es una especial intensidad en la programación de danza, apostando por el crecimiento y difusión de un género que apenas ha tenido posibilidades en el panorama escénico quitando lo más comercial o los grandes espectáculos. También hay que señalar un gran énfasis en la programación dirigida a niñ@s, jóvenes o a público en general, con propuestas muy variadas en las que abundan buenas producciones, interesantes en su contenido, en lo formal y en su puesta en escena.
Además de sus actividades habituales, de vez en cuando uno puede encontrarse con presentaciones literarias, o con tertulias poéticas como la que parece que arranca en estos días, e incluso algún pequeño concierto, que se podrán acompañar con un café o unas cervezas tranquilamente. Quiero destacar que la actividad de sus habitantes, igual que en muchos otros espacios de estas pequeñas salas alternativas madrileñas, es la que corresponde a seres muy inquietos, a la búsqueda de algo que haga a la gente tener un criterio, una postura un desarrollo personal a través del hecho cultural. Por eso David no tarda en responder claramente “la cuestión es que la cultura tiene que emanar de la gente y si seguimos comprando o pagando el servicio a alguien, nos convertimos en especuladores, que es lo que está pasando: que en el barrio más degradado de Madrid tienes el Centro Dramático Nacional, la Casa Encendida, el Circo Price…, como si con poner esos teatros hubieran arreglado el barrio. Es un pelotazo”. Y en este sentido, Juan redunda en la explicación acerca de la situación actual respecto a las Administraciones: “Me hace gracia la última frase de la presentación de Escena Contemporánea: si se puede hacer con la mitad está muy bien ¿no? Es que lo podemos hacer sin nada, pero usted también puede dejar de venir a trabajar y no cobrar, si estamos en eso, porque no veo su trabajo por ningún sitio. Creo que las Administraciones nos están influyendo demasiado, porque nos han dejado sin el poder de protestar”.
Sigue leyendo ---->
Un trabajo de la veterana compañía de títeres La Tartana
Monstruos en la maleta
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
Martes 8 de marzo de 2011
En un espacio terrestre donde los hielos polares son casi eternos (si no fuera por este calentamiento global que hemos creado y los destruye), algunas especies de la última glaciación reaparecen en sus viejas formas de pequeños monstruos peludos, cada uno de ellos con sus peculiaridades.
A partir de la llegada de dos titiriteros al escenario, se desarrollará esta pequeña historia, en la que vemos desde la construcción de buena parte de la escenografía, hasta la remodelación de la misma durante la narración. Un entorno bien creado en conjunto, con cierta sencillez que permite una portabilidad del trabajo, lo que no quita la belleza plástica del conjunto.
Lo que más destaca de esta historia es el manejo de los títeres, que permite centrarse en lo visual sin perder el hilo de la historia, porque aunque los titiriteros están a la vista, la habilidad del uso que dan a sus personajes pone el foco de atención dónde debe estar en cada momento.
Desde los títeres, hasta los distintos elementos de construcción, compuestos por piezas que encajan entre sí, y pasando por el interesante juego de movimiento de las pequeñas olas marinas más cercanas, o el efecto de las grandes olas que hacen saltar de vez en cuando, todo tiene su pequeño y gran trabajo detrás.
Los pequeños monstruos peludos, que van cambiando de color con el paso del tiempo, gruñen, protestan, se asustan, aprenden, buscan su alimento y su hábitat diferente según donde les tocó nacer, pero también se encuentran, aprenden a conocerse y relacionarse entre sí, mostrando cada uno al otro y al público, aquello que es y cómo vive: esto es lo que hay, así soy yo y, si te gusta, este es mi entorno.
En este caso me parece que se ha volcado más el interés de la compañía en la construcción y el movimiento que la propia dramaturgia, tratando de acercar a l@s niñ@s a una historia de amistad y relación entre personajes tan cercanos entre sí, como ajenos y desconocidos, por medio de la recreación de un entorno diferente.
Los monstruos llegan en la maleta de mano de los actores/manipuladores, y así se van, porque tienen que llegar rápido al tren para hacer su espectáculo en otros lugares.
Estamos ante una nueva producción de La Tartana, que de la mano de Juan Muñoz lleva varias décadas en el teatro de títeres, sea de adultos, sea dirigido a niñ@s, o sea para todos los públicos. En este caso se trata de un trabajo centrado en el público de corta edad que, como se puede observar en la sala, participa bastante activamente durante la historia (también es cierto que, algunos de los asiduos pequeños espectadores de la sala Pradillo, ya la vieron en su estreno hace unos meses, y siguen repitiendo).
Sinopsis
Dos Cuenta Cuentos se disputan el escenario para contar su propia historia. Dos huevos que son separados por los azares de una tormenta. Dos monstruos que ante la soledad en que se encuentran, deberán aprender a valerse por sí mismos. Y llegado el ansiado encuentro, deberán aprender a superar sus diferencias y de este modo alcanzar una buena convivencia.
Es nuestra historia un canto a la diversidad, que busca transmitir a l@s niñ@s la importancia de respetar la diferencia.
Sobre la compañía
Avalada por una trayectoria que supera ya los 30 años, La Tartana Teatro continúa trabajando para acercar a la infancia al mundo del títere. Adaptando cuentos clásicos en unas ocasiones y creando nuevas historias en otras, sus obras se han caracterizado por ser un vehículo perfecto para hacer llegar a l@s niñ@s valores importantes para su educación.
En este caso, Monstruos en la Maleta, supone una creación completamente original, cuyos valores fomentaran el respeto por lo diferente y la importancia de la convivencia en la vida diaria.
Buscamos que el niño se identifique con los monstruos, ya que estos tienen los mismos miedos e inquietudes que ellos. Enfrentándose a los problemas típicos de su edad.
A continuación, os dejamos la información que nos han enviado sobre este montaje teatral.
"La vida secreta de Bonnie & Clyde".con Ledicia Sola y Juan Carlos Vellido
Música: Javier De PradoDirección: Darío Facal
Producción: Metatarso Producciones
Solo nos queda la función de hoy a las 20.30h y la semana que viene del 3 al 6 de marzo (de jueves a domingo) a las 20.30h
El Cultural:
http://www.elcultural.es/
El País:
http://www.elpais.com/
Crítica en La República Cultural:
http://www.
Entradas:
http://www.entradas.es/
Teatro Pradillo:
Calle Pradillo 12, Metro Concha Espina (linea 9)
http://teatropradillo.com/wp/?
CRÍTICA: DANZA MANGA
ROGER SALAS - El País. Madrid - 15/01/2011
La coreógrafa y bailarina venezolana afincada en Madrid Mey-Ling Bisogno desborda imaginación y hace un usufructo notable de unos recursos modestos, tanto en elementos ambientales como en los propiamente dancísticos que le ofrecen sus compañeras de escena: Diana Bonilla y Cristina Pérez Sosa.
La inspiración en las viñetas japonesas es llevada en literalidad. Los efectos luminotécnicos, rapidez de acción, secuenciado vertiginoso y sensación de urgencia sobre la historia corta, están presentes. Todo empieza con un viaje. Las tres artistas se hacen acompañar de tres maletitas con ruedas (los habituales trolleys, sin los que es difícil imaginar el viaje contemporáneo). Un signo de admiración se dibuja con luz en el suelo y en el fondo, y ese elemento tan presente en los recursos iconográficos del cómic, ya sea japonés o de otro sitio, viene a significar aquí algo más que asombro, quizá habla de un patrón de comportamiento rozando esquemas burlescos y con ingredientes de humor, hasta derrotar hacia una densidad menos evidente, más oscura.
Mey-Ling tiene sentido de la distribución espacial, maneja los ritmos teatrales para no aburrir al público en ningún momento; densifica una acción mayormente gráfica y fragmentada hasta hacer la lectura cognoscible. Las imágenes se suceden. Puede intuirse un orden en la acción o aventura, pero eso no está en el cardinal de la coreógrafa, que se interesa más por los cuadros mismos en su especificidad, su apertura y cierre como células o módulos de un todo. Algunas de esas imágenes son poderosas, como la doble camisa de fuerza-crisálida, que ofrece momentos conseguidos de la línea en blanco y negro, pues a continuación, llega (y triunfa) el color ácido con su masa casi sacado de pantone profesional en pelucas, calzado y otros accesorios, a la vez relacionados con la estética de los barrios más modernos de Tokio como Shinjuku o Shibuyu.
La luz de espectáculo Manga, que abusa de los efectos estroboscópicos (por cierto, está comprobado: son dañinos al ojo humano), en el resto cumple eficazmente. Con respecto al baile, conviene detenerse y analizar dos aspectos. De un lado, el abundante material sugerido por Mey-Ling y las formaciones que comporta no son ofrecidos rigurosamente, se recurre a una ejecución relajada y debería dominar un reglado estricto que ofreciera contraste con lo visual. La música potente se inserta sobre la historieta y dimensiona escenas como la del chicle asesino, que recibe su merecido y se pega a un zapato anónimo crecido en pantalla con un acento de pop-art.
MANGA
Compañía Trans / Garden. Coreografía: Mey-Ling Bisogno. Música: Martín Ghersa. Luces: Paloma Parra. Ilustraciones: Lucas Rearte. Vídeo: Esteban Ghersa. Vestuario: Milan Hau. Teatro Pradillo. Hasta el 23 de enero.
Mey-Ling Bisogno toma la estética del cómic japonés para hablar de cambios y deseos
Pérez-Sosa, Bonilla y Bisogno, como Chic, Ultra y Freak
14 Enero 11 - La Razón - M. Ayanz - Madrid
Ultra, Chic y Freak no paran de mutar. Son tres heroínas que van cambiando de historia en historia, de viñeta en viñeta, de página en página... Y así, hasta que llega el sorprendente final del cómic. Abran bien los ojos, pero también los oídos, porque no les estamos invitando a leer un tebeo, sino a ver «Manga». Y es lo mismo, pero no lo es. Dicho de otra forma, es la primera vez que alguien se anima a llevar a las tablas el vitalista e inabarcable universo del tebeo japonés que hace furor entre los adolescentes... y entre los no tan jóvenes. No esperen, eso sí, una adaptación de las aventuras de Akira, el lobo solitario, Astroboy, Kusanagi, Naruto, Asa, Nana o cualquier otro de los personajes que han hecho historia en el género: «Manga» ofrece un pasatiempo inspirado en este tipo de lecturas.
Colorida y caprichosa
Su responsable, Mey-Ling Bisogno, directora y coreógrafa de las compañías Compagnie 3gallos y la Compañía TYrans/Garden, es además Freak en el montaje (o sea, en la foto, «la morenita pequeña de la peluca rosa», como se describe entre risas). Junto a ella, con peluca verde, está Diana Bonilla (Ultra) y con peluca naranja, Cristina Pérez-Sosa (Chic). «No es que sea una gran lectora de manga, pero sí he leído algunos. Me fascina la cultura japonesa, y siendo madre además de dos hijas, tengo conexión con ese mundo», cuenta Bisogno, cuya biografía merece un párrafo: venezolana afincada en España y a medio camino entre París y Madrid (en ambas ciudades tiene compañía) desde hace ya una década larga, por sus venas corre sangre italiana y china, como delata su apellido.
«Mi padre trabajó casi treinta años con japoneses. Me obligaba a cantar cancioncitas en japonés para quedar bien con los directivos de las compañías con las que trataba», recuerda con una sonrisa como explicación de su fervor por lo asiático. Y aclara que quería «indagar en el tema de la transformación» y que elegir el manga no es arbitrario: «Más allá de la estética, que siempre me ha fascinado, me interesa lo que supone para la cultura japonesa: hay mangas para todo tipo de públicos y edades, es algo que llega a todo el mundo». Pero, a la vez, bromea: «Es un espectáculo muy caprichoso: me he propuesto hacer lo que me quiero». Y eso es, traducido, «una obra bastante “soft”. Sinceramente, es un infantil para adultos, como un caramelo».
Aunque mangas hay de muy diversos tipos (no es lo mismo el «shônen», subgénero de aventuras para chicos, que el «shôjo», que es lectura de chicas, y así otros tantos), Bisogno ha querido rescatar en esta pieza de teatro físico –«es una obra bastante silenciosa, hay momentos en los que hablamos algo de japonés, pero mal», confiesa la actriz– la esencia más pop y naïf del tebeo nipón: «Tenía ganas de trabajar en algo alegre, algo que tuviera felicidad, color y ligereza en esta época tan terrible que estamos pasando».
- Dónde: Teatro Pradillo. Madrid.
- Cuándo: hasta el 23 de enero. De jueves a domingo, 20:30 h.
- Cuánto: 15 euros. Tel. 91.416.90.11.
Mar López y Anuska Alonso, se miran a mismas, con la relatividad del espacio y el tiempo.
Publicado el Sábado 11 de diciembre de 2010 por Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
La cuestión son puntos de referencia, es decir, la relatividad con que las cosas se perciben, cuando cada Uno mira a sí mismo o a los demás desde su lugar de observación. Esas coordenadas definen los ejes con los que se percibe y se elabora la concepción de la vida. Pero si a esto añadimos un factor adimensional, como es el tiempo, conseguiremos complicar la forma de mirar las cosas, confiriendo a la relatividad un peso mayor del que ya tenía esa observación.
Así desarrollan su trabajo Mar López y Anuska Alonso en este Uno, el nuevo trabajo escénico de danza que ahora nos presentan. Si hace pocas semanas veíamos a Mar López en Tris Tras, con Mónica Runde, en un trabajo en el que la plasticidad era el sentido dominante de la armonía, aquí la encontramos dirigiendo y comprometida en la interpretación con Anuska, en un concepto que se definiría mejor como lo orgánico, dentro de una visión más personalista, y de una forma de intimismo que se aproxima más a la visión cotidiana del espectador, antes que al deseo de lo esperado.
Esta nueva puesta en escena, conserva en la composición numerosos referentes de su trabajo conjunto A 2 centímetros del suelo, pero transformando aquella plasticidad y rompiendo en buena medida con la coordinación en el movimiento conjunto, para transformarse precisamente en lo que la descripción de su trabajo quiere abordar: lo que es cada uno y cómo se ve frente al otro.
Además de la seriedad en el trabajo, les va lo divertido, y por eso arrancan con una curiosa forma de “calentar” en escena, derivando hacia un modelo de juego de niñ@s, a partir del cual arranca el movimiento de la pieza.
Quien ha fumado o tenido cerca a un fumador, sabe cómo es encender un cigarrillo tras otro, o varios a la vez, en un movimiento mecánico y compulsivo que no tiene noción del tiempo ni de la realidad, en tanto que otros instantes llegan a cámara lenta, dejando una sensación de inmovilidad en fotogramas para quien los percibe de esa manera, estas son comparativas que irán desarrollándose en el trabajo corporal escénico de las dos integrantes del dúo de danza, a través de distintas formas creativas, con el gesto (el reflejo), con la posición (la forma o el espacio), con la velocidad (relación espacio tiempo) o con la descripción del entorno, en un medio en el que los elementos que integran el atrezo son escasos, pero suficientes para la comparación, sea por contigüedad, como en el caso del tamaño de las tazas de té, sea por intercambio, como ocurre al cambiarse las prendas de ropa… parece que cada una quiere imponer a la otra su forma de percibir y de querer las cosas, mientras que a la vez, cada una se ve de una manera desde su punto de vista y a través de los ojos de la otra
Desarrollan movimientos que pueden ser más estáticos, o más dinámicos en función del quién y el momento, así como la disrupción en las secuencias, hacen que el conjunto del diseño coreográfico ofrezca las diferentes posibilidades que conducen al final, con el logro del ser Uno, independientemente de los deseos del otro: hacia esa liberación que no hace al otro inexistente, pero que acaba con la propia anulación bajo el peso ajeno. Un complicado juego, en el que las iluminaciones, que casi pasan desapercibidas, tienen su peso a la hora de marcar esa transferencia de la información al otro: al público.
El País. Madrid. La semana por delante DANZA
Enseñar las tripas
ROGER SALAS 12/12/2010
Como parte del ciclo Diciembre en Danza, la compañía gallega Nabeirrarúa Danza estará en el teatro Pradillo hasta el próximo día 19 (20.30) con un espectáculo titulado Uno, y concebido por Anuska Alonso Montero (Vigo, 1983) y Mar López Martínez (Vitoria, 1979), bajo una tutoría de la bailarina y coreógrafa Elena Córdoba. Reflexión sobre el tiempo como entidad coreográfica o motivo y sus posibilidades con el cuerpo, los artistas se proponen exhibir el proceso de investigación, dando importancia a la reflexión desde la que resultará el producto. En el equipo artístico también participan Sergio G. Domínguez, Jorge González y Pedro López. Todos ellos inciden en dar lugar al concepto de performance, así como a otras herramientas convencionales, entre ellas la iluminación, a la que conceden el lugar de "arquitecturas luminosas".
