El Cultural ( 22/01/2010 )
Se estrenan en Madrid tres obras del autor, entre ellas 'Vía Dolorosa'
Liz Perales / Benjamín G. Rosado
Dos de los grandes autores del teatro británico visitan la semana próxima Madrid. El primero en llegar es David Hare, cuya extensa obra, de marcado carácter político, ha sido escasamente representada en nuestro país. Ahora el Festival Escena Contemporánea de Madrid le dedica el ciclo de autor. De él se escenifica Vía Dolorosa, escrita tras un viaje a Israel (Reina Sofía, días 27, 28 y30), The Blue room (sala Pradillo, del 9 al 11 de febrero) y Skylight (Pradillo, días 13 y 14). David Hare es uno de los bastiones del National Theater de Londres. Le gusta diseccionar desde el escenario los temas que más preocupan a la sociedad inglesa en cada momento. Y le suele salir bien, porque su teatro no peca de demagógico, aunque su última obra, The Power of Yes, sobre el mundo de las finanzas y estrenada el pasado año, ha sido maltratada por la crítica. Llegó al National Theatrer en la década de los 80, previo paso por el Royarl Court Theatre, donde llegó a ser director adjunto y en el que se han escenificado la mayoría de sus textos. Especial interés tiene su trilogía sobre la iglesia anglicana, la justicia y la política y los medios de comunicación que retrata, respectivamente, en (Racing Demon, Murmuring Judges y The Absence of War). Pero también tiene un teatro más íntimo y personal, como Skylight, que se estrena en Escena Contemporánea. En nuestro país su obra ha sido escasamente representada.
El monólogo sobre el conflicto israelo-palestino Vía Dolorosa, que se estrena el día 27 en el Festival, lo protagonizó muy dignamente Joaquín Kramer hace años. A este actor se debe también la puesta en escena de El lucernario. Y poco éxito cosechó en 2003, y eso que estaba protagonizada por dos ases de la interpretación (Amparo Rivelles y Nuria Espert), La brisa de la vida, en la que Hare enfrentaba a la esposa con la amante del mismo hombre.
-Cuando se representó en España su Via Dolorosa hubo división de opiniones, algunos críticos la tacharon de proisraelí, otros de propalestina.
-Tiene gracia, porque hubo el mismo número de críticos que me tacharon de proisraelí que de los que lo hicieron de propalestino. Creo que es una buena señal. Significa que el experimento funcionó y confirma también el modelo de sociedad en el que vivimos, donde se nos fuerza a tener opiniones muy concretas y sospechosamente parecidas. Aunque Via Dolorosa no es un acercamiento pretencioso al conflicto, creo que sí arroja luz. Porque no es más que el testimonio sincero de un occidental, y me refiero a mi propia experiencia, que viajó al lugar del conflicto sin ningún prejuicio en la mochila.
-¿Y cuál fue su sorpresa?
-Noté un contraste entre mi mundo interior y el de aquellos dos pueblos. Gente preocupada a diario por cuestiones trascendentales, como la creencia en un ser superior o la vida más allá de la muerte. No hacen literatura con ello, sino que viven a día a dia con esas preguntas. En ese sentido, me sorprendió el hecho de que tantas diferencias podrían encontrarse entre un palestino y un israelí como entre un ateo, como yo, y un protestante o un católico.
-Se estrenó en Londres, capital del multiculturalismo.
-Le diré que me inquietaba cómo podía reaccionar el público y me llegó a preocupar el tipo de gente que me estaría esperando a la puerta del camerino. Ocurrió que la obra funcionó tal y como estaba planteada, y a la salida me esperó gente de 12 nacionalidades diferentes. Esta reacción confirmó el cosmopolitanismo que buscaba en mi texto.
-Su inquietud durante el estreno ¿desvela acaso a un dramaturgo instalado en una provocación y un debate constantes?
-No soy yo el que provoco al público, sino el público el que me provoca y me incita. Mire, el teatro ha de ser estimulante. Al mismo tiempo que puedes tomar prestados algunos temas de la historia, ha de entretener. Informar, formar y entretener. ¿No es eso lo que hacen los periodistas?
-¿Es por eso que algunas de sus obras -sobre cuestiones religiosas, políticas y económicas- parecen inspirarse en los titulares de prensa? Absence of Warm, su última obra, una particular iniciación en el mundo de las finanzas, es el caso más paradigmático.
-Por supuesto que trato cuestiones de la realidad, del mundo en el que vivo. Pero niego la mayor en cuanto a que los titulares de prensa tengan algo que ver con lo que escribo. Desgraciadamente, un tipo con estudios pero sin demasiadas nociones de economía no está preparado para leer la sección de finanzas de la mayoría de los periódicos. Son textos extremadamente confusos, que adolecen de un sentido eminentemente informativo. Lo mismo ocurre con la televisión y otros medios de comunicación. Absence of Warm está pensada para que cualquier ignorante se haga una idea de lo que es el mundo de las finanzas.
-¿Esa pureza que parece haber encontrado en el teatro es acaso lo que lo mantiene prudencialmente distante del cine?
-He llegado tarde al cine aunque, como sabe, se han estrenado con éxito varias de mis adaptaciones. Me creerá si le digo que si me dedicara a las artes cinematográficas con la misma intensidad con que lo hago al teatro estaría instalado en el dólar. Pero mi mundo está aquí, en la cuarta pared. Por esto quiero ser recordado.
-¿En qué términos?
-En cierta ocasión, escuché decir a un espectador que mi obra le resultaba particularmente shakesperiana. Eso es lo que yo quiero. Que dentro de 20 ó 30 años, cuando nadie recuerde los acontecimientos que inspiraron mis trabajos, mis obras sigan funcionando, sigan llegando a la gente, como sigue llegando hoy Shakespeare.
-No ocurrió así con sus aproximaciones a algunos autores españoles… -No puedo sino reconocer que no estuve a la altura en mis adaptaciones de Lorca, y también de Calderón. Lo hice terriblemente mal. Se me escaparon. ¿Cuál es la explicación? Digamos que Lorca utiliza un lenguaje que camina en la cuerda floja, entre lo formalmente serio y lo que no lo es. No sabía cómo acercarme, si política o realísticamente. El resultado fue el que fue. Y yo aprendí la lección.
Y lo mejor de este arranque de festival, los franceses de Les ateliers du espectacle, con A distances, obra maestra de exquisita tensión dramática a base de chirrios, golpes de efectos, y poesía visual a troche y moche. Un gustazo.
Si tienen un teatro, programen a estos franceses, el domingo pasado en Pradillo hicieron 200 funciones. Por algo será.
D.
Nadie entiende que La Tristura son unos viejos de 20 años. Todo el mundo les ve como unos chavales emulando a sus maestros. Y es falso, La Tristura son un compañía en ocaso, no creativo, sino que sus paradigmas, su poesía, son de viejos, de gente de cincuenta años. Es raro, pero es así.
Actos de juventud es demasiado larga, pero su luz es la del atardecer, la del campo en verano, la de la siesta. Imágenes bellas, puras, sólo sentidas por bardos experimentados en la vida que ya no se quedan con las florituras, que prefieren los aromas, las risas, la vida. Me recordó, no sé por qué, El Sur de Victor Erice. Ya digo, unos viejos.
Con Años 90, La Tristura homenajeó a un teatro pasado que ellos, que todos, admirabamos. Y que entonces, gustó por que lo hicieron desde la posición que todos esperaban que tomasen: la de unos jóvenes, que hablan como jóvenes,... locuras de juventud, ya se les pasarán. Pues, no, ya estonces, y como ahora en su última creación, hablan como lo que son: viejos, la obra va de viejos, de los que pasó en los años setenta, de los ochenta, ... Cómo Cuéntame...
Me gusta esta compañía, por que pocos les entienden al ser para este mundo teatresco, demasiado puros, frágiles, sin aristas. Lástima que parezca que se están despidiendo del teatro, que se separan, lástima que se acabe ese modo de contar.
D.
David Fernández buscó su lugar en el mundo, primero entre los vivos, los trabajadores, los que viven lejos de casa de sus padres, los que ganan algo por ellos mismos para comer, los que tienen amigos, pareja, un techo.
Luego buscó su lugar en el mundo como artista, se formó sin maestros, autodidacta, se dedicó con disciplina, sacrificio, rozando la demencia, a aprender, a cuidar su físico, a bailar, a tocar el violonchelo, a saber programar con MAX/MSP, se movió para descubrir lo que le gustaba del teatro, lo que se hacía en éste tiempo, y lo que no le gustaba, lo que quería emular, lo que quería copiar, a que puertas llamar, que modos de relacionarse, de promocionarse, de distribuirse, de que te programen, en que salas actuar, ...
Luego hizo unos cuantos espectáculos, donde probó diversas modos de contar, más de éste estilo, más de ésto otro, conoció a otras gentes, hizo más amigos y más enemigos.
Anoche vimos su último espectáculo: El corazón, la boca, los hechos y la vida. El último, pero que en realidad parece el primero. Un espectáculo bueno, tan redondo, inspirado, copiado y tan original como el de un buen principiante con talento.
El primero, pues, por que los demás no cuentan ya. Tras su periplo, David ha aprendido a estar en escena, se ha hecho profesional, ha encontrado su lugar en el mundo.
David, nos permite escuchar a su padre (un tipo extraordinario, feliz, recientemente padre ya en las puertas de vejez). Le oímos, adentrándonos en su privacidad, como le trata con una mezcla de cariño y sorna, perdonándole tantos y tantos desplantes que debe producir a un progenitor, el haber tenido un hijo problemático, introspectivo, dispuesto siempre (por amor) a cambiar las cosas malas e injustas del mundo, tronando y despotricando sin mesura. Hoy, el padre ve que el hijo ya ha dejado de ser un incordio y se ha convertido en un cómico, más bien en un avatar dirigido por lo demás gracias a un simple mando de la WII. Un triste payaso capaz de transmitirnos su natural patetismo, y de mostrarnos nuestra propias miserias llegándonos, incluso con humor, al corazón
David Fernández ha madurado. El padre debe de estar muy satisfecho de su hijo.
D.
| LOS TORREZNOS INAUGURAN EL MARTES LA 10ª EDICIÓN DEL FESTIVAL ESCENA CONTEMPORÁNEA EN LOS TEATROS DEL CANAL | ||
| Los Torreznos participaron en 2007 en la 52ª edición de la Bienal de Venecia dentro del proyecto “Paradiso spezzato” del Pabellón Español Del 19 de enero al 15 de febrero, salas y espacios públicos madrileños se convertirán en un escaparate de las propuestas escénicas más arriesgadas del panorama internacional, como Cirque ici o L’Alakran El festival se alzó en 2009 con el Premio Max de Nuevas Tendencias | ||
El Festival Escena Contemp Este año, el festival prestará especial atención a los jóvenes artistas y creadores españoles, como Junto a las salas que desde hace una década vienen acogiendo la programación del festival – En esta 10ª edición se consolidan las colab Sinopsis de la pieza Compañía: Los Torreznos. Espectáculo: “El Cielo”. Género: Teatro. Espacio: Teatros del Canal. Fecha: Martes 19 de enero. H El “cielo” se define a menudo como el espacio en el que se mueven los astros y que, por efecto visual, parece rodear la Tierra. El color del cielo es el resultado de la radiación difusa, la interacción de la luz solar con Sobre Los Torreznos Los Torreznos son una herramienta de comunicación sobre lo social, lo político y las costumbres más arraigadas. Trabajan desde la realidad más directa, incluida la familiar, traduciendo al lenguaje contemporáneo temas que forman parte de la cotidianeidad más absoluta. La intención de su trabajo se orienta hacia la búsqueda y la experimentación expresiva a través de formas sencillas como el gesto, el lenguaje y Desde su creación, Los Torreznos han formado parte de colectivos de creación artística independiente. Aunque se constituyen como tal en el año 2000, Rafael Lamata y Jaime Vallaure ya realizaron numerosos trabajos de intervención conjunta con anterioridad a esta fecha. Ambos han sido miembros fundadores y activos del grupo de creación experimental Circo Interior Bruto 2000/05 y Zona de Acción Temporal (ZAT) 1997/98. Previamente, cada uno de ellos había desarrollado su propio trabajo de creación. En 2007, Los Torreznos participaron en la 52ª edición de la Bienal de Venecia dentro del proyecto “Paradiso spezzato” en el Pabellón Español. |
A Distances
Cía. Les ateliers du spectacle (Francia) / Teatro de objetos
Del 22 al 24 de enero
De viernes a domingo / 20h.30
Escena Contemporánea 2010
"A Distances" son 7 piezas breves para 2 intérpretes con dispositivos escénicos visuales y sonoros. Un hombre solo en escena, con la ayuda de su sirviente, actúa sobre dispositivos poéticos que producen a su alrededor efectos visuales y sonoros.
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Catexis
Cía. Muriel Romero y Pablo Palacio (Madrid) / Artes Sonoras
Del 28 al 30 de enero 2010
De jueves a sábado / 20h.30
Estreno absoluto
Escena Contemporánea 2010
"Catexis" es la segunda parte de una trilogía centrada en el análisis y el desarrollo de la interacción entre el gesto sonoro y el gesto dancístico. Se construye a partir de transformaciones digitales de objetos fonémicos emitidos por el bailarín, que funcionan como una bio-extensión sonora de su movimiento corporal.
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Febrero 2010
(espérame despierto)
Cía. Mopa (Andalucía) / Danza
Del 5 al 7 de febrero 2010
De viernes a domingo / 20h.30
Escena Contemporánea 2010
"(espérame despierto)" es una pieza que invita, con una perspectiva un tanto voyeur, a contemplar la misteriosa relación entre dos personajes que juegan con la continua metáfora del abandono. Dos personas que viven ante los ojos del espectador momentos de sensualidad, dureza y humor. Una pieza en la que la música adquiere la presencia de un personaje más. Un violín, una concertina, dos personas y el espectador.
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Del 9 al 11 de febrero 2010
Martes y miércoles / 20h.30
Ciclo Autor David Hare
Escena Contemporánea 2010
Nunca fue intención de Schnitzler que su serie de escenas, escrita con total libertad en torno al sexo, llamada La Ronda, fuese interpretada ante un público. Cuando la creó, allá por 1900, el autor la tildó de "material no publicable" puesto que la concibió sólo para ser "leída entre amigos" [...]
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Skylight / El enorme cuadro de luz que ella veía desde su cama
Dirección de Juan Branca (Argentina) / Teatro
13 y 14 de febrero 2010
Sábado y domingo / 20h.30
Ciclo Autor David Hare
Escena Contemporánea 2010
Del 25 de febrero al 7 de marzo 2010
De Jueves a domingo / 20h.30
Es una obra de David Hare dividida en cuatro escenas que suceden en dos días y una noche en la vida de Kyra, que es una buena persona, que cree en su trabajo de educadora en los suburbios y que una vez, hace un par de años… huyó.
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-Ha muerto un poeta, gime la radio del coche que anuncia el asesinato de Pier Paolo.
-... y poetas sólo nacen dos o tres en un siglo.
Pasolini fue definitivamente uno de esos pocos.
D.
Si en Duques de Bergara Unplugged, Sergi Faustino (por cierto, aún podrán disfrutarla otra vez en Madrid) nos hacía ver un decorado que no existía, nos hacía sentir unas sensaciones, como si estuvies allí mismo, de una historia que en realidad sólo nos era contada, anoche pudimos asistir a su particular antítesis: Long Life.
The New Riga Theatre nos trajo una obra de teatro que se basaba en sumergirse a pocos palmos de una escenografía perfecta (de hecho la entrada del público es por un pasillo de la casa), toser el polvo acumulado, gozar con el hiperrealismo del decorado u oler las sardinas fritas.
Actores increíblemente caracterizados hasta la sorpresa final, que deambulan con problemas entre este abigarrado universo, gimen, rezongan en sus pequeñas vidas. Cotidianidad anónima y patética, a ratos muda y amarga. Pero, también a ratos ruidosa, absurda y surrealista, de un modo que me recordaba a los follones que montaba el Mr. Hulot en la películas de Jacques Tati.
Un montaje sublime que normalmente debería de haber venido al Festival de Otoño, pero que Paz Santacecilia nos ha traído a nuestra Escena Contemporánea, para dejarnos simplemente con la boca abierta.
D.
Lo vi, te lo juro, estaba en el armario, mientras el perrillo degustaba la mermelada.
Sí, era increíble, surcaban el cielo, uno lanzaba los puños como misiles y la otra gritaba: ¡Pechos fuera!
Yo lo ví con mis propios ojos. Había una decoración de hotel algo kitsch, mesas, sillones, cuadros, ventanas donde se vía el perfil de la ciudad de Barcelona y una agradable iluminación. Si, y eran seis actores cojonudos, más el director que estaba allí, presente, pero no decía nada.
El texto cojonudo. Y de risa, te partías el ojete. Pero humor fino, muy catalán.
Yo le doy cinco estrellas. Como la cerveza de Madrid. Te lo juro.
Duques de Bergara Unplugged, en el Teatro Pradillo. Amable caricatura sobre nuestros prejuicios y pequeñas mentiras.
D.
Se inauguró el festival Escena Contemporánea con un concierto de Don Simón y Telefunken. Buena música, caótica aproximación al arte, a la poesía (Pau Riba, recitando unos poemas maravillosos), a la performance, adornada con chistes de juguete y pelotas de peluche lanzadas al público.
EC se renueva, se refresca y se vuelve a subir a la cresta de la ola. Ya verán, ya.
D.
THE MYSTERIES OF LOVELa tuvimos hace años en Escena Contemporánea con aquel sublime espectáculo que me saltó las lágrimas: Ibm-1401 a user's manual, (que se dió a conocer mucho en el mundo nerd debido a su título, por cierto) y que también contaba con la colaboración del músico de Apparat: Johann Johannsson.
in BRUSSELS verrrrrrrrrrrry sooooooon,
tomorrow, the 14th of march in BOZAR-PSK
Concept by Erna Omarsdottir and Johann Johannsson
also created and performed in colloboration with Margret Sara Gudjonsdottir, Valdimar Johannsson, Flosi Thorgeirsson
Erna Omarsdottir viene a representar una paradoja muy importanet en la danza contemporánea: Estar jugando en la Champions League mundial, que en nuestro país representarían propuestas más cerca de lo que le gusta al gran público tipo Cesc Gelabert o Blanca Li, con espectáculos cañeros, es decir, más cerca de nuestras Sonia Gómez o Marta Carrasco.
Una breve y simple (a estas horas no pidan más) reflexión de como se configuraría la globalidad esa del mundo del baile.
¡Bailar!
D.
D.
Tres críticas (hay muchas más) de los camaradas de Ophelia de cosas que han pasado por la Pradillo en estos días. ¡Qué buenos que son estos ophelianos!:
- Mapas de escenas contemporáneas
Ya?
Catálogo de sonidos que se pueden danzar: Una voz describiendo. Corrientes de agua. Respiraciones. Fonemas sibilantes. Pasos. Chirridos. Crujidos. La naturaleza.
Todo ello con un ambiente spa. Momentos de vanguardia. Momentos de new age.
--> Sigue leyendo
- Desde el shock emocional
Para quienes no hayan visto nunca en directo ejecutar la controvertida música de John Cage, esta ocasión será buena para eso, de la mano de Alejandro Rojas-Marcos, y para mucho más. Asistirán a la operación quirúrgica de insertar en el encordado del piano unas tuercas para poder ejecutar sus obras para piano preparado. Se sorprenderán al ver salir de él extraños sonidos, de pronto percusiones como de txalaparta, de pronto aires exóticos como hindúes o japoneses que entroncarán con los poemas que recitan entre risas antes de empezar con la música. Y desde ahí, limpiamente, como limpio será todo en el blanco escenario, unos bailarines tan bien compenetrados como —inicialmente— la pareja que interpretan, harán que sus cuerpos parezcan dejarse llevar por melodías atonales que marcan su existencia. --> Sigue leyendo
-Decapitation
Si el teatro es rito, el trance es una de sus ceremonias. Esto es algo que últimamente asoma entre los escenarios, de un modo u otro. Si Angélica Liddell entraba en un auténtico trance para llegar a la catarsis en El año de Ricardo, en Mapa de carreteras para regresar el trance toma al público. El ritmo del habla y el de la música se aúnan y al mismo tiempo dividen el cerebro del espectador en dos hemisferios, no necesariamente el lógico y el creativo: más bien el que divide signo y significado, pues por un lado se deja llevar por el sonido y la cadencia de la palabra, y por otro no puede evitar tratar de dejarse llevar por su significado, la historia que nos cuenta (y no vemos). --> Sigue leyendo
Raymond Queneau en sus Exercices de style (1947) contaba la misma insustancial historia de cien modos (más o menos) distintos sólo cambiando una y otra vez el lenguaje. Lo curioso era que esta propuesta tan diríamos conceptual, nos llevaba no sólo a una reflexión formal, sino simple y llamamente a la carcajada limpia.
El performer ruso Oleg Soulimenko en Elegy For The Brave. Dislocation, propone un similar ejercicio de estilo con un espectáculo basado en una serie de inicios sincopados de posibles performances.
El resultado es un banquete repleto de sutileza. Sobredosis de ironía que se pasa con tragos cortos, pero fuertes, de carcajadas explosivas, producidas por una ofensiva de inclementes ataques de lucidez que nos lanza el ruso, hacia el frente de nuestras indefensas cabecitas de espectadores empanados.
Sublime.
D.
-Mapes, Cía. Dansa Mariantònia Oliver (Baleares). Teatro Pradillo.
-Life is too short to dance with an ugly man (Programa doble), InThisSection-juschkaWeigel. Teatro El Canto de la Cabra. (foto)
-Poetic disasters, Club Guy & Roni. Sala Cuarta Pared.
Y el jueves que viene estrena el incombustible Pedro Aunión: Sobre, vivir... al tiempo, en La Mirador (Centro de Nuevos Creadores). ¡A volar!
Tomen aire... Uf!
Propuestas desde dentro, desde el meollo cultural, pero que andando, andando se han alejado hasta la periferia donde reside el público normal, el que le gusta de todo. Ya ven, estas cosas pasan.
Ambos coinciden, además, en el hecho de que, en cierta forma, parten como sendos homenajes a dos grandes, pero raros, músicos: John Cage y Javier Corcobado.
Los resultados son antagónicos, pero deliciosos. Si quieren un consejo no se los pierdan. Hagan doblete.
Hoy: En el Teatro Pradillo, 20h.30: Yo cocino y él friega los platos, Cía. El Centro de Artes Escénicas, hasta el miércoles.
Mañana: 21h. en La Casa Encendida: Agrio Beso, de Juan Navarro con Javier Corcobado.
D.
Mucho Max
Ese pedazo de premio Max. ¡Sí los acabamos de tener aquí!
Mejor Espectáculo de Danza: Escupir en el Tiempo, Compañía de danza Erre que erre.
En Sevilla, por la mañana se repartieron los Maximinos (versión local y mini de los Max que se entregaban a la noche) ganó uno el miembro de Erre que erre: Guillermo Weickert, como mejor intérprete en Go to the flow (hizo doblete ese día) y también se premió como mejor espectáculo de danza el montaje que viene la semana próxima a nuestro teatro: Yo cocino y ella friega los platos.
Gustazo.
D.
Vimos Un mapa de carreteras para regresar de Armadillo Teatro.
Salmodia estilizada a modo de nana tecno (me cito a mi mismo). Narración sublimada y deliciosa, donde la voz y la música eran iguales que me hizo pensar en una mezcla del deje chulesco (Madrí, Madrí,...) y de Antonin Artaud.
Bangkok, Valencia, Alonso Martínez, Goya, ¿acaso no es todo el mismo lugar?.
D.
El ciclo Autor de Escena Contemporánea dedicado a la Nueva Dramaturgia Británica abre un paréntesis con el teatro más político. Después de haber presentado el “Verbatim Theatre” y antes de que llegue el turno de la contundente Stoning Mary, el festival recibe la mirada vanguardista de Tim Crouch, que representará su premiada obra My arm el 5 y el 6 de febrero y dará una conferencia tras la función de ese último día con el título de “No audience no echo”. Ambas intervenciones tendrán lugar en la sala Pradillo de Madrid.
El nombre de la conferencia, una cita extraída de la parte del final de los Diarios de Virginia Woolf, es la clara tarjeta de visita del autor, director y actor británico que considera que “aunque el artista tiene que estar alejado del mundo para crear arte, el arte no puede hacerse aislado del mundo”. Porque para el dramaturgo británico, el contacto con la gente no sólo no es necesario para conocer la vida, sino que es imprescindible ya que “el teatro sólo puede ser completado por el público”, asegura Crouch.
Esta es la clave de su teatro. Como Marcel Duchamp, un artista al que considera “una gran influencia” en su obra, el dramaturgo piensa que cada espectador “hace también de autor”. Con esta premisa busca “devolver al público el papel activo que había tenido y que ha perdido en los últimos 150 años”, continúa el dramaturgo, más partidario de un trabajo eminentemente interior que otro explícitamente político. Porque para Crouch, quienes “pueden cambiar el mundo son los espectadores, no los actores”. Para ello sus producciones ofrecen al público una serie de acciones y en algún caso objetos que previamente ha requerido de los asistentes con los que busca “provocar un diálogo entre ellos y el contexto en que se encuentran” que permita “escribir”a cada uno su propia obra.
Autor, director y autor. Como hizo, por ejemplo, en An oak tree, un texto de corte “brechtiano” que en cada representación se convertía en una obra diferente según respondiera el público o en My arm (Mi brazo), el título con el que se estrena en España en su triple faceta de autor, director y actor. En su obra, un Crouch solitario comparte el escenario con un muñeco que tiene el brazo derecho levantado. A través de su manipulación y de unas imágenes que aparecen en una pantalla, el artista británico cuenta la vida de este ser al que un buen día se le disparó la extremidad cuando tenía diez años y desde entonces no ha podido bajarlo. Como ha tenido una existencia peculiar – a la vista de los demás- la relata en una galería de arte, sin dar razones u otras cosas que sirvan como explicaciones de una situación, porque para eso está el espectador, que es el que ha de completar la historia. ESTEBAN, Rafael. El Cultural.
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