Otros rostros, otros rastros

Notodo.com

Madrid en danza y el Certamen Coreográfico de Madrid han finalizado sendas últimas ediciones, pero la capital no deja de acoger desde sus espacios más zonalmente independientes grandes-pequeños espectáculos en donde la danza, el cuerpo, el movimiento y la coreografía versátil son la punta de lanza para espectáculos que no responden al cliché típico del género. Otros rostros, otros rastros, nuevo montaje de la Compañía Daniel Abreu que acogerá durante este finde semana el Teatro Pradillo, propone un espectáculo en el que el movimiento del cuerpo va dibujando y desdibujando el espacio global, paseando por paisajes neutros y universales a la vez y haciendo de la figura corporal un constante trazo en donde devenires y puntos y aparte dibujan los caminos.


Otros rostros, otros rastros
Teatro Pradillo. Madrid

Disciplina: Danza
Director: Daniel Abreu
Autor: Daniel Abreu
Reparto: Anuska Alonso y Álvaro Esteban
Dónde: Teatro Pradillo
Dirección: Pradillo, 12. Madrid
Hasta: 11.12
Horario: 20.30h.
Precio: Ant.: desde 12 €
Venta de entradas:www.entradas.com 

teatropradillo.com

Paisajes de Marisa Amor

Éste sábado, estreno para bebés en la Pradillo.

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Paisajes
Cía. Marisa Amor (Madrid) / Danza
7 y 8 de mayo 2011
Sábado / 17h. y domingo / 12h.30
14 y 15 de mayo 2011
Sábado y domingo / 12h.30
Teatro para bebés (desde 18 meses)




Y alguien le contestó: – uhmm… paisajes no cuenta una historia, aunque cada pequeño paisaje parece contarnos algo. Quizá…uhmm…descubrir en un viaje a poca velocidad y detenerse a mirar, a escuchar, a tocar y sentir…a experimentar. Paisajes es… un círculo, un árbol y una ciudad…uhmm…, un cascabel, una casita, un cerdo y una caquita de oveja, una bici, algo negro, tres amigos, algo blanco, del derecho y del revés, mirar al sol y llover…uhmm…creo que eran más cosas…



Paisajes, es una pieza de danza imagen y sonido.

Paloma Díaz trabaja como intérprete para diferentes compañías además de tener la suya propia y colaborar en otros proyectos en la ayudantía de dirección y de movimiento. Nilo Gallego es músico y performer. Trabaja con distintas compañías y en diferentes colectivos, con experiencia en la docencia en torno al arte sonoro. Carlos Fernández es dramaturgo, director de escena y profesor de teatro, con experiencia en materia técnica. Y, por último, Marisa Amor trabaja como intérprete para diferentes compañías. Co-creadora y ayudante de dirección en varios proyectos, y tiene amplia experiencia como docente, y en particular en el mundo infantil.

Creación del sonido e intervenciones musicales: Nilo Gallego.
Sonido e intervenciones musicales en directo: Nilo Gallego u Óscar Villegas.
creación coreográfica y bailarinas: Paloma Díaz y Marisa Amor.
Dirección, idea y creación de imágenes: Marisa Amor.
Iluminación: Elena Fernández.
Producción: Marisa Amor. LaTía Mardalina en Galicia, La Suite en Andalucía con el Circuito Abecedaria.

Plazas para los próximos taller de danza y teatro

Taller de danza:

mOvers: Training físico para intérpretes por Guillermo Weickert
Del martes 3 al viernes 6 de mayo 2011
/ De 10h. a 14h. /
Número mínimo de alumnos: 10 / Número máximo de alumnos: 20
Precio: 120 €
Lugar: Teatro Pradillo C/ Pradillo, 12 28012 Madrid
Información y reservas: 91 416 90 11 o info@teatropradillo.com

Movers es una forma de definir a aquellos intérpretes de artes escénicas que emplean de manera activa, consciente, personal y comprometida los recursos expresivos de su cuerpo como herramienta de trabajo. Se aplica no exclusiva ni necesariamente a los bailarines ya que implica un trabajo de investigación y desarrollo de una fisicalidad y un movimiento propio y no siempre académico o técnico en el sentido más tradicional de la palabra.

Es un término por tanto abierto también a actores, músicos, performers, artistas de circo y en general a cualquier profesional de las artes escénicas que otorgue una relevancia especial a su presencia, a su movimiento personal y a las distintas posibilidades de desarrollarlo e instrumentalizarlo. A ellos va dirigido este seminario.

Se planteará un calentamiento físico adecuado a las necesidades del grupo que puede incluir tanto ejercicios estrictamente técnicos como de conciencia corporal, juegos, improvisaciones y trabajos individuales, en parejas o en grupos; trabajaremos como un grupo para crear un espacio de trabajo común que permita a cada alumno sacar sus propias conclusiones , cuestiones y valiosa información con la que revitalizar nuestro trabajo como intérpretes.

Guillermo Weickert desde 1995 trabaja con compañías de danza contemporánea y de teatro físico tales como General Eléctrica, Rubato Tanzcompagnie, Danat Danza, La Permanente, L´anónima Imperial, Angels Margarit/ cía Mudances, Rui Horta Stage Works, ErrequeErre, Producciones Imperdibles, Ex- Cêntrica Producciones, R.I.P.E. Uk (Marc Rees) , Manuela Nogales cía de Danza, etc. En su trabajo como actor, forma parte de compañías como National Theatre Wales, UR-Antzerkia, Matarile Teatro, La Fundición de Sevilla, Centro Andaluz de Teatro, entre otras.

En 2001 comienza su trayectoria como coreógrafo y director de escena en producciones propias y para compañías tales como ErrequeErre, Mercé Boronat, Raquel Madrid, Bikini.Ducc, etc. Ha sido invitado a mostrar sus trabajos en festivales como Box Nova (CCB, Lisboa), Tanec Praha (Praga),,TanzWoche (Eisenhüttenstadt, Alemania), Em Pé de Pedra (Santiago de Compostela), MAPAFESTIVAL (Sant Mori, Girona), Festival Greg (Barcelona), Mes de Danza (Sevilla) , Escena Contemporánea (Madrid), La Alternativa Festival (Santiago), Ciclo Nuevos Creadores ( Valladolid), etc.

Ha impartido clases de danza y talleres para centros públicos ( Centro Andaluz de Danza, Escola Superior de Danza de Lisboa), privados ( Sala Endanza, El Centro de Artes Escénicas ( Sevilla), Teatro Galán (Santiago de Compostela), Área (Barcelona), Aforo (Madrid), etc) y también para compañías como Rui Horta Stage Works, ErrequeErre, La Permanente o Matarile Teatro y un largo etc.

www.guillermoweickert.com

Actor – Libertad – Creación por Lautaro Perotti
Taller de teatro impartido por el actor y director de escena Lautaro Perotti.
Del 15 al 17 de junio 2011
De miércoles a viernes de 11h. a 15h.
Precio: 100 €
Reserva tu plaza escribiendo a info@teatropradillo.com

Muchas veces, aún en el momento profesional, el actor se encuentra en la situación de no poder escapar a moldes y formas en su trabajo. Autolimitando su libertad creativa, termina apostando a fórmulas conocidas, aferrándose a lo seguro y alejándose de lo nuevo, del vértigo de lo desconocido y del verdadero trabajo creativo del actor. Dándole una preponderancia mayor a trabajo intelectual, y abandonando el cuerpo como verdadero instrumento creativo.

El enemigo mayor para un actor es la actuación si esta se ubica por delante de la propia acción del personaje. La enorme y sutil diferencia entre actuar y accionar, entre estar y mostrar. Representar un pensamiento o una emoción o lograr un verdadero proceso de pensamiento que produzca una emoción genuina nacida en el aquí y ahora.

La idea entonces es apostar por un actor independiente con capacidad de propuestas, de poner en juego todo su creatividad y poseer herramientas para hacerlas efectivas, y también incorporar las propuestas de los compañeros y del director y transformarlas en motores propios que enriquezcan su trabajo.

Lautaro Perotti es colaborador habitual en los montajes de Claudio Tolcachir: La omisión de la familia Coleman (premio Trinidad Guevara al mejor actor), Lisístrata, Jamón del diablo, Cabaret, La maraña, etc.
Sus trabajos como director son: Porque todo sucedió en el baño (autor y director) y La flor del Lirolay (director). Su experiencia docente: se desempeña en el teatro Timbre 4, como coordinador de la escuela y dictando talleres de formación actoral. También a dictado talleres de actuación en la escuela de teatro Arte 4 (Madrid) y en el Teatro Español (Madrid).

Taller de teatro:

Información y reserva de plazas en 91 416 90 11 o info@teatropradillo.com

Últimas semanas de la temporada de danza contemporánea en el Teatro Pradillo

Nota de prensa
Madrid, 14 de abril 2011

  Últimas semanas de la temporada de danza contemporánea en el Teatro Pradillo.

Para el final de su temporada de danza contemporánea, el Teatro Pradillo de Madrid propone dos programas dobles, caracterizados por su interdisciplinaridad, y un taller para intérpretes.

Madrid (14/04/2011)- Después de un mes durante el cual los espectadores han disfrutado de tres piezas, que formulaban una reflexión sobre la libertad de movimientos, y del Festival Gracias X Favor, la temporada de danza contemporánea del Teatro Pradillo empieza su recta final. 

La última quincena de la temporada estará marcada por la vuelta al Teatro Pradillo de Pablo Esbert, que estrenó en la sala su pieza “Play” en 2006. Volverá a bailar este dúo junto con Janet Novás que vimos recientemente en “Cara pintada”, que formaba parte de la temporada de danza del Teatro Pradillo. “Play” es el resultado de una investigación basada en las similitudes y diferencias entre el soporte audiovisual (video) y el dispositivo escénico (teatro). Además, Pablo Esbert interpretará “Edit”, proyecto inacabado en dos partes, una performance y una instalación. En cada representación cinco video-cámaras graban las acciones. Al final de la performance los espectadores/visitantes pueden bajar a escena y observar una versión reconstruida de las acciones que han tenido lugar esa misma noche.
En este camino de ida y vuelta el video tiene una función inversa a la habitual: en vez de fragmentar la realidad continua de la cual es una copia, aquí se utiliza para reconstruir una realidad discontinua, fragmentada de antemano de forma artificial. 

Guillermo Weickert también presentará un programa doble, compuesto por dos solos: “Material Inflamable” (estreno) y “Descenso, Capricho”. En “Material Inflamable” Guillermo Weickert se plantea interpretar una variación de movimiento que resuma y recoja de un manera lo más fiel posible su vocabulario personal. “Descenso, Capricho” trata de un miedo universal: el miedo a la muerte. Modelando fuerzas contradictorias, entre la ansiedad y el humor, vemos una mano que acaricia asustada la pared de un pasillo como asiendo lo real frente a la sensación de ahogo que nos produce el miedo a la oscuridad. 

Asimismo, Guillermo Weickert impartirá un training físico para intérpretes. mOvers es una forma de definir a aquellos intérpretes de artes escénicas que emplean de manera activa, consciente, personal y comprometida los recursos expresivos de su cuerpo como herramienta de trabajo. Se aplica no exclusiva ni necesariamente a los bailarines ya que implica un trabajo de investigación y desarrollo de una fisicalidad y un movimiento propio y no siempre académico o técnico en el sentido más tradicional de la palabra.




QUÉ
Final de la temporada de danza

QUIÉN
- “Edit” + “Play”, Pablo Esbert
www.pabloesbertlilienfeld.com
- “Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”, Guillermo Weickert
- “mOvers”, Training físico para intérpretes, Guillermo Weickert
www.guillermoweickert.com

CUÁNDO
- “Edit”+“Play” del 28 de abril al 1 de mayo a las 20.30,
- “Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”, del 5 al 8 de mayo a las 20h.30
- “mOvers” del 3 al 6 de mayo, de 10h a 14h


DÓNDE
Teatro Pradillo
C/ Pradillo 12 Madrid
Tlf: 91 416 90 11 www.teatropradillo.com
Entrada: 12 €
CÓMO LLEGAR: Metro: L9 Concha Espina Salida Plaza Cataluña

Información adicional:
David Rodríguez
Florence Calvez
info@teatropradillo.com

Tf: 91 416 90 11
 Disponibles imágenes en alta resolución y entrevistas.

Germen y futuro de un bailarín

EL PAÍS MADRID CRÍTICA: DANZA LIMITS
ROGER SALAS - Madrid - 08/04/2011

Reconforta encontrar el talento de un bailarín-coreógrafo, algo que escasea en su manifestación más vertical. Aparecen voces asociadas al teatro del gesto o a otras corrientes, pero la primera impresión que se tiene con este debutante de lujo es que se trata de un artista de danza contemporánea al que le interesa la danza misma, la génesis del movimiento, la enjundia que alberga una arriesgada proposición que pasa de lo decente a lo enervante.

Manuel Rodríguez es original en lo que hace y parte de una formación bastante limitada. Eso se ve, pero no es pretencioso en lo absoluto, como si conociera su cuerpo muy bien y la asunción de ese diapasón le liberara de demostraciones a ultranza. Lo interesante es, entre otras cosas, cómo supera sus carencias a base de trabajo disciplinar, de soluciones escénicas.

Con un físico particular, casi gótico, longuísimo en la línea (brazos como aspas, interminables, con piernas a juego), se crece por su voluntad modular, con lo que simula la estructura del espectáculo, a todas luces revisable (y debe hacerlo) si se somete a un análisis del movimiento más a fondo donde además del espejo interviene el cálculo.

El universo monologar hace de péndulo desde la dispersión a la concentración, con una presentación en riguroso altorrelieve de contraste en la que se ve ayudado académicamente por las luces cenitales y rasantes, procesando unas formas que tienen, en su dinámica, algo de escultórico.

Ese discurso poco distanciado de sí mismo es otro factor bisoño, parte del proceso en marcha, otra de sus fases alentadoras. Limits se abre con una diagonal muy forzada en su equilibrio inestable (piénsese en el uso que da William Forsythe a este término como figuración) dibujando una mímica hosca y agonista que va revelando al espectador el discurso, las líneas casi siempre rectas y truncadas por mor de un efecto de distorsión voluntarioso no exento de ironía y donde no hay ni una mínima gota de humor; se llega a respirar trabajosamente un tono dramático.

Ese discurso obtura en posicionamientos que sirven de tránsito, y de allí esa fluidez extenuante del material que no acaba y es reiniciado en canon aleatorio, lo que no es una contradicción, sino el feliz boceto de un estilo, los roces de una estética, y por eso podemos hablar de descubrimiento, bien entendido que esa explotación de sus proporciones físicas, como acto de taller, ha sufrido un pulimento adecuado hacia la obra consumada de baile.

El trabajo de suelo de Rodríguez evoca sin estridencia su pasado break, lo matiza tanto que muy intencionadamente se vuelve formalista, circula por el fraseado con gravedad y llega a sus brazos, sinuosos fugazmente, expresivos, para volver a entrar en el discurso facetado, de aristas. El suelo se percibe como un enemigo del que se quiere separar.

El bailarín aparece impecablemente vestido por David Delfín. Hay un uso del color intencionado, brutal, como foco dinamizador al que se regresa tras un intento de liberación ambiciosa en el espacio. El bailarín reta ilusoriamente la planimetría disponible sin descomponerse, estilizando su obseso continuo como un ritual que aún en su frialdad geométrica rezuma cierto hedonismo. No se da tregua, pero se contempla. El tiempo se va volando y eso es muy buen signo también hasta que se llega al decisivo bloque final donde reafirma lo mucho que le queda por decir.

El Festival de Otoño en Primavera pasa por el Teatro Pradillo

El Festival de Otoño en Primavera pasa por el Teatro Pradillo

Con motivo de la XXVIII edición del Festival de Otoño en Primavera, el Teatro Pradillo de Madrid acoge dos obras, ambas en estreno absoluto.

Arranca el 11 de mayo la nueva edición del Festival de Otoño en Primavera, cuya programación consta de 32 espectáculos de teatro, danza, música, circo… Cuatro son estrenos absolutos y dos de ellos serán presentados en el Teatro Pradillo en los meses de mayo y junio.

Al menos dos caras es la nueva pieza de la compañía Projects in Movement, dirigida por el prometedor bailarín y coreógrafo israelí Sharon Fridman. “Los objetivos principales de nuestro trabajo, dice Fridman, son la investigación, el aprendizaje y el desarrollo del lenguaje físico y, mediante esta búsqueda, la creación de un espacio virtual donde el público puede ver, sentir e imaginar”. Al menos dos caras es una obra para dos bailarines (el propio Sharon Fridman y Arthur Bernard Basin, ganador de los galardones Málaga Crea e Injuve 2009) y un actor, que se buscó activamente a través de las redes sociales.

Projects in Movement es un grupo de danza contemporánea formado en el año 2007 y afincado en Madrid cuyos trabajos han traspasado nuestras fronteras y han podido verse en países como Italia o Reino Unido. En septiembre de 2010, la compañía fue invitada a disfrutar de una residencia artística en el Centro Coreográfico La Gomera, donde desarrolló el espectáculo que presentará en el Teatro Pradillo del 27 al 29 de mayo.

La Compañía Lautaro Perotti propone, por su parte, Algo de ruido hace de la autora argentina Romina Paula. En escena, Eloy Azorín, Santi Marín y Fernanda Orazi se enfrentan al viento constante y al otoño de un pequeño pueblo costero. Dos hermanos que a veces parecen ser uno solo, verán alterada su rutina con la llegada de una prima que busca su lugar en el mundo. La suma de pequeñeces, dolores y silencios, la necesidad de olvidar, de no olvidar, la lucha constante por seguir adelante y la apabullante soledad impulsarán a los tres personajes a través de una compleja trama de enfrentamientos y alianzas, en la que se presienten peligros escondidos e inesperados desenlaces. Porque hay cosas que son posibles, y otras que no.

Esta obra se podrá ver durante el Festival de Otoño en Primavera del 1 al 3 de junio y se prolongará del 9 al 26 de junio, de jueves a domingo.

Arranca una nueva temporada de danza contemporánea en el Teatro Pradillo

El Teatro Pradillo de Madrid propone cinco piezas de danza contemporánea, un festival para creadores emergentes y un taller del 24 de marzo hasta el 8 de mayo de 2011. Un recorrido por el trabajo de cinco coreógrafos multidisciplinares que nos proponen una reflexión profunda sobre el hecho de estar en escena.

Madrid (03/03/2011)- Esta primavera, los espectadores podrán descubrir cuatro piezas de danza contemporánea en el Teatro Pradillo, una de ella en estreno absoluto. Esta programación multidisciplinar reunirá coreografías que se basan en la mezcla de soportes. El cuerpo, el vídeo, la voz, la luz refuerzan una reflexión sobre el movimiento, la energía, las emociones y la posición del bailarín en la escena.

En Play-inmobil, de la compañía Somosquien, dos coreógrafas se preguntan ¿qué sucede si no te puedes mover? ¿Quién lo decide? ¿Y por qué? Somosquien es un colectivo de artistas con la danza como disciplina en común, abiertos a la exploración, lo multidisciplinar y la creación de redes. Se podrá ver esta pieza del 24 al 27 de marzo.

Cara pintada, el salto de la Rana y otras pequeñas historias de la compañía Janet Novás habla de la esencia, de lo real y verdadero que construye al ser humano. A través de este solo, Janet Novás quiere invitar al espectador a introducirse en la intimidad de sus formas, en la intensidad de sus gestos y en el secreto que estos ocultan. Natural de Galicia, Janet Novás se ha formado en la escuela Carmen Senra, en el Real Conservatorio Profesional de Danza (Madrid) y en diferentes escuelas de Bruselas y Berlín.

Del 7 al 10 de abril, Manuel Rodríguez bailará su pieza Limits en estreno absoluto. ¿Dónde empieza y acaba un movimiento/acción y cuándo decido “yo” hacerlo? Esa es la pregunta que se formula el coreógrafo en este recorrido espacial limitado por un cuerpo que se ve impregnado de sucesos y acontecimientos que le afectan para correr o caminar, para pararse o estremecerse. Otro punto fuerte: el vestuario a cargo del diseñador David Delfín.

La compañía Pablo Esbert Lilienfeld presentará dos piezas, “Edit” y “Play” del 28 de abril al 1 de mayo. Edit es un viaje desde un mundo matemático y mecánico a otro más animal y orgánico que termina con una instalación por la que los espectadores se pueden pasear. Play es el resultado de una investigación basada en las similitudes y diferencias entre el soporte audiovisual y el dispositivo escénico. Pablo Esbert Lilienfeld trabaja con la compañía Philippe Saire de Lausanne, SUDHUM de Madrid y Christoph Winkler de Berlín. Desarrolla una actividad paralela como músico y vive actualmente en Berlín.

Guillermo Weickert presentará en estreno Material Inflamable, solo de danza que surge de un planteamiento muy sencillo: coreografiar e interpretar una variación de movimiento que resuma y recoja de un manera lo más fiel posible el vocabulario personal del coreógrafo. Además los espectadores podrán volver a disfrutar de Decenso, Capricho que se estrenó en el Teatro Pradillo en 2004.

Dentro de esta temporada se incluirá también el festival Gracias X Favor, que da la posibilidad a coreógrafos emergentes de presentar piezas cortas al público. El 13 y el 14 de abril se presentarán Pretérito perfecto simple, de Carmen Fumero, El Amado de David León y Calvas de Joaquín Abella. El segundo programa, los 16 y 17 de abril se compondrá de Trío/Ninguno de La Coja Dansa, Sed erosiona de Maryluz Arcas y Las alas son para volar de Alba Lorca y María Mas.

Esta temporada de danza incluye un taller para intérpretes de artes escénicas: Movers, correrá a cargo de Guillermo Weickert, del 3 al 6 de mayo.

Por último, los espectadores que asistan a dos espectáculos de danza podrán utilizar un Bonodanza que les permitirá disfrutar de una entrada gratis para el tercero.

Reserva tus entradas en el 91 416 90 11.
D.

mOvers, Training físico para intérpretes por Guillermo Weickert

El Teatro Pradillo convoca plazas para el taller: mOvers, Training físico para intérpretes por Guillermo Weickert

Del martes 3 al viernes 6 de mayo 2011
/ De 10h. a 14h. /
Número mínimo de alumnos: 10 / Número máximo de alumnos: 20
Precio: 120 €
Lugar: Teatro Pradillo C/ Pradillo, 12 28012 Madrid
Información y reservas: 91 416 90 11 o info@teatropradillo.com

Sobre el taller:

Movers es una forma de definir a aquellos intérpretes de artes escénicas que emplean de manera activa, consciente, personal y comprometida los recursos expresivos de su cuerpo como herramienta de trabajo. Se aplica no exclusiva ni necesariamente a los bailarines ya que implica un trabajo de investigación y desarrollo de una fisicalidad y un movimiento propio y no siempre académico o técnico en el sentido más tradicional de la palabra.

Es un término por tanto abierto también a actores, músicos, performers, artistas de circo y en general a cualquier profesional de las artes escénicas que otorgue una relevancia especial a su presencia, a su movimiento personal y a las distintas posibilidades de desarrollarlo e instrumentalizarlo. A ellos va dirigido este seminario.
Con este taller me propongo ofrecer mi propio training como Mover. El objetivo de este entrenamiento no busca la adquisición de nuevos conocimientos sino la mejor y más efectiva gestión del conjunto de conocimientos ya adquiridos de cada uno de los
participantes. No se trata por tanto de aprender conceptos nuevos como de observar, analizar , reflexionar y trabajar sobre nuestra manera de abordar el hecho escénico con distintos objetivos:

• Reconectarnos con el impulso.
• Instrumentalizar la intuición.
• Mejorar la escucha.
• Trabajar la fluidez y la facilidad en el movimiento y en la interpretación.

Se planteará un calentamiento físico adecuado a las necesidades del grupo que puede incluir tanto ejercicios estrictamente técnicos como de conciencia corporal, juegos, improvisaciones y trabajos individuales, en parejas o en grupos; trabajaremos como un grupo para crear un espacio de trabajo común que permita a cada alumno sacar sus propias conclusiones , cuestiones y valiosa información con la que revitalizar nuestro trabajo como intérpretes.

Sobre Guillermo Weickert

Guillermo Weickert realiza la carrera de interpretación en el Instituto del Teatro de Sevilla ( Carlos Álvarez-Novoa, Roberto Quintana, Pedro Álvarz-Ossorio, Miguel Garrido, Gabriel Chamé, entre otros) y se forma como bailarín en el Centro Andaluz de Danza ( Peter Goss, Bebeto Cidra, Alexis Euprierre, Mónica Runde, Angelike Wilkie, Carl Paris, Pilar Pérez-Calvete, Norio Yoshida, Ramón Oller, Jeremy Nelson, entre otros). Es miembro de los Talleres de Creación Corográfica y recibe becas de la Junta de Andalucía (Perfeccionamiento en Danza Contemporánea en la cía. Metros, Barcelona) , del Centre de Développement Chóreographique de Tolousse (stage “Prospectivas del Intérprete) y de la C.E.E (Col.lina Colaboration in Arts, Newcastle, Reino Unido, 2006)

Desde 1995 trabaja con compañías de danza contemporánea y de teatro físico tales como General Eléctrica, Rubato Tanzcompagnie, Danat Danza, La Permanente, L´anónima Imperial, Angels Margarit/ cía Mudances, Rui Horta Stage Works, ErrequeErre, Producciones Imperdibles, Ex- Cêntrica Producciones, R.I.P.E. Uk (Marc Rees) , Manuela Nogales cía de Danza, etc. En su trabajo como actor, forma parte de compañías como National Theatre Wales, UR-Antzerkia, Matarile Teatro, La Fundición de Sevilla, Centro Andaluz de Teatro, entre otras.

En 2001 comienza su trayectoria como coreógrafo y director de escena en producciones propias y para compañías tales como ErrequeErre, Mercé Boronat, Raquel Madrid, Bikini.Ducc, etc. Ha sido invitado a mostrar sus trabajos en festivales como Box Nova (CCB, Lisboa), Tanec Praha (Praga),,TanzWoche (Eisenhüttenstadt, Alemania), Em Pé de Pedra (Santiago de Compostela), MAPAFESTIVAL (Sant Mori, Girona), Festival Greg (Barcelona), Mes de Danza (Sevilla) , Escena Contemporánea (Madrid), La Alternativa Festival (Santiago), Ciclo Nuevos Creadores ( Valladolid), etc.
Ha impartido clases de danza y talleres para centros públicos ( Centro Andaluz de Danza, Escola Superior de Danza de Lisboa), privados ( Sala Endanza, El Centro de Artes Escénicas ( Sevilla), Teatro Galán (Santiago de Compostela), Área (Barcelona), Aforo (Madrid), etc) y también para compañías como Rui Horta Stage Works, ErrequeErre, La Permanente o Matarile Teatro y un largo etc.

www.guillermoweickert.com

Danza

Nueva programación de danza para los meses de marzo a mayo 2011:


play-inmobil
Cía. Somosquien (Madrid) / Danza
Del 24 al 27 de marzo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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Cara pintada, el salto de la Rana y otras pequeñas historias
Cía. Janet Novás (Galicia) / Danza
Del 31 de marzo al 3 de abril 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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Limits
Manuel Rodríguez (Andalucía) / Danza
Del 7 al 10 de abril 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Estreno absoluto
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Gracias X Favor / Abril 2011
Procedencia coreógrafos: Canarias/Madrid/Andalucía/Valencia/Aragón/Baleares

Primer Programa:
Miércoles 13 y jueves 14 de abril 2011 / 20h.30

- Carmen Fumero, solo  10 m.: “Pretérito perfecto simple”
- David León, solo 20 m.: “El Amado”    
- Joaquín Abella, cuarteto, aprox. 20 m.: “Calvas”

Segundo Programa:

Sábado 16 y domingo 17 de abril 2010 / 20h.30

- La Coja Dansa, trío aprox. 30 m.: “Trío/Ninguno”
- Maryluz Arcas, solo aprox. 30 m.: “Sed erosiona”
- Alba Lorca y María Mas, dúo, aprox. 10 m.: “Las alas son para volar”
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“Edit” + “Play”
Programa doble
Cía. Pablo Esbert Lilienfeld (Berlín) / Danza
28 de abril a 1 de mayo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
------------------------------------------------------

“Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”
Programa doble
Cía. Guillermo Weickert (Andalucía) / Danza
Del 5 al 8 de mayo 2011
De jueves a domingo / 20h.30

Además:

Taller Danza y movimiento como herramientas del intérprete

Un taller que continúa la línea de investigación que Guillermo Weickert ha desarrollado sobre los recursos físicos del intérprete como herramienta para profundizar en el trabajo creativo y expresivo.

Martes 3 a viernes 6 de mayo, de 10h a 14h.
Número mínimo de alumnos: 10
Número máximo de alumnos: 20

Color en la viñeta móvil

CRÍTICA: DANZA MANGA
ROGER SALAS - El País. Madrid - 15/01/2011

La coreógrafa y bailarina venezolana afincada en Madrid Mey-Ling Bisogno desborda imaginación y hace un usufructo notable de unos recursos modestos, tanto en elementos ambientales como en los propiamente dancísticos que le ofrecen sus compañeras de escena: Diana Bonilla y Cristina Pérez Sosa.

La inspiración en las viñetas japonesas es llevada en literalidad. Los efectos luminotécnicos, rapidez de acción, secuenciado vertiginoso y sensación de urgencia sobre la historia corta, están presentes. Todo empieza con un viaje. Las tres artistas se hacen acompañar de tres maletitas con ruedas (los habituales trolleys, sin los que es difícil imaginar el viaje contemporáneo). Un signo de admiración se dibuja con luz en el suelo y en el fondo, y ese elemento tan presente en los recursos iconográficos del cómic, ya sea japonés o de otro sitio, viene a significar aquí algo más que asombro, quizá habla de un patrón de comportamiento rozando esquemas burlescos y con ingredientes de humor, hasta derrotar hacia una densidad menos evidente, más oscura.

Mey-Ling tiene sentido de la distribución espacial, maneja los ritmos teatrales para no aburrir al público en ningún momento; densifica una acción mayormente gráfica y fragmentada hasta hacer la lectura cognoscible. Las imágenes se suceden. Puede intuirse un orden en la acción o aventura, pero eso no está en el cardinal de la coreógrafa, que se interesa más por los cuadros mismos en su especificidad, su apertura y cierre como células o módulos de un todo. Algunas de esas imágenes son poderosas, como la doble camisa de fuerza-crisálida, que ofrece momentos conseguidos de la línea en blanco y negro, pues a continuación, llega (y triunfa) el color ácido con su masa casi sacado de pantone profesional en pelucas, calzado y otros accesorios, a la vez relacionados con la estética de los barrios más modernos de Tokio como Shinjuku o Shibuyu.

La luz de espectáculo Manga, que abusa de los efectos estroboscópicos (por cierto, está comprobado: son dañinos al ojo humano), en el resto cumple eficazmente. Con respecto al baile, conviene detenerse y analizar dos aspectos. De un lado, el abundante material sugerido por Mey-Ling y las formaciones que comporta no son ofrecidos rigurosamente, se recurre a una ejecución relajada y debería dominar un reglado estricto que ofreciera contraste con lo visual. La música potente se inserta sobre la historieta y dimensiona escenas como la del chicle asesino, que recibe su merecido y se pega a un zapato anónimo crecido en pantalla con un acento de pop-art.

MANGA
Compañía Trans / Garden. Coreografía: Mey-Ling Bisogno. Música: Martín Ghersa. Luces: Paloma Parra. Ilustraciones: Lucas Rearte. Vídeo: Esteban Ghersa. Vestuario: Milan Hau. Teatro Pradillo. Hasta el 23 de enero.

El «Manga» es cosa de chicas

Mey-Ling Bisogno toma la estética del cómic japonés para hablar de cambios y deseos

Pérez-Sosa, Bonilla y Bisogno, como Chic, Ultra y Freak

14 Enero 11 - La Razón - M. Ayanz - Madrid
Ultra, Chic y Freak no paran de mutar. Son tres heroínas que van cambiando de historia en historia, de viñeta en viñeta, de página en página... Y así, hasta que llega el sorprendente final del cómic. Abran bien los ojos, pero también los oídos, porque no les estamos invitando a leer un tebeo, sino a ver «Manga». Y es lo mismo, pero no lo es. Dicho de otra forma, es la primera vez que alguien se anima a llevar a las tablas el vitalista e inabarcable universo del tebeo japonés que hace furor entre los adolescentes... y entre los no tan jóvenes. No esperen, eso sí, una adaptación de las aventuras de Akira, el lobo solitario, Astroboy, Kusanagi, Naruto, Asa, Nana o cualquier otro de los personajes que han hecho historia en el género: «Manga» ofrece un pasatiempo inspirado en este tipo de lecturas.

Colorida y caprichosa
Su responsable, Mey-Ling Bisogno, directora y coreógrafa de las compañías Compagnie 3gallos y la Compañía TYrans/Garden, es además Freak en el montaje (o sea, en la foto, «la morenita pequeña de la peluca rosa», como se describe entre risas). Junto a ella, con peluca verde, está Diana Bonilla (Ultra) y con peluca naranja, Cristina Pérez-Sosa (Chic). «No es que sea una gran lectora de manga, pero sí he leído algunos. Me fascina la cultura japonesa, y siendo madre además de dos hijas, tengo conexión con ese mundo», cuenta Bisogno, cuya biografía merece un párrafo: venezolana afincada en España y a medio camino entre París y Madrid (en ambas ciudades tiene compañía) desde hace ya una década larga, por sus venas corre sangre italiana y china, como delata su apellido.

«Mi padre trabajó casi treinta años con japoneses. Me obligaba a cantar cancioncitas en japonés para quedar bien con los directivos de las compañías con las que trataba», recuerda con una sonrisa como explicación de su fervor por lo asiático. Y aclara que quería «indagar en el tema de la transformación» y que elegir el manga no es arbitrario: «Más allá de la estética, que siempre me ha fascinado, me interesa lo que supone para la cultura japonesa: hay mangas para todo tipo de públicos y edades, es algo que llega a todo el mundo». Pero, a la vez, bromea: «Es un espectáculo muy caprichoso: me he propuesto hacer lo que me quiero». Y eso es, traducido, «una obra bastante “soft”. Sinceramente, es un infantil para adultos, como un caramelo».

Aunque mangas hay de muy diversos tipos (no es lo mismo el «shônen», subgénero de aventuras para chicos, que el «shôjo», que es lectura de chicas, y así otros tantos), Bisogno ha querido rescatar en esta pieza de teatro físico –«es una obra bastante silenciosa, hay momentos en los que hablamos algo de japonés, pero mal», confiesa la actriz– la esencia más pop y naïf del tebeo nipón: «Tenía ganas de trabajar en algo alegre, algo que tuviera felicidad, color y ligereza en esta época tan terrible que estamos pasando».


- Dónde: Teatro Pradillo. Madrid.
- Cuándo: hasta el 23 de enero. De jueves a domingo, 20:30 h.
- Cuánto: 15 euros. Tel. 91.416.90.11.

ENTREVISTA A MEY LING BISOGNO

10.01.11
ENTREVISTA A MEY LING BISOGNO

eter.es

Vídeo "Soniris" en el Teatro Pradillo

- SONIRIS (Simona Ferrar, 2010)
- Gracias X Favor Invierno 2010
D.

Manga

¡A sólo 9 días del estreno!
Manga
En el Teatro Pradillo
Del 13 al 23 de enero de jueves a domingo a las 8:30

D.

El bailarín y su doble virtual

CRÍTICA: DANZA
El bailarín y su doble virtual
ROGER SALAS - Madrid - 10/05/2010

Los experimentos formales en formato de cámara como nutrientes del desarrollo de la danza actual merecen toda nuestra atención. Unos van más lejos que otros; unos aciertan y otros navegan infructuosamente en su propio intento de síntesis; es lo previsible, pues no todos los días se descubre la utilidad de combinar el molibdeno con el vanadio.

El ciclo Gracias x Favor ofrece una plataforma discreta pero llena de interés alrededor de las zonas menos complacientes y más áridas del trabajo en progresión. El ciclo debe permanecer como foro dinámico y dar seguimiento a los hallazgos, debe explorar aún si cabe, al propio espacio teatral como recurso no convencional y que su aserto como escaparate de lo emergente junto a las nuevas tecnologías tenga total justificación (y rigor) en lo que exhibe.

La vulgaridad, si se quiere adscrito al teatro del gesto, se expresa en una nota previa que tiene un tono (acaso irónico) de cacao mental o trola inspirada apoyándose en las apreciaciones de Peter Sloterdijk sobre el quinismo. Viene a cuento aquello de que la belleza no sería apreciable -o cognoscible- sin una noción definida de su opuesto. Sloterdijk habla de "anestética como oponente", una estética de la ruptura que se sitúa en confrontación (o enfrente) de lo armónico, lo bello establecido. La pieza que vimos en Pradillo es una secuencia de poses continuadas que juega al cuadro viviente ("tableau vivant", que decían los vanguardistas) con escorzos barrocos, luz rasante a lo Caravaggio y un acento trágico y clasicista de la expresión corporal. Después hay catarsis y destrucción obligada de lo conseguido. La asociación posdadaísta de los textos trufados de Shakespeare es un buen chiste irónico y demuestra que abusar del power-point (o Wikipedia) es un peligro para la salud del tirio y del troyano.

La propuesta de Paola Tognazzi carece de estructura y fundamento y si lo que intentaba era desorientar, lo consigue. Apenas se percibe un guión justificatorio, una hilatura a las secciones que incluyen preguntas al público y participación colectiva. De nuevo se obliga al espectador a leer implacablemente a velocidades obtusas. Una mujer se adiciona al brazo un sensor y se mueve sin concierto plástico alguno. ¿Qué ha sucedido? El efecto es nulo.

El trabajo más sólido y donde se ve un producto en vías de cristalización es el Shift, de la norteamericana Lisa Parra en estrecha colaboración (casi coautoría) con la española Ana Crouselles. Partiendo de una intencionada delimitación de nichos planimétricos en el suelo, un mosaico de fotos evoca el pixelado o la génesis secuencial de lo que vemos, su prehistoria instintiva: un dúo muy trabajado en espejo y con acentos líricos muy delimitados por la acción coordinada de las dos artistas (que dominan solventemente el movimiento), a veces funcionando en obligada simetría y otras en ensemble coréutico. La proyección de unas imágenes alternas que se interrumpen a sí mismas con interferencias propias de fallo mecánico dan, paradójicamente, una parte inquietantemente humana al recorrido físico y danzado, brindan una atmósfera de búsqueda interior a la vez que espacial. Se explica que esas proyecciones son el resultado de un escaneado 3D que juega el rol de la memoria inmediata, el flashback como relámpago abisal y fronterizo entre la realidad material y su efecto representado. La concentración de Parra y Cruseilles contribuye a redondear la obra, a darle entidad plástica y coreográfica, a sentir del espectador, estar frente a una pieza real y justificada.

La degustación de un baile sensual

El País
ROGER SALAS - Madrid - 23/04/2010

"Cómeme". Compañía Trans/Garden; Coreografía: Mey-Ling Bisogno; luces: Paloma Parra; música: Martín Ghersa; Teatro Pradillo. Hasta el día 25.

El planteamiento de "Cómeme" remite a varias referencias estéticas, que luego se van manifestando como epidérmicas, sin calado en el meollo de los materiales coreográficos. Así están los cuadros que recrean a los del cineasta Peter Greenaway; al ballet "Arcinboldo" de Jiri Kylian y siempre en formato de cámara, a la frialdad atmosférica de un sector la nueva danza francesa. Pero por encima, o dentro, de todo el andamiaje de tono surrealista y sugerente, de fuerte impronta sexual y chispazos explícitos de desboque erótico, está la voluntad de la coreógrafa de dar continuidad a la trama danzada, lo que está conseguido parcialmente.

Tres mujeres se devoran en un ritual gastronómico que quiere tener tintes humorísticos que no calan ni llegan al público, tomando mayor peso la parte dura o seria. Sí se hace evidente ese "crescendo" de tensión, dentro de una escenografía limpia, útil y muy justificada en que domina el blanco y los elementos "hight-tech". Lo mismo que el vestuario colorista y sacado de la ropa civil y las luces, de fuerte cromatismo intentando acentuar cierto tenebrismo. Pero ¿dónde está la razón medular de esta obra? Probablemente en el señuelo del programa de mano en el que se promete la intervención de un bailarín que por fin no aparece. Es como si las tres mujeres se prepararan y lucharan por él y para él, conformándose finalmente con lo que son capaces de ofrecerse entre ellas mutuamente; ¿ritual de desacralización? ¿conjuro del macho? ¿metáfora de la castración? Todas estas posibilidades se dan cita en lectura abierta. La masa de harina, el gran cuchillo, las fresas rezumantes, la manzana pendiendo de un hilo sobre sus cabezas: son símbolos, algunos más evidentes que otros, reuniéndose y perdiéndose en meandros oscuros, en líneas difusas, como tan difuso es el baile mismo.

Se hecha en falta un cierto terminado en lo estrictamente técnico. La tendencia a dotar de naturalismo, a través de la relajación formal más que de descomposición de las evoluciones de danza, perjudica el dibujo. Baile es dibujo, aún en su negación más explícita (que es este caso). Las bailarinas lucen concentración y energía, pero falta la coherencia que permite determinar que un trabajo de taller asume categoría coréutica real.

Con la boca y el cuerpo

La semana por delante DANZA
Con la boca y el cuerpo ROGER SALAS 11/04/2010

"Existe una íntima relación entre los sabores, los olores y las emociones, incluido el amor, la atracción y el deseo sexual. Comer nunca ha escapado a ese cierto poder erótico; pero no siempre se come por hambre y no siempre se copula por amor. Existe una teoría que afirma que la gula y la lujuria hunden sus raíces en la biología humana, en el propio instinto de supervivencia". Esta enjundiosa y barroca cita es la presentación de la coreógrafa y bailarina venezolana Mey-Ling Bisogno para Cómeme (Teatro Pradillo. Del 15 al 25. 20.30), un trabajo para cuatro bailarines, dos hombres y dos mujeres, y que la incluye a ella misma.

Mey-Ling se formó en un incesante movimiento vivencial y pedagógico, primero por Latinoamérica y luego entre Miami y Nueva York, donde recala becada por el American Dance Center. Esa inquietud la llevó a fundar compañía en Francia y ahora está asentada en Madrid. Cómeme es un trabajo al alimón entre la Compañía 2gallos (París) y la madrileña Trans Garden. La música ha sido compuesta por Martín Ghersa, que también asume la ambientación.

Rituales con objetos

CRÍTICA: DANZA
Rituales con objetos
ROGER SALAS - Madrid - 11/04/2010

El título de esta pieza, conciso hasta lo genérico, no da una fe cierta de lo que se ve, una resultante dramática, tensa, oscura y con tintes que remiten al esperpento teatral en su acepción más clásica. Los tres elementos (el propio Ruz, Maureen López y el búlgaro Dimo Kirilov -ex de la Compañía Nacional de Danza) exprimen sus capacidades histriónicas, desechan las formas específicas de danza para entrar en el registro del teatro gestual puro y duro.

Es cierto que se trata de un espectáculo de danza-teatro, muy cuidado en la precisión de sus evoluciones e influido hasta el tuétano de la escena alemana contemporánea, donde confluye la instalación performativa, los ciclos de automotivación e improvisación y sobre todo la asunción de una estética voluntariosamente tenebrista y desolada. Esa gravedad exponencial, esa ritualización llena de absurdo, tristeza y búsqueda de una salida vital, conforman el fresco de unos seres que no acaban las frases ni cierran las evoluciones. Un triángulo poco adornado y con poca concesión; lo irónico termina por dejar paso a un áspero diálogo físico, donde la sugerencia se aborta en la respiración de un lirismo surrealizante. Los personajes están delineados con amargura, desde la pantomima al vestuario. El humor es tangente.

No drama

Compañía Antonio Ruz. Coreografía: Antonio Ruz; música: Fernando Abras; arte: Daniela Presta, luces: Olga García. Teatro Pradillo. Hasta 11 de abril.

No drama, de Antonio Ruz

Estreno el 8 de abril 2010.
D.

Plot, una propuesta de Claudia Faci

Plot.
 Cía. Claudia Faci e invitados (Andalucía / Madrid) / Danza. » 17 de diciembre jueves / 20h.30 director invitado Mateo Feijoo. » 18 de diciembre viernes / 20h.30 director invitado Martín Vahamonde. » 19 de diciembre sábado / 20h.30 director invitado Carlos Fernández. » 20 de diciembre domingo / 20h.30 director invitado Óscar Villegas.

Plot: ardid – argumento - complot – conjura – conspiración – intriga – parcela –solar – terreno - trama - trazar  Cuatro directores han sido invitados a participar en esta propuesta en la que, cada uno de los días programados, se pondrá en escena el primer ensayo de la idea que cada uno de ellos quiera materializar. 


Danza en diciembre 2009