Ciclo La Americana 2011. Creadores de teatro hispanoamericano.
D.
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El alma en un hilo (Sólo se muere una vez)
Cía. Luca Nicolaj (Andalucía) / Teatro
Del 29 de septiembre al 9 de octubre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Estreno absoluto
Denise Despeyroux en círculos de amor con El corazón es extraño
La autora se divide entre la comedia y la tragedia en su nuevo trabajo escénico
14 de septiembre de 2011
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
El sofá, la butaca mecedora y unas cartas de tarot, parecen ser algunos de los lugares comunes que encontramos en las obras de Denise Despeyroux. La butaca como lugar de exhibición, el tarot como curiosidad por un sentimiento desconocido y ajeno al mundo, y el sofá que, además de punto de reunión, parece ser el lugar donde se desnudan los personajes, donde intercambian, donde se establecen y donde toman decisiones, como si de un diván de psiquiatra se tratara. Tal vez quiera ser precisamente esto, tendré que preguntarle. La imagen y el simbolismo parecen acompañar sus trabajos, y es lógico, porque como escritora y dramaturga quiere reflejar en la escena el ambiente que crean sus palabras en los textos, y es una forma de hacerlo.
Pero no quiero perderme tanto en los detalles (que serían casi un libro aparte), porque ya la obra tiene suficiente complejidad como para que me disperse.
Estamos ante un nuevo estreno de la autora uruguaya, de la que hace unos meses dije que parecía estar en vías de cambio, pero que contaba ya con un trabajo a medias, El corazón es extraño. A caballo entre las anteriores sagas de la muerte, u otros textos previos, y una línea posterior de trabajo, nuestra autora se vuelca y se desnuda en gran medida dentro de esta obra, en la que veo un tremendo reflejo en el personaje principal el núcleo de la trama, en detalles, pero también en el fondo.
En definitiva, los tres personajes que maneja, Violeta (la protagonista, comprometida con cualquier amor propio o ajeno), Víctor (amigo de su hermano y desesperado de amor) y Andrés (hermano de Violeta y negado para amar), junto con Nadia, de la que Víctor está enamorado, pero que no aparece, el clon de Nadia, que sí aparece pero transformada en un clon de Violeta, y el crítico César Ignacio Morente, que tampoco aparece, y con el que Violeta se relacionará, acaban trazando círculos entorno a la protagonista. Círculos que se entrecruzan y que definen más que un espacio común de Violeta, porque son las distintas formas de amar que rodearán a nuestra protagonista.
Una primera mitad con más humor, dará paso a una segunda parte más cargada de tragedia, pero nunca falta el estilo del deje con el que Denise hace levitar las cosas entre personajes. Contrasta esa escenografía tan clásica y recargada, con el concepto de modernidad que da el laboratorio instalado en el sótano (La Caverna), por Andrés, el hermano de Violeta. Es otra forma de dar un nuevo contraste a los personajes y a su sustancia.
Si el amado de Violeta es el amor anhelado, que no llega a adaptarse a su deseo o a su idealización del mismo, el hermano refleja un amor prohibido, que acabará por reconstruir Andrés a partir de una figura ajena (que, seguramente, tampoco le podrá satisfacer). Y por último, Víctor, muestra el amor desesperado que su auténtico deseo no es capaz de comprender hasta que es tarde. Estamos, por tanto, ante una situación de completo desamor y de absoluto caos de las relaciones, que nadie es capaz de resolver aunque todos los personajes anden rondando esa necesidad.
Es difícil (si no imposible), abarcar de manera sintética toda la simbología del trabajo de Denise, desde el juego con el sofá, donde se entrecruzan las relaciones afectivas entre personajes, o que sirve para una breve reflexión de Violeta antes de la decisión final… o el juego entre músicas, como esa traición de Haendel con El triunfo del tiempo y la verdad, que parece querer abrir los ojos de algo inevitable, pese al rechazo que produce a la protagonista… acaso también a la autora.
Una iluminación lúgubre, que quiere dotar de espacios de reflexión interior, describe un lugar común repleto de contenidos, y esconden una caverna de terror más que de futuro bajo la casa. Tal vez un efecto más definitorio de las luces diese más juego desde la agilidad y enmarcasen más las ideas, o tal vez no se quiera arrojar mayor claridad que la de la sencillez y el amontonamiento de las vidas.
A Quique Villar (o Quique Fernández, ahora en el papel de Andrés), pudimos verle en El guante y la piedra, donde en su papel de boxeador pasaba por la situación de víctima. Ahora su interpretación le transporta a un personaje más duro que, pese a algunos comportamientos que le pueden hacer despreciable, en el fondo le han convertido en víctima de su situación. Una víctima más despiadada, porque está exenta de ternura, que no de amor como se quiere mostrar.
Rosalía Cigana (o Rosalía Martínez), se encargó precisamente de dirigir el anterior trabajo de Quique, y ahora asume el papel principal en el trabajo de Denise Despeyroux. No tiene una posición sencilla, porque además hace el doblete como clon de Nadia (o Nadia 2), así que se encuentra a caballo entre un personaje excesivamente profundo, pensante, reflexivo y culto, y otro no formado, sin posibilidad de establecer una relación adulta, quizá sin siquiera emotividad: tan sólo coinciden en el sufrimiento, donde se conectan cada noche por medio del sueño.
Ricardo Reguera conduce el papel del amigo de Víctor, un ser confundido por un amor no correspondido, que acaba haciendo de nexo, pero también de separación, en ese lugar donde reside una amistad que puede convertirse en algo más, pero que no se define cuando debe.
Como en clave poética, la autora quiere trasladar la importancia del desamor hacia la fundamental existencia de la amistad, como equilibrando un peso que no tiene equilibrio posible, aunque ofrezca una alternativa opcional.
Tal vez por eso, el colofón de este texto pone el acento en algo que abarca a todos sus personajes (aunque a la salida me percato de que hay quien sólo lo atribuye a la protagonista), porque todos ellos, sean los que aparecen como los que sólo son citados, forman una trama sin la cual no se comprende el devenir de los acontecimientos: “Amar sin esperanza es sobrevivir al desamor logrando que quede intacta la ternura”. Quizá el análisis profundo diera para un tratado sociológico de los personajes, pero antes que eso, recomiendo al público que lea sus anteriores textos, porque además de disfrutar del humor de la autora (con mayor peso en otras obras), comprenderán muchas vías de exploración a partir de su trabajo.
El corazón es extraño o la atribulada muerte de los vivos no es sólo una verdad irrefutable o de Perogrullo, también es el título del montaje que el Teatro Pradillo acoge hasta que termine el presente mes. Denise Despeyroux, la autora y directora del espectáculo y una habitual de los circuitos independientes, disemina generalmente preocupaciones con cierto carácter existencial y una inclinación filosófica y metalingüística, cuando no estética, de la intersubjetividad y de los trasuntos que atañen al corazón y su insondable condición, sus caprichos, sus paradojas, sus recovecos, sus insensateces y sus bravuras, sus apariencias, su deleite y dicotómicamente, también, su magulladura. El texto que ha escrito para este montaje con la madrileña Compañía Teatro de la Intemperie es, si acaso, un esfuerzo de nuclearización de sus intereses más pródigos sobre el saetado por Cupido (y su ontología, su literatura, su poética, su palabra) y un alegato melancólico y alegórico en el tono, y trágico en su narración, sobre su triste y angustiosa soledad cuando no es correspondido y la absoluta tiniebla en la que, perdiendo el control, a uno le abandona su desesperanza. Este tema fundamental (o mensaje con distintos niveles de lectura) se hace paralelo al de la improbabilidad de encontrar mecanismos de control para tal sentimiento y, sobre todo, a la incómoda tarea de su estudio a través de la sistematización y con el sueño de una fantasía científica con antagónicas razón y emoción. En su fondo, la desvalidez y lo monstruoso como productos de su mal. De su inmanencia esquiva. Del mal de amor.
Con un tejido retórico, pseudo-psicológico y apelando también a la ciberbiología o la bioética (y los sueños aberrantes que su trasgresión puede operar), la autora se desenvuelve con un texto, quizás, demasiado extenso y algunos momentos descompensados en la rítmica que lo estira. Afortunadamente, el elenco formado por Violeta Rosalía Cigana, Andrés Quique Villar y Víctor Ricardo Reguera, que también ostentan sus nombres en escena, salvan algunos obstáculos de lectura, el abuso de conceptos o de recursos intertextuales (Goya, Chéjov,Benjamin, Yeats, Händel, entre otros) y aterrizan formalmente el núcleo (a veces delirio) de la historia. Víctorama a Nadia y sufre por ello en tanto que su amor no es correspondido. Con la herida acude a casa de su amigoAndrés, un ex - compañero de la universidad con ambiciones experimentales poco deontológicas en su labor científica obstinada en la vida artificial. Andrés vive con su hermana Violeta, una traductora y ensayista demasiado preocupada con la intelectualización del amor y con los remedios psicológicos y pseudofilosóficos para la supervivencia de la vida cotidiana que, no obstante, intenta ayudar al amigo de su hermano al tiempo que ella es seducida (y también aletargada y malherida) por un idilio con un crítico literario. El consuelo y el apoyo que se dispensan ambos tórtolos desamparados despierta en el desahogo la idea de cierta unión trascendente más allá de las lindes de la empatía y la amistad. Pero, entre encendidos y apagados de elipsis constantes, Andrés también ha estado maquinando un remedio para Víctor: lágrimas de amor correspondido para la clonación de una Nadia para su amigo. Aunque, reparando en las palabras de su autora, la verdad y el desengaño nunca serán lo mismo.
David Cano
Notodo.com.12.09.11
Notodo.com.12.09.11
Desde el 8 de septiembre contaremos con el último estreno de la autora Denise Despeyroux, habitual colaboradora del dramaturgo José Sanchis Sinistierra, que muestra su obra “El corazón es extraño”.
Tras este montaje, Luca Nicolaj nos presentará su pieza “Sólo se muere una vez” un divertida reflexión sobre el más allá que cuenta entre otros con el actor andaluz Manolo Caro.
Madrid (31/08/2011) – Con “El corazón es extraño” Denise Despeyroux. expone la idea de que es posible desnucleizar un núcleo, clonar a una mujer con lágrimas de amor de otra mujer, seducir a un crítico hablando de Walter Benjamin o apelar a las más modernas teorías de neuromarketing para encriptar un mensaje de amor infalible en una carta de amor cualquiera. Esta obra es un disparate tragicómico que muestra la crueldad en toda su crudeza, pero se empeña en defender que la verdad y el desengaño nunca serán lo mismo.
Denise Despeyrox, nacida en Uruguay y residente en España, es autora y directora de teatro, además de licenciada en Filosofía. Se ha formado en dramaturgia, interpretación y dirección con autores de la talla de Javier Daulte, José Sanchis Sinisterra y Rafael Spregelburd.
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La Compañía Caro Nicolaj nace en 2008. Su primera producción, continuando el viaje teatral empezado en 1991 es el monólogo Tan pancho y con brío (2008), que cuenta con la ayuda de la Junta de Andalucía y del INAEM. Más p’allá que p’áca es el segundo montaje de la Compañía y sigue la misma forma de trabajo basada en un mano a mano creativo entre el director y los actores, que contribuyen de forma directa a la escritura del espectáculo. El montaje explora el tema de la muerte, de las creencias y miedos que están asociados a ella.
Luca Nicolaj llega al teatro después de una formación de danza contemporánea en Italia, Alemania y Francia. Tras su primer montaje, basado en textos de Tennessee Williams, en Suiza, va definiendo su lenguaje teatral, en el que prima una visión poética. Sus piezas, de las cuales es también autor, se desarrollan a partir de un proceso de investigación que implica de manera muy personal a los actores en cuanto creadores. Trabaja a partir de elementos cotidianos, con los que va construyendo un entramado a la vez onírico y surrealista.
Manolo Caro participa en cuatro montajes con el C.A.T. dirigidos por C. Gandolfo, P. A. Ossorio, M. Narros y Suárez Marzal. Interpreta textos clásicos, como Edipo Rey y El avaro, por J. Lavelli, y contemporáneos, como El séptimo cielo, de C. Churchill y Tres disparos, dos leones, de Sara Molina. Con Luca Nicolaj trabaja en los montajes Antes que el tiempo acabe, Se comió la manzana y arrojó el corazón al suelo, Eso que llaman amar y el monólogo Tan pancho y con brío. Interviene en series como Policías, Los Serrano, Padre Coraje, Sin tetas no hay paraíso, miniseries como Paquirri, Fago y en largometrajes comoCamarón, El Bola, el James Bond Die another day… Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Mula y en el Festival de Teatro de Chiclana.
“El corazón es extraño o la atribulada muerte de los vivos” y “ Sólo se vive una vez”.
QUIÉN
Denise Despeyroux (Madrid) y Luca Nicolaj (Andalucía).
CUÁNDO
Del 8 al 25 de septiembre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
+
Del 29 de septiembre al 9 de octubre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Del 8 al 25 de septiembre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
+
Del 29 de septiembre al 9 de octubre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
DÓNDE
Teatro Pradillo
C/ Pradillo 12 Madrid
Tlf: 91 416 90 11
Entrada: 12 €
No se dejen engañar por su título, solemne y poco adecuado para un espectáculo que es puro juego. Patrick Murys, su artífice, tiene la imaginación intacta de un niño libre de vigilancia paterna. Solo en escena, crea un universo entero con unos pocos objetos de madera de aspecto añejo y se desdobla en un ramillete de personajes inquietantes que viven historias mudas cuyo significado queda abierto a la libre interpretación del respetable.
Si les gustan que les den las cosas masticadas, aquí lo llevaran crudo. ¿Quién es esa quimérica criatura errante de tres metros de altura, condenada a encontrar maletas añejas allá por donde camina y a acarrearlas sin pausa? Lo ignoramos, pero nos trae el eco de mil viajes, de cien mudanzas y de aquellos polacos exiliados que antes de la caída del muro de Berlín abarrotaban los pasillos del expreso Paris-Moscú con centenares de bultos enormes inverosímilmente embalados que enviaban a su parentela.
Paisajes en tránsito es teatro de objetos enriquecido por el excelente trabajo interpretativo de Murys, actor de larga trayectoria, que ha preparado un arsenal de sorpresas bien dosificadas. Una desgastada maleta de cuero a la que le coloca un cencerro se pone a saltar entre sus manos como una res brava: cuando le cuelga esquilas a las otras, consigue crear la ilusión de que juntas forman un animado rebaño pastando sobre la paja que antes sacó de su interior para esparcirla en el imaginario redil delimitado por una vía férrea circular de juguete.
Aún con alguna caída de ritmo, el trabajo de manipulación del actor francoperuano producido por la compañía portuguesa Circolando es magnífico. Su polisémico relato, inspirado en textos de Jorge Semprún y Primo Levi, se despega de su origen con chispazos humorísticos y escenas amables, sin apagar por ello un ruido de fondo inquietante. Es un buen comienzo para Pendientes de un Hilo, festival de teatro visual, títeres y objetos.
JAVIER VALLEJO 08/07/2011 El País
CRÍTICA: TEATRO PAISAJES EN TRÁNSITO
Autor e intérprete: Patrick Murys. Producción: Circolando. Teatro Pradillo. Del 6 al 9 de julio.
Algo de ruido hace
Cía. Lautaro Perotti (España / Argentina) / Teatro
Continúa en cartel hasta el 26 de junio 2011
De jueves a domingo 20h.30
METRÓPOLI | En el Festival de Otoño en Primavera
José Luis Romo | Madrid
23/05/2011
Lautaro Perotti: 'En Buenos Aires hay mucho más teatro'
Lautaro Perotti
Impresionó a la crítica con su imprevisible Marito de 'La omisión de la familia Coleman' y ahora es uno de los grandes protagonistas del 'Festival de Otoño en Primavera': actúa en 'El viento en un violín', la esperada tercera obra de Claudio Tolcachir, y además, muestra su faceta como director en 'Algo de ruido hace'. Lautaro Perotti lo tiene todo para convertirse en el chico del momento de nuestra escena.
Lo suyo es un no parar...
Sí, por fortuna los productores son los mismos en las dos obras y me lo han puesto muy fácil. Con 'Timbre 4' (la compañía de Tolcachir) somos como una familia y todo ha ido rodado, y en 'Algo de ruido hace' también hemos hecho mucha piña, como dicen acá.
¿Por qué decidió dirigir?
Yo me siento actor, pero era una aspiración que siempre tuve. Apareció esta obra que me encantó y todo se precipitó vertiginosamente. La hemos montado en poco más de un mes.
Su pieza, al igual que en 'Los Coleman', hurga en el microcosmos de la familia...
Sí, habla de dos hermanos cuya vida se queda parada con la muerte de su madre hasta que llega una prima, muy vitalista, y pone su vida patas arriba. Habla de cómo ella modifica su vida y ellos la de ella. Me enganchó porque es una obra que hace pensar y también muy entretenida.
Dirige a actores argentinos y españoles, como Eloy Azorín. ¿Hay diferencias?
Por mi experiencia en esta obra, no noto ninguna. Me encontré con gente con mucho talento, que además son buenas personas.
La sombra de Tolcachir se va a cernir sobre esta pieza...
Lo sé, es algo a lo que no puedo escapar, porque llevamos trabajando juntos toda la vida. No pretendo distanciarme de él ni acercarme, ni nada. No sólo con Claudio, sino con toda la compañía, mantengo una idea muy fluida sobre el trabajo.
Como conocedor de las carteleras de Madrid y Buenos Aires, ¿se pueden comparar?
Bueno, la verdad es que allí hay mucho más teatro. Ésa sería la principal diferencia. Aquí hay cosas muy buenas, regulares y muchas aburridas. Allí también, pero en más cantidad. Aquí me ha encantado 'Veraneantes' y también vi 'Delicadas'.'Algo de ruido hace' | Varios escenarios | Dirección: Lautaro Perotti | Intérpretes: Eloy Azorín, Santi Marín y Fernanda Orazi | En cartel del 21 de mayo al 3 de junio
El actor Eloy Azorín. (Jorge París)
Prepara el estreno teatral de Algo de ruido hace, dirigida por Lautaro Perotti.
Será en el madrileño Teatro Pradillo, en el Festival de Otoño en Primavera.
20 minutos. R. G. OTERO. 09.05.2011
Está "de luto" por la eliminación del Real Madrid de la Liga de Campeones, pero se muestra encantado por su papel en Algo de ruido hace. En el madrileño Teatro Pradillo prepara el estreno absoluto de esta coproducción con la compañía argentina Timbre 4 en el Festival de Otoño en Primavera.
¿Cómo es trabajar con Timbre 4?
Yo me perdí el último curso de la RESAD porque empecé a trabajar y porque era un vago. Me pilló muy joven, con 18 años, y de lo que me estimulaba a medias, pasaba. Ahora, de algún modo, estoy haciendo un curso de interpretación.
¿Es cierto que los argentinos llevan la interpretación en su ADN?
No lo sé. Sí sé que hacen mucha piña. A mí me gustaría oír más veces a un actor hablando bien de otro actor. Ellos van en bloque, no hay esa sensación de competencia. Los del Barça son como los argentinos: muy buenos actores y hacen piña, ¡es genial!
¿Cuánto le importa el teatro?
Disfruto porque todo lo que hago tiene que ver conmigo. Como lo del Madrid-Barça: es el partido, no lo que lo rodea. En la tele te cortan una trama, te cogen un plano... Aquí no estás por la pasta ni por el forro, sino porque quieres. Ensayas un domingo y el 1 de mayo.
Teniendo pasta para no llegar jodido a fin de mes, soy feliz; no necesito mucho más
En cine ganaría más dinero.
Sí, y a lo mejor estaría protestando por tonterías: "Esta agua no está fría, me la cambian"..., ese tipo de cosas con las que te vuelves un poco loco. Aquí te lo tienes que hacer todo tú.
Empezó a trabajar muy joven, ¿también se cansará antes?
No, porque en esta profesión te tiras mucho tiempo sin currar. Conozco a pocos actores que se hayan cansado, solo algunos que son un poco tontos. Si eres Tito Valverde y llevas 10 años enEl comisario o eres Imanol... ¡Ni ellos se cansan! Te cansas de no trabajar.
Tiene su gracia...
Cuando no tienes curro te hace valorarlo mucho. Encima, a veces hacemos un trabajo que no es el que más nos molaría. Y a veces estás jodido porque no te han cogido para algo que no te habría gustado hacer, que ya es el máximo trauma. Pero no me quejo, ¿eh? [ríe]. Soy del Madrid, pero no me quejo [finge llanto].
¿Se lleva el trabajo a casa?
Si es un dramón de tres horas, sí, porque hay un desgaste del copón; pero normalmente, no.
No lo es todo en su vida…
Espero que no sea el trabajo lo más importante nunca jamás. Sí es vital para tener tu autoestima en condiciones, si no, no puedes disfrutar de una birra. Pero no salgo de aquí y te estoy dando la chapa con la obra. Como espectador sí soy un pesado, muy friki. Soy un adicto a las series y a las películas.
Hay quien dice que para ver teatro no tenemos educación.
Yo no creo que exista esa obra que sea excepcional y que el público no la entienda. El público tiene razón casi siempre; si una obra es buena, le llega.
¿Podría elegir entre cine, teatro y televisión?
En España no podemos elegir. ¡Pueden elegir dos, y están casados! Pero lo que más me gustaría sería trabajar con estos [Timbre 4] en sus montajes y hacer una peli al año.
¿Qué película sería?
Déjame entrar, por poner una que me gusta mucho. Teniendo pasta para no llegar jodido a fin de mes, soy feliz; no necesito mucho más.
Actor- Libertad-Creación
Taller de teatro impartido por Lautaro Perotti.
Del 15 al 17 de junio 2011.
De miércoles a viernes de 11h. a 15h.Precio: 100 €
Reserva tu plaza escribiendo a info@teatropradillo.com
Muchas veces, aún en el momento profesional, el actor se encuentra en la situación de no poder escapar a moldes y formas en su trabajo. Autolimitando su libertad creativa, termina apostando a fórmulas conocidas, aferrándose a lo seguro y alejándose de lo nuevo, del vértigo de lo desconocido y del verdadero trabajo creativo del actor. Dándole una preponderancia mayor a trabajo intelectual, y abandonando el cuerpo como verdadero instrumento creativo.
El enemigo mayor para un actor es la actuación si esta se ubica por delante de la propia acción del personaje. La enorme y sutil diferencia entre actuar y accionar, entre estar y mostrar. Representar un pensamiento o una emoción o lograr un verdadero proceso de pensamiento que produzca una emoción genuina nacida en el aquí y ahora.
La idea entonces es apostar por un actor independiente con capacidad de propuestas, de poner en juego todo su creatividad y poseer herramientas para hacerlas efectivas, y también incorporar las propuestas de los compañeros y del director y transformarlas en motores propios que enriquezcan su trabajo.
El enemigo mayor para un actor es la actuación si esta se ubica por delante de la propia acción del personaje. La enorme y sutil diferencia entre actuar y accionar, entre estar y mostrar. Representar un pensamiento o una emoción o lograr un verdadero proceso de pensamiento que produzca una emoción genuina nacida en el aquí y ahora.
La idea entonces es apostar por un actor independiente con capacidad de propuestas, de poner en juego todo su creatividad y poseer herramientas para hacerlas efectivas, y también incorporar las propuestas de los compañeros y del director y transformarlas en motores propios que enriquezcan su trabajo.
Lautaro Perotti
Egreso de la Escuela Labarden, con especialización en actuación. se formó en la escuela de actuación de alejandra boero y en los talleres de entrenamiento actoral para profesionales de Juan Carlos Gene. Estudió además canto, acrobacia, zancos, mimo y artes plásticas. Sus últimos trabajos en teatro son: El viento en un violín (de Claudio Tolcachir), La omisión de la familia Coleman (de Claudio Tolcachir, premio Trinidad Guevara al mejor actor), Lisístrata (dirección Claudio Tolcachir),Jamón del diablo, Cabaret (dirección Claudio Tolcachir), La maraña (dirección Claudio Tolcachir), La Flor de Lirolay (dirección Lautaro Perotti), Feve (dirección Paula Ransberg), Orfeo y Eurídice (dirección Claudio Tolcachir), La comedia de las equivocaciones (dirección Sergio Amigo), Chau Misterix (dirección Claudio Tolcachir) y El organito (dirección María Bertuchelli).
Sus trabajos como director son: Porque todo sucedió en el baño (autor y director) y La flor del Lirolay (director).Egreso de la Escuela Labarden, con especialización en actuación. se formó en la escuela de actuación de alejandra boero y en los talleres de entrenamiento actoral para profesionales de Juan Carlos Gene. Estudió además canto, acrobacia, zancos, mimo y artes plásticas. Sus últimos trabajos en teatro son: El viento en un violín (de Claudio Tolcachir), La omisión de la familia Coleman (de Claudio Tolcachir, premio Trinidad Guevara al mejor actor), Lisístrata (dirección Claudio Tolcachir),Jamón del diablo, Cabaret (dirección Claudio Tolcachir), La maraña (dirección Claudio Tolcachir), La Flor de Lirolay (dirección Lautaro Perotti), Feve (dirección Paula Ransberg), Orfeo y Eurídice (dirección Claudio Tolcachir), La comedia de las equivocaciones (dirección Sergio Amigo), Chau Misterix (dirección Claudio Tolcachir) y El organito (dirección María Bertuchelli).
En cine trabajo en Por tu culpa (Anahi Berneri), El pasado (Héctor Babenco), Las manos (Alejandro Doria) y Fuga de cerebros (Fernando Mussa).
Su experiencia docente: se desempeña en el teatro Timbre 4,como coordinador de la escuela y dictando talleres de formación actoral. También a dictado talleres de actuación en la escuela de teatro Arte 4 (Madrid) y en el Teatro Español (Madrid).
El Festival de Otoño en Primavera pasa por el Teatro Pradillo
Con motivo de la XXVIII edición del Festival de Otoño en Primavera, el Teatro Pradillo de Madrid acoge dos obras, ambas en estreno absoluto.
Arranca el 11 de mayo la nueva edición del Festival de Otoño en Primavera, cuya programación consta de 32 espectáculos de teatro, danza, música, circo… Cuatro son estrenos absolutos y dos de ellos serán presentados en el Teatro Pradillo en los meses de mayo y junio.
Al menos dos caras es la nueva pieza de la compañía Projects in Movement, dirigida por el prometedor bailarín y coreógrafo israelí Sharon Fridman. “Los objetivos principales de nuestro trabajo, dice Fridman, son la investigación, el aprendizaje y el desarrollo del lenguaje físico y, mediante esta búsqueda, la creación de un espacio virtual donde el público puede ver, sentir e imaginar”. Al menos dos caras es una obra para dos bailarines (el propio Sharon Fridman y Arthur Bernard Basin, ganador de los galardones Málaga Crea e Injuve 2009) y un actor, que se buscó activamente a través de las redes sociales.
Projects in Movement es un grupo de danza contemporánea formado en el año 2007 y afincado en Madrid cuyos trabajos han traspasado nuestras fronteras y han podido verse en países como Italia o Reino Unido. En septiembre de 2010, la compañía fue invitada a disfrutar de una residencia artística en el Centro Coreográfico La Gomera, donde desarrolló el espectáculo que presentará en el Teatro Pradillo del 27 al 29 de mayo.
Esta obra se podrá ver durante el Festival de Otoño en Primavera del 1 al 3 de junio y se prolongará del 9 al 26 de junio, de jueves a domingo.
Premio del Jurado al Mejor Montaje Teatral: Muda, de Pablo Messiez, en el Teatro Pradillo de Madrid. "El sencillo y eficaz planteamiento del director argentino Pablo Messiez basa la potencialidad vívida (de palabras y de silencio, de realidad y de ficción) de un discurso extra-teatral gracias a una focalización actoral y textual (excelentes, en ambos casos) y hurga así en el daño compartido y en la única verdad que gobierna la condición de los personajes, acaso de todos nosotros: la de la soledad."
Finalistas: Coses que dèiem avui, de Neil LaBute, en la Sala Beckett de Barcelona; Del maravilloso mundo de los animales: el cordero, deDaniel Veronese en el Teatro Español de Madrid; La última cena, de Ignacio Amestoy, en el Teatro Guindalera de Madrid; y Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, en el Teatro Español de Madrid.
EL PAÍS REPORTAJE
SERGIO C. FANJUL - Madrid - 26/02/2011
Metatarso recrea el mundo sentimental de la legendaria pareja de forajidos
- Clyde, ¿nos van a matar, verdad?
- Sí, Bonnie.
Los legendarios Bonnie Parker y Clyde Barrow, o simplemente Bonnie & Clyde, célebres atracadores y asesinos durante los años treinta, fueron unos de los primeros criminales en instalarse en el imaginario colectivo como icono pop. Sus atracos y tiroteos, sus asesinatos, las persecuciones por carreteras secundarias del sur de EE UU fueron relatados minuciosamente por los periódicos de la época y seguidos con gran interés por la ciudadanía. Pero ¿cómo fue su vida íntima? Nadie lo sabe a ciencia cierta. La vida imaginaria de Bonnie & Clyde, de la compañía teatral Metatarso (se puede ver en el teatro Pradillo hoy y mañana, y la próxima semana de jueves a domingo), es una aproximación a la peripecia sentimental de la pareja de forajidos.
"Su historia siempre me ha fascinado", explica el director Darío Facal. "Hay mucha cultura popular alrededor de ellos y también mucha información, acceso a elementos documentales: fotografías, informes, recortes de prensa, archivos desclasificados... El hecho de que esa historia ofreciera diferentes frentes me pareció un buen punto de partida para hacer un documental-collage poético que resultase en un trabajo escénico". Facal y el poeta Peru Saizprez, coautor del texto, solicitaron al FBI los informes de la época, que sirven como espinazo de la obra.
Es en esos textos, leídos por Ledicia Sola (interpretando a Bonnie) y Juan Carlos Vellido (a Clyde), donde se narran las violentas aventuras de la pareja. Lo que se ve en escena es otra cosa: el amour fou, la obsesión con la muerte y su certeza, la desesperación y el miedo, el pueril orgullo al comprobar cómo su fama aumenta en los periódicos. Unos posibles, imaginados, Bonnie y Clyde de carne y hueso viviendo frenéticos en el atolladero.
Para ello Facal se sirve de varios elementos que confluyen en escena. El más presente es, quizás, la música (siempre importante en las producciones de Metatarso), esta vez en directo. El músico Javier de Prado va desgranando atmósferas fronterizas y blues herido a voz y guitarra, grabando loops en directo, interaccionando con los actores que incluso interpretan alguna canción desgarrada. Proyecciones, piezas de animación de la época, poemas visuales, una colorida máquina tragaperras y hasta un coche teledirigido se suceden en esta obra ágil que va da dando pequeñas sorpresas al espectador. Se recita también un poema de Bonnie Parker: "es otro de los elementos que me impulsó a emprender este proyecto. Bonnie dejó una serie de poemas extremadamente sugerentes, leídos con atención dicen mucho de cómo ellos se podían sentir", dice Facal. "La intención es explorar cómo el lenguaje teatral y la cultura de masas inevitablemente están condenados a manipular y traicionar la historia. Cualquier personaje por el hecho de ser un personaje es una construcción mental y probablemente cultural. No podemos evitar mirar a Bonnie y Clyde como un mito romántico, como ya hace la película de Arthur Penn. Pero en su momento Bonnie y Clyde no eran eso".
En efecto, la producción cultural inspirada en el mito de la pareja es extensa, multitud de películas entre las que destaca la citada Bonnie & Clyde (1967) de Arthur Penn, protagonizada por Warren Beatty y Faye Dunaway, y también multitud de canciones, como la homónima Bonnie & Clyde, a dúo entre Serge Gainsbourg y Jane Birkin, las más conocidas.
Como los que ahora nos aprietan, estos forajidos sufrieron tiempos de crisis en plena Gran Depresión. "Implícito en el trabajo está el hecho de cómo la situación económica y social generan márgenes morales en los cuales nos movemos", explica Facal.
Bonnie y Clyde fueron acribillados en una carretera de Luisiana, sorprendidos en una emboscada policial a bordo de su Ford V8. Era el año 1934 y los agentes vaciaron los cargadores de sus armas en una tormenta de plomo.
La vida imaginaria de Bonnie & Clyde. Teatro Pradillo. Hoy y mañana y de jueves a domingo.
Hoy domingo, a las 20:30h y del 3 al 6 de marzo a esa misma hora se representarán las últimas funciones de la obra de teatro que Darío Facal escribió para analizar cómo sería la vida íntima de estos célebres criminales que marcaron toda una época en los Estados Unidos durante los años 30.
A continuación, os dejamos la información que nos han enviado sobre este montaje teatral.
"La vida secreta de Bonnie & Clyde".con Ledicia Sola y Juan Carlos Vellido
Música: Javier De PradoDirección: Darío Facal
Producción: Metatarso Producciones
Solo nos queda la función de hoy a las 20.30h y la semana que viene del 3 al 6 de marzo (de jueves a domingo) a las 20.30h
A continuación, os dejamos la información que nos han enviado sobre este montaje teatral.
"La vida secreta de Bonnie & Clyde".con Ledicia Sola y Juan Carlos Vellido
Música: Javier De PradoDirección: Darío Facal
Producción: Metatarso Producciones
Solo nos queda la función de hoy a las 20.30h y la semana que viene del 3 al 6 de marzo (de jueves a domingo) a las 20.30h
El Cultural:
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El País:
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Crítica en La República Cultural:
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Entradas:
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Teatro Pradillo:
Calle Pradillo 12, Metro Concha Espina (linea 9)
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24 de noviembre de 2010 a las 20h30 en el Teatro Pradillo (c/Pradillo 12, Madrid)
La compañía polaca Akademia Ruchu abrirá el programa de la vigésimo primera edición de la Muestra con el estreno en España del espectáculo Chinese lesson, un trabajo integrado por una serie de piezas cortas, de una duración entre cinco y diez minutos, que son representadas por cinco miembros que forman parte del grupo, y que carece de estructura narrativa convencional. La obra que presenta esta compañía fundada en 1973 en Varsovia por artistas teatrales entre los que se encuentra Wojciech Krukowski, su director artístico que desempeña esa función desde su creación, ha desarrollado una especialidad escénica conocida como el ‘Teatro del comportamiento’ y la narración visual. La formación, además, se define como un grupo creativo que trabaja en las fronteras de los diferentes géneros teatrales y su actividad creativa se caracteriza por la transdisciplinariedad artística, ya que en los espectáculos que producen el teatro se combina con otras disciplinas como las artes visuales, las artes escénicas y el cine.
Las piezas cortas que integran Chinese lesson componen un espectáculo son el fruto de las tres décadas de actividad y de la experiencia que en ese período ha atesorado la compañía y que le han permitido construir su propio lenguaje de teatro visual. Se trata de una serie de “acciones desinhibidas” que protagonizan los cinco integrantes de Akademia Ruchu, que se mueven “entre unos momentos íntimos y otras partes que requieren unas capacidades excepcionales para la realización de un teatro físico” y que se han convertido en las principales señas de identidad de esta compañía de Varsovia.
Tanto en el caso de Chinese lesson como en el resto de sus creaciones, el movimiento, el espacio y el mensaje social son características comunes en todos ellos, lo que se deriva “de la convicción de que el radicalismo artístico y el mensaje social no son mutuamente excluyentes”, señalan. Akademia Ruchu se ha convertido en el principal ejemplo polaco de una compañía que funciona fuera del ámbito oficial de las artes, representando sus obras en espacios urbanos dispares como calles, residencias o zonas industriales, donde ha desarrollado una actividad regular con más de medio millar de representaciones, eventos y happenings callejeros. Esas actividades se completan con la producción regular de espectáculos destinados a ser representados en teatros y salas convencionales.
Hedda Gabler
Cía. Esteban Pico (Madrid) / Teatro
Del 16 al 26 de septiembre 2010
De jueves a domingo / 20h.30
Del 16 al 26 de septiembre 2010
De jueves a domingo / 20h.30
Hedda Gabler (El triunfo de la mediocridad)
Una de las obras más complejas de Ibsen, no solo por su perfecta estructura, sino por un texto depurado que define claramente a cada uno de los personajes en sus más mínimos detalles.
Hedda Gabler es un drama de individualidades, pero también un drama social. Hay un enfrentamiento claro entre dos mundos que conviven sin comprenderse.
Hedda Gabler es un drama de individualidades, pero también un drama social. Hay un enfrentamiento claro entre dos mundos que conviven sin comprenderse.
El triunfo de la mediocridad desde una perspectiva, aunque, desde otra, podría ser también el triunfo de quienes se entregan al trabajo. Como toda gran obra, nos expone una serie de hechos, de los cuales cada cual sacará sus propias conclusiones.
Vemos una clara reflexión poética sobre la necesidad del hombre de vivir en otra forma, la eterna pregunta: ¿En qué consiste la felicidad?
La distancia entre lo que se desea y lo posible es causa tanto de lo trágico como de lo cómico.
Hedda Gabler es un enigma y una clave en sí misma, una mujer atrapada entre dos realidades: su ideal, un mundo sublime lleno de belleza; y su realidad, una vida burguesa, superficial y mediocre.
Hedda Gabler es un enigma y una clave en sí misma, una mujer atrapada entre dos realidades: su ideal, un mundo sublime lleno de belleza; y su realidad, una vida burguesa, superficial y mediocre.
Actores: Marta P. Luis, Laura González, Julia G. Enríquez, Víctor Boira y Esteban Pico.
Foto: Julia Cristina Monge
Atrezzo: Candela Domínguez Dimeo
Diseño de iluminación: Toni Sánchez
Adaptación y dirección: Esteban Pico
Procedencia de la compañía: Madrid
Foto: Julia Cristina Monge
Atrezzo: Candela Domínguez Dimeo
Diseño de iluminación: Toni Sánchez
Adaptación y dirección: Esteban Pico
Procedencia de la compañía: Madrid
La ficción como terapia
ROSANA TORRES 12/09/2010
La semana por delante TEATRO
Discípulo aventajado de Ricardo Bartís, Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher, con quien además estudió dirección, Pablo Messiez es de esos creadores (actor, dramaturgo, autor y director) que llegan para tomar relevo o aumentar la nómina de un puñado de teatreros argentinos que están cautivando al público español, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir (no perderse su montaje sobre Todos eran mis hijos, de Arthur Miller en el Teatro Español).
Ellos mismos han dicho de Messiez: "Un encantador de espectadores que abre mundos, los arma oscuros pero a la vez luminosos; no copia, no sigue modas, produce con extraña sensibilidad y potencia lo que dicta su corazón", según Veronese, con quien ha trabajado varias veces. Su colega Tolcachir afirma: "Siempre es excitante acercarme a la mirada de Messiez porque es necesario que alguien nos ayude a cambiar el foco y ver lo que estaba frente a nuestros ojos pero transformado en algo profundamente humano y teatral". En cualquier caso estamos ante un más que atractivo fenómeno escénico.
Con Muda, que vuelve al Teatro Pradillo, donde fascinó a principios de año, nos cuenta la historia de Ana, quien sale de una situación de vértigo existencial a través de ficciones propias, ajenas, involuntarias y premeditadas. Un espectáculo con el que comprendemos hasta qué punto la ficción nos puede devolver la paz perdida, la salud deseada y en el que podemos ver el trabajo de tres grandes actores: Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado.
— Fragmento de la obra "Susana en el agua y con la boca abierta" Escrita y dirigida por Maria Fernanda Orazi y protagonizada por Mey-Ling Bisogno y Marianela Pensado.
http://teatropradillo.com/wp/?p=32
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