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Otros rostros, otros rastros

Notodo.com




Madrid en danza y el Certamen Coreográfico de Madrid han finalizado sendas últimas ediciones, pero la capital no deja de acoger desde sus espacios más zonalmente independientes grandes-pequeños espectáculos en donde la danza, el cuerpo, el movimiento y la coreografía versátil son la punta de lanza para espectáculos que no responden al cliché típico del género. Otros rostros, otros rastros, nuevo montaje de la Compañía Daniel Abreu que acogerá durante este finde semana el Teatro Pradillo, propone un espectáculo en el que el movimiento del cuerpo va dibujando y desdibujando el espacio global, paseando por paisajes neutros y universales a la vez y haciendo de la figura corporal un constante trazo en donde devenires y puntos y aparte dibujan los caminos.


Otros rostros, otros rastros
Teatro Pradillo. Madrid

Disciplina: Danza
Director: Daniel Abreu
Autor: Daniel Abreu
Reparto: Anuska Alonso y Álvaro Esteban
Dónde: Teatro Pradillo
Dirección: Pradillo, 12. Madrid
Hasta: 11.12
Horario: 20.30h.
Precio: Ant.: desde 12 €
Venta de entradas:www.entradas.com 
teatropradillo.com

Un brillante tándem




Hay que aprovechar el regreso (solo 1, 2 y 3 diciembre) a la cartelera del teatro Pradillo de Unos cuantos piquetitos, ya que es posible que estemos ante las últimas representaciones de esta obra capitaneada por dos de los elementos más interesantes del nuevo teatro español: la autora Laila Ripoll y el director y dramaturgo Emilio del Valle.

Pocos profesionales como ellos muestran tan sólido compromiso con los tiempos que les ha tocado vivir y con los problemas sociales con que sus contemporáneos se enfrentan diariamente, pero lo más interesante es que el producto siempre es absolutamente brillante. En esta ocasión el montaje analiza, pero no desde una historia concreta, la violencia que ejercen los hombres sobre las mujeres, e invita a una reflexión directa e inteligente sobre la cuestión a través de los intérpretes: Chema de Miguel Bilbao, Carolina Solas, María Pagola, Montse Muñoz y Manuel Rey.


La semana por delante teatro 
El País. ROSANA TORRES 27/11/2011 

Revista Fases



Fases (Revista)

Año de Inicio: 1990
Año de Fin: 1992
Directores:
Antonio Fernández Lera


Introducción:
Revista bimestral vinculada a la programación del Teatro Pradillo, que incluye textos críticos y de creación con una cuidada maquetación.

Contenido:

Número 0. Noviembre 1990. Editorial: Bienvenidos. 'La Balada del Dinosaurio. Los Malentendidos del Teatro Contemporáneo', Antonio Fernández Lera. 'Fenómenos Atmosféricos. Proyecto Escénico', Esteve Graset. 'Sobre los Criterios del Teatre Obert', Toni Cots. 'Notas sobre la Exhibición Alternativa', Alberto Martín Expósito. 'Otro Loro', Rodrigo García. 'La Estética es la Ética del Presente', Guillermo Heras. 'Por una Nueva Sensibilidad para la Escena Española', Manuel Llanes Barrios. 'Seznec y los Hombres de Piedra', Antonio Fernández Lera, Carlos Marquerie. Extrarradios / Arena/ Graset, A:F:L.

Número 1. Enero/Febrero 1991. Editorial: Pradillo 12. 'Teatro en los noventa, estructuras, modelos', por Ritsaert Ten Cate. 'La teoría cultural del tendero', Mik Flood. 'Sobre las hojas de los árboles el viento. Cuaderno de notas de "Los hombres de piedra"', Antonio Fernández Lera. 'Lo grande y lo pequeño', Carlos Marquerie. 'Territorio más allá de lo evidente', Gordana Vnuk. 'Podía ver', Mónica Valenciano. 'La mano de obra', Rafael Ponce. 'Gerardo Esteve y Rafael Ponce: 'La Conquista Despacio'.

Número 2. Marzo/Abril/Mayo 1991. Editorial: Proyectos y realidades. Matando Horas, La Carnicería Teatro. Historia de un árbol, La Tartana Teatro. 'Los títeres de la Tía Norica'. Zig Zag 'El poder del artesano', Peter Brook. Memoria 'Contra la simulación', declaraciones de Tadeusz Cantor. Foco 'Sigamos cantando', Simon Thorne. Margen 'Massalia: el azar necesario', Phillippe Foulquie.

Número 3. Mayo/Junio 1991. Editorial: La danza en Madrid. Puntos suspensivos..., Mónica Valenciano. 'Reflexiones', Mónica Valenciano. How are you Mrs. Brown?, Carole Bergeron. Coreografías, Irene Stamou y Florence Figols. Las ciudades invisibles, Elena Córdoba. Paisajes y voz (Historia de un árbol), La Tartana Teatro. Perspectiva 'Coproducción internacional: una historia personal', Bruno Verbergt. Diálogo 'Las voces de los cuerpos', una conversación entre Esteve Graset y Angels Margarit. 'Coreografía y espacio', Angels Margarit. Danza hoy 'De la razón práctica a la razón imaginaria', Guillermo Heras.

Número 4. Septiembre/Octubre 1991. Editorial: La creación de un entorno. La esclusa, Legaleón Teatro. "El texto no puede contarlo todo", Michel Azama. Pato pequinés, Josef Nadj. 'Jose Nadj y el pato de pequín', Gerard Mannoni. Eco y Narciso, Teatro Rosaura. 'Sombras de viento y agua', declaraciones de Ernesto Caballero. Yo, Pierre Rivière, Deliciosa Royala. 'El parricida de los ojos rojizos', Michel Focault. España en 1992 '¿El año de qué?', Antonio Fernández Lera. Euromaske 'El tren del teatro europeo', Dragan Klaic y Dusan Jovanovic. Contexto ' Los festivales como barómetro de la actitud del público', Janny Donker. Presencia 'Prefiero hablar de intuición', Pina Bausch.

Número 5. Noviembre/Diciembre 1991. Editorial: Tiempo y espacio para las artes. Muerte de Ayax, La Tartana Teatro. Lorca de atar: paisajes de amor con poeta, Cambaleo Teatro. 'Recordar hacia mañana', Carlos Sarrio. Im (Goldenen) Schnitt. En la sección (áurea), Gerhard Bohner. Muestra Alternativa Internacional de Teatro. La vida no es una ventana, Teatro del azar. El último gallo de Atlanta, Teatro para un instante. 'Carta desde Zagreb', Gordana Vnuk y Mirna Zagar. Paz 'Expropiados', Esteve Graset. Proyecto 'Titanic', Carlos Marquerie. Material 'Prometeo', Rodrigo García. Teatro y Universidad 'Un diálogo recuperable', Alberto Martín. 'Hacia dónde nos dirigimos', un texto de John Cage.

Número 6. Enero/Febrero 1992. Editorial: La caricatura de un debate. Yerma, Teatro del norte. Cuando el hielo arde, Bekereke. Trayectorias de la danza. 'Desde el teatro', Carlos Marquerie. Ir, 10x10. Puntos suspensivos, Mónica Valenciano. Del citoplasma y otros agentes reticulares e Historia de unos colgados, Provisional Danza. Locos Solos, Antonia Andreu. Unos estupendos años, Bocanada Danza. K-Lorro, Sota de bastos. Senza tempo, Inés Bozza y Carles Mallol. Ut fit, Puertas Abiertas. Desde la danza 'K-Lorro', Jordi Cardoner y Mónica Extremiana. Apuntes 'Fantasía para una narrativa', Olga Mesa. Investigación 'Contra el cierre del Teatre Obert'. Proyecto 'Esperando a Godot', Etelvino Vázquez.

Número 7. Abril/Mayo/Junio 1992. Editorial: 'Miedo', Carlos Marquerie. Primavera. Teatro, Danza y Música para espectadores vivos. Ser y estar 'La génesis magnética', Rafael Ponce. 'Lugares intermedios', Olga Mesa. Carnicería 'Juegos de Espejos', Rodrigo García. Proceso 'Notas dispersas para antes del Titanic', Antonio Fernández Lera. Exposición 'Un árbol con historia', A.F.L. Relación 'Beckett en escena' Jonathan Kalb. Palabra 'La mitificación de la realidad', Bruno Schulz. Cauce 'Por un espacio inspirador', Esteve Graset. 'etc 92' 'Un lugar de encuentro', A.F.L.

Ubicacion: Teatro Pradillo. Madrid

Tipo: revista
Archivos adjuntos: Fases Num.2.pdf | Fases Num.1.pdf | Fases Num.0.pdf | Fases Num.3.pdf |Fases Num.4.pdf | Fases Num.5.pdf | Fases Num.6.pdf | Fases Num.7.pdf |

El alma en un hilo (Sólo se muere una vez)




El alma en un hilo (Sólo se muere una vez)

Cía. Luca Nicolaj (Andalucía) / Teatro
Del 29 de septiembre al 9 de octubre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Estreno absoluto

Arrancamos la nueva temporada con dos estrenos teatrales de autores emergentes: “El corazón es extraño” y “Sólo se muere una vez”

Desde el 8 de septiembre contaremos con el último estreno de la autora Denise Despeyroux, habitual colaboradora del dramaturgo José Sanchis Sinistierra, que muestra su obra “El corazón es extraño”. 


Tras este montaje, Luca Nicolaj nos presentará su pieza “Sólo se muere una vez” un divertida reflexión sobre el más allá que cuenta entre otros con el actor andaluz Manolo Caro.



Madrid (31/08/2011) – Con “El corazón es extraño” Denise Despeyroux. expone la idea de que es posible desnucleizar un núcleo, clonar a una mujer con lágrimas de amor de otra mujer, seducir a un crítico hablando de Walter Benjamin o apelar a las más modernas teorías de neuromarketing para encriptar un mensaje de amor infalible en una carta de amor cualquiera. Esta obra es un disparate tragicómico que muestra la crueldad en toda su crudeza, pero se empeña en defender que la verdad y el desengaño nunca serán lo mismo.

Denise Despeyrox, nacida en Uruguay y residente en España, es autora y directora de teatro, además de licenciada en Filosofía. Se ha formado en dramaturgia, interpretación y dirección con autores de la talla de Javier Daulte, José Sanchis Sinisterra y Rafael Spregelburd.

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La Compañía Caro Nicolaj nace en 2008. Su primera producción, continuando el viaje teatral empezado en 1991 es el monólogo Tan pancho y con brío (2008), que cuenta con la ayuda de la Junta de Andalucía y del INAEM. Más p’allá que p’áca es el segundo montaje de la Compañía y sigue la misma forma de trabajo basada en un mano a mano creativo entre el director y los actores, que contribuyen de forma directa a la escritura del espectáculo. El montaje explora el tema de la muerte, de las creencias y miedos que están asociados a ella.

Luca Nicolaj llega al teatro después de una formación de danza contemporánea en Italia, Alemania y Francia. Tras su primer montaje, basado en textos de Tennessee Williams, en Suiza, va definiendo su lenguaje teatral, en el que prima una visión poética. Sus piezas, de las cuales es también autor, se desarrollan a partir de un proceso de investigación que implica de manera muy personal a los actores en cuanto creadores. Trabaja a partir de elementos cotidianos, con los que va construyendo un entramado a la vez onírico y surrealista.

Manolo Caro participa en cuatro montajes con el C.A.T. dirigidos por C. Gandolfo, P. A. Ossorio, M. Narros y Suárez Marzal. Interpreta textos clásicos, como Edipo Rey y El avaro, por J. Lavelli, y contemporáneos, como El séptimo cielo, de C. Churchill y Tres disparos, dos leones, de Sara Molina. Con Luca Nicolaj trabaja en los montajes Antes que el tiempo acabe, Se comió la manzana y arrojó el corazón al suelo, Eso que llaman amar y el monólogo Tan pancho y con brío. Interviene en series como Policías, Los Serrano, Padre Coraje, Sin tetas no hay paraíso, miniseries como Paquirri, Fago y en largometrajes comoCamarón, El Bola, el James Bond Die another day… Premio al Mejor Actor en el Festival de Cine de Mula y en el Festival de Teatro de Chiclana. 

QUÉ
El corazón es extraño o la atribulada muerte de los vivos” y “ Sólo se vive una vez”.

QUIÉN
Denise Despeyroux (Madrid) y Luca Nicolaj (Andalucía).


CUÁNDO
Del 8 al 25 de septiembre 2011
De jueves a domingo / 20h.30
+
Del 29 de septiembre al 9 de octubre 2011
De jueves a domingo / 20h.30

DÓNDE
Teatro Pradillo
C/ Pradillo 12 Madrid
Tlf: 91 416 90 11 
Entrada: 12 €

CÓMO LLEGAR
Metro: L9 Concha Espina Salida Plaza Cataluña

Entre Mares, de Stefano Domit



Flamenco de costa a costa, Entre mares. Stefano Domit hace un repaso de su breve historia en la danza.
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es

Todo tiene un por qué en la danza, y es que, de otra manera, no tiene más sentido que la exhibición. Y Stefano Domit elige en este trabajo su necesidad de hacer un repaso de su corta vida, a través del flamenco y de la línea que le conduce desde su Brasil originario a nuestra España, donde ahora reside y desarrolla la danza.

A través de siete piezas, una de las cuales queda a discreción de María Juncal, que hará un solo propio a mitad del repertorio, Stefano comparte espacio de danza con su madre, Gisele Domit, y con su novia Lisiane Sfair, para contarnos acerca de su llegada al mundo del flamenco, de la forma en que va ocupando ese espacio de danza en el que ya se encontraba su madre, en el que encuentra a su novia, y que él va llenando para recibir finalmente una especie de testigo en forma de mantilla, que no se apropia, sino que quiere compartir con esas dos mujeres que parecen señalar su vida hoy por hoy.

Acostumbrado a un formato flamenco en este ciclo veraniego de la sala Pradillo, en el que suele haber algo más de fusión, o algo más de actualización y soltura, entrar en un flamenco más clásico, más escolástico si se quiere, me resulta un tanto chocante, pero está bien que veamos cuestiones que se mantienen en formas más estrictas, a la vez que se nos brinda la ocasión de ver esa percepción de nuestra danza más troncal, desde países de otras costas lejanas.

El trío formado por Stefano, Gisele y Lisiane me gusta especialmente cuando trabaja junto, mientras que la pieza de sola de María Juncal me deja un tanto frío en el contexto del espectáculo, porque corta la dinámica que vienen marcando y, siendo un trabajo apreciable, no acaba de encajarme del todo en el centro de este Entre mares.

La música me parece de una ejecución fantástica y, tanto es su peso en el espectáculo, que en diversos momentos parece apreciarse una dirección de la guitarra de Fernando de la Rua sobre el baile, más que seguir a l@s bailaor@s, pero es que el responsable musical tiene un gran peso, y es inevitable que destaque.

Sinopsis

De muchas maneras el flamenco se expande, es asimilado y vivido por otras naciones y culturas, creciendo y enriqueciéndose cada día. En los más distintos lugares, las personas viven este arte y hacen de él su camino, su filosofía de vida. Aún estando lejos de sus raíces, el flamenco sigue puro, verdadero y fuerte. Y así, en Entre mares, el bailaor brasileño Stefano Domit nos muestra el flamenco que su madre y maestra un día le enseño, y que ha encontrado una forma de expresarse a través de su alma.

En las cuerdas del guitarrista y compositor brasileño Fernando de La Rua, con su nueva obra tituladaNunaces, este espectáculo propone musicalmente un viaje entre dos mundos, unidos por lenguaje flamenco de este joven bailaor.

Como artista invitada, una de las grandes figuras del flamenco actual, María Juncal, personificando la tierra de origen de este arte, y aportando así a esta obra, la fuerza y la belleza de su baile.

Entre mares “es un viaje personal y único por las emociones que el flamenco ha despertado en mi, y por los sueños que me han hecho trazar este camino entre mares…”

Dirección artística

Stefano Domit bailaor brasileño, convive con el flamenco desde pequeño, acompañando a su madre, Gisele Domit, entre ensayos, clases y espectáculos.

Inició en 2003 sus estudios de baile flamenco el la escuela de su madre y maestra ’Tablado Andaluz Caxias do Sul’, en Caxias do Sul, Brasil. Del 2004 hasta 2009, participó de los espectáculos de esta escuela como coreógrafo, bailaor, cantaor y percusionista, compaginándolo, a su vez, como profesor.

Participó como invitado de grandes eventos flamencos en Brasil, como el Festival Internacional de Flamenco, en São José dos Campos (2005, 2006, 2007 y 2008) y el Festival de Flamenco de Vitoria, ES.

Estuvo en España en 2007 y 2008, estudiando con maestros como David Paniagua, Miguel Cañas, Andrés Marín, Maria Juncal, Carmen "La Talegona" y Juana Amaya, entre otros.

En 2009 fija residencia en Madrid, e ingresa en el Conservatorio Profesional de Danza Comandante Fortea, donde empieza a estudiar la carrera de danza española y participar como invitado del taller coreográfico flamenco de ente centro de enseñanzas, ocupando el cargo de solista a partir de 2010.

Stefano ha compartido escenario con figuras importantes del baile flamenco internacional.

La música

Fernando de la Rua, guitarrista brasileño, empieza sus estudios musicales en São Paulo, en la ’Escola Municipal de Música’ (Vila Mariana) y en la ’Sociedade Hispana-brasileira’ de esta misma capital, donde empezó a trabajar con artistas españoles radicados en Brasil, y a tomar clases con guitarristas flamencos que venían desde España. Entre los artistas que han aportado gran influencia a su formación se encuentran Lorenzo Virseda y Paco Cruz, y la bailaora y coreógrafa ’La China’.

Aún en Brasil, ha impartido cursos de guitarra flamenca en centros de enseñanzas de gran importancia cultural como la ’Faculdade de Música de Salvador Bahía’, ’Universidade Federal do Rio de Janeiro’, ’Universidade Livre de Música Tom Jobim’ y la ’Escola de Música de Brasília, DF’.

En España, en el año 2000, empieza a trabajar en los Tablaos Flamencos ’Las Carboneras’ y ’Casa Patas’, colaborando con artistas como: Pol Vaquero, Manuel Liñan, Marco Flores, Alfonso Losa, David Paniagua, Montse Cortés, ’El Falo’, Ángel Gabarre, Hiniesta Cortés, Juan Ogalla, Manuel Reyes, Ana Romero, La ’Tacha’, Olga Pericet, Domingo Ortega, Inmaculada Ortega, Juan Soto, Amir Haddad, Paco Cruz, Diego el ’Negro’, Saúl Quirós, La ’Truco’, Talegón de Córdoba, Juan Andrés Maya, Manuel de la Malena, María Carmona, entre otros.

Fernando ha colaborado como guitarrista y compositor de muchas obras con artistas como Rafaela Carrasco (IX Festival de Jerez y Flamenco Festival USA, del 2004 al 2008), Manuel Reyes, Pedro Sanz (2004 y 2005), Manuel Liñan, Marco Flores (Espectáculo ’Dos en Compañía’, del 2001 al 2006), Domingo Ortega (Espectáculo ’Un Poquito de Ortega’), Inmaculada Ortega ( ’Pa Flamenca Yo’ con la participación de Domingo Ortega y la actriz Marta Fernández Muro) entre muchos otros, actuando en más de 20 países del mundo.

Fernando ha sido galardonado con los importantes premio en Madrid: el primero, en la edición del año 2004 de Certamen de Coreografía de Danza Española y Flamenco, donde comparte con José Luis Montón el premio de mejor música original para danza, y el segundo, en el año de 2011, el Premio de ’Autor Revelación’ por la Academia de la Música en Madrid, XV edición, como compositor en el CD ’SUPERCOP’ de la cantante la Shina.

Ha creado un grupo instrumental de música brasileña (choro y samba) llamado ’Choro Ibérico’ donde interpreta temas propios y de grandes compositores brasileños.

A lo largo de su trayectoria, Fernando compuso muchas obras en las que une el lenguaje flamenco con el brasileño y en el año de 2010 empieza la grabación de ’Nuances’ (grabado en Madrid, São Paulo e Itapeva, Brasil) donde nos muestra algunas de estas obras tan particulares.

Dirección general y coreografía: Stefano Domit
Composición musical: Fernando de la Rua
Danza: Stefano Domit, Gisele Domit, Lisiane Sfair, María Juncal (bailaora invitada)
Guitarra: Fernando de la Rua
Cante: Jacob Quirós
Percusión: Iván Mellén
Palmas: Vanessa Leonardi
Asistente de escena: Yara Castro
Iluminación: Tito Osuna
Sonorización: Sergio Sarmiento

Programa:
O començo de tudo
Lembranças (Fandangos)
Mi juventud (Bulerías)
España (Soleá)
Amistad
Aún no tengo nombre (Tanguillos)
Mis alegrías (Alegrías)

Fecha: el Sábado 13 de agosto de 2011
Horario: a las 21:00h
Lugar: Teatro Pradillo - c/ Pradillo, 12 -Concha Espina- (Madrid)
Para más información:
Teatro Pradillo







El Circo Interior Humano, nueva oportunidad entre conflictos


Versión para adultos de una obra de Onírica Mecánica
Martes 19 de julio de 2011
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es

Al parecer, Jesús Nieto suele dividirse entre lo terrible de algunas miserias humanas, y la comicidad de las situaciones que se crean entorno a las mismas (miserias y personas), pero en realidad siempre deja una oportunidad final para la ternura a sus personajes y al público que los contempla. Permite conocer con los distintos ojos de un prisma, aquello que visto de lejos es sólo una historia.

Estamos ante la versión para adultos de su espectáculo-circo, que en Teatralia 2010 se presentaba como un trabajo para niñ@s bajo el título del Circo Submarino, y que ahora renombrado como Circo Interior Humano (C.I.H.), vuelve a los escenarios.

En realidad, ya comentaba en su momento a la hora de hacer mi artículo sobre el trabajo de Onírica Mecánica, lo que presenciamos en su momento podía acercarse a l@s chaval@s, pero lo cierto es que el texto y el mensaje subliminal iba completamente dirigido a personas adultas: “La idea de Jesús Nieto va más allá de crear un espectáculo para niñ@s, como es evidente entre el público adulto que asiste a la obra, porque más que contar con guiños a las personas mayores en un trabajo para peques, se trata de lo contrario, y es un trabajo en el que l@s niñ@s pueden divertirse y captar muchos de los conceptos que se tratan (dependiendo de la edad), en tanto que a padres y madres les hará pensar en la profundidad de los planteamientos que van implícitos en el texto y en las metáforas que constituyen los personajes creados por el autor del trabajo junto a Sergio García”.

No es una repetición del mismo espectáculo, pero la adaptación no debe haber supuesto un gran riesgo, ya que basta con cambiar levemente la orientación, para que el trabajo capture plenamente a quienes no son tan niñ@s. Y es que a veces nos empeñamos en poner límites estrictos a cosas que no los tienen, y acabamos creando monstruos de varias cabezas, por eso, si no lo han visto, recomiendo que vayan a echar una mirada a nuestra sociedad, a través de este circo que han creado bajo un prisma de compleja y divertida resolución.

Cada número o cada personaje circense constituye un relato de la vida, una forma de mirar nuestra propia existencia. Tenemos por ejemplo a Nada, la mujer invisible, que a fuerza de no ver a nadie más por pensarse mejor que todo el mundo acabó por desaparecer y quedar atrapada en una piedra, o al hombre más rápido del mundo, que termina por agotarse, mientras su jefe en la oficina bancaria tratará por todos los medios que vuelva a rendir…

Tenemos a los Trapecistas de Palabras, mágico juego con los conceptos, la situación y los textos repetidos y, cómo no, al Hombre de Hielo, que si consigue salir de su insensibilidad con el número de escapismo que se presenta, será señal de que existe una nueva oportunidad para el ser humano en el planeta.

Ando estos días siguiendo el grave incidente nuclear de Japón, donde si no se controla lo que está ocurriendo en sus reactores nucleares, lo de menos será la radiación, porque un solo núcleo de la central puede atravesar la tierra hasta las antípodas, partiendo el planeta en dos… Y me encuentro con una pieza tan dulce, entrañable y, a la vez, tan acusadora como esta, en la que las acusaciones las llevará a cabo quien contemple la catástrofe de nuestras vidas.

Una escenografía que combina la mecánica con la iluminación y el sonido, la construcción a partir de chatarra y ferralla, con monigotes y humanoides que cobran vida una vez ensambladas las piezas fabricadas con las manos y las que se fabrican con las palabras. Si pusiera notas a los trabajos teatrales, a este casi le otorgaría un diez, por la originalidad, por la profundidad y por la sencillez que mana de la complejidad de su construcción y de su contenido.

Creo que el trabajo de Onírica Mecánica ha ido mucho más allá de la mera muestra que se puede pensar al haber pasado por Teatralia 2011, y que hay mucho que aprender. Primero es preciso que domestiquemos a los Hombres Pulga, que son muy brutos porque no saben lo que hacen aunque sea con buena intención. Pero, sobre todo, es necesario que el hombre de hielo consiga escapar de su frígido bloque, y que consiga hacerlo a tiempo, porque si no…

“Cuando el ser humano tuvo miedo de las sombras y la oscuridad, lo llenó todo de luces… cuando tuvo miedo de los que tenía alrededor, inventó los muros”.

Sinopsis

El único Circo del mundo, donde el animal es el Ser Humano.

Señoras y señores, bienvenidos al gran Circo Interior Humano. Un circo con: Malabaristas de palabras, Ladrones de Aire, Hombres payaso, magos capaces de hacer desaparecer bosques, fieras humanas…, Un catálogo de seres extraños: El hombre que todo lo sabe, la mujer de Hielo…

Seres que algún día poblaron la Tierra.

Circo Interior Humano, es un sorprendente circo de objetos, autómatas, mecanismos de hilos y muñecos. Un circo inestable de objetos para: Un presentador sin agallas, un manipulador humano, un frío bloque de hielo y un montón de muñecos soñadores…

Onírica Mecánica, es una compañía creada por Jesús Nieto centrada en el teatro visual y de objetos. Ha desarrollado experiencias y espectáculos que se muestran regularmente en Festivales de España y Francia.

- Premio a la propuesta más innovadora. Fira de Lleida 2009. El Hombre que nunca se moja.
- Mención especial del jurado. FETEN 09. El intrépido viaje de un hombre y un pez.
- Mejor escenografía Fira de Titelles de Lleida 2010. El intrépido Viaje de un Hombre y un Pez.
- Mención especial jurado internacional. Fira de titelles de Lleida 2010.

Circo Interior Humano, es un sorprendente circo de objetos, autómatas, mecanismos de hilos y muñecos. Un circo inestable de objetos para: un presentador sin agallas, un manipulador humano, un frío bloque de hielo y un montón de muñecos soñadores…

Para más información: Teatro Pradillo

La belleza del teatro visual

La semana por delante TEATRO
ROSANA TORRES 10/07/2011 El País

Un bello nombre para un sugerente y atractivo festival. El Teatro Pradillo, uno de los más prestigiosos de la ciudad acoge hasta el 30 de julio la sexta edición del Festival Pendientes de un hilo, donde los objetos cobran vida a través de varios espectáculos que este año se ha querido que giraran en torno a los circos y ferias de objetos. Una muestra que va más allá de los festivales de títeres. Aquí se da cabida al teatro de objetos, al teatro visual siempre rico y variado, además de repleto de obras de calidad, nacionales o internacionales.

Esta semana tenemos, a medio camino entre el circo y los objetos teatrales, Debout de bois (Madera en pie) de la compañía francesa La main d'oeuvres que se centra en el movimiento, la acrobacia y la manipulación de un tronco de árbol que a veces es compañero, otras un aparejo de circo o también un instrumento musical.

Lo mejor es estar atentos a la programación de próximas semanas con malabaristas de palabras, ladrones de aire, hombres payaso, magos, fieras humanas... y además talleres y sombreros comestibles.

De manera permanente y hasta el final de la muestra la compañía Ferroluar instalará en el teatro su obra Hormigas, que conforman unos extraños seres que nos miran e intimidan.

Más información en la web www.teatropradillo.com

Silencio, se juega



No se dejen engañar por su título, solemne y poco adecuado para un espectáculo que es puro juego. Patrick Murys, su artífice, tiene la imaginación intacta de un niño libre de vigilancia paterna. Solo en escena, crea un universo entero con unos pocos objetos de madera de aspecto añejo y se desdobla en un ramillete de personajes inquietantes que viven historias mudas cuyo significado queda abierto a la libre interpretación del respetable.

Si les gustan que les den las cosas masticadas, aquí lo llevaran crudo. ¿Quién es esa quimérica criatura errante de tres metros de altura, condenada a encontrar maletas añejas allá por donde camina y a acarrearlas sin pausa? Lo ignoramos, pero nos trae el eco de mil viajes, de cien mudanzas y de aquellos polacos exiliados que antes de la caída del muro de Berlín abarrotaban los pasillos del expreso Paris-Moscú con centenares de bultos enormes inverosímilmente embalados que enviaban a su parentela.

Paisajes en tránsito es teatro de objetos enriquecido por el excelente trabajo interpretativo de Murys, actor de larga trayectoria, que ha preparado un arsenal de sorpresas bien dosificadas. Una desgastada maleta de cuero a la que le coloca un cencerro se pone a saltar entre sus manos como una res brava: cuando le cuelga esquilas a las otras, consigue crear la ilusión de que juntas forman un animado rebaño pastando sobre la paja que antes sacó de su interior para esparcirla en el imaginario redil delimitado por una vía férrea circular de juguete.

Aún con alguna caída de ritmo, el trabajo de manipulación del actor francoperuano producido por la compañía portuguesa Circolando es magnífico. Su polisémico relato, inspirado en textos de Jorge Semprún y Primo Levi, se despega de su origen con chispazos humorísticos y escenas amables, sin apagar por ello un ruido de fondo inquietante. Es un buen comienzo para Pendientes de un Hilo, festival de teatro visual, títeres y objetos.


JAVIER VALLEJO 08/07/2011 El País
CRÍTICA: TEATRO PAISAJES EN TRÁNSITO
Autor e intérprete: Patrick Murys. Producción: Circolando. Teatro Pradillo. Del 6 al 9 de julio.

"Algo de ruido hace", continúa en cartel.



Algo de ruido hace

Cía. Lautaro Perotti (España / Argentina) / Teatro
Continúa en cartel hasta el 26 de junio 2011
De jueves a domingo 20h.30

Argentinos, ¡qué bárbaros!

METRÓPOLI | En el Festival de Otoño en Primavera
José Luis Romo | Madrid
23/05/2011
Lautaro Perotti: 'En Buenos Aires hay mucho más teatro'


Lautaro Perotti

Impresionó a la crítica con su imprevisible Marito de 'La omisión de la familia Coleman' y ahora es uno de los grandes protagonistas del 'Festival de Otoño en Primavera': actúa en 'El viento en un violín', la esperada tercera obra de Claudio Tolcachir, y además, muestra su faceta como director en 'Algo de ruido hace'. Lautaro Perotti lo tiene todo para convertirse en el chico del momento de nuestra escena.

Lo suyo es un no parar...

Sí, por fortuna los productores son los mismos en las dos obras y me lo han puesto muy fácil. Con 'Timbre 4' (la compañía de Tolcachir) somos como una familia y todo ha ido rodado, y en 'Algo de ruido hace' también hemos hecho mucha piña, como dicen acá.

¿Por qué decidió dirigir?

Yo me siento actor, pero era una aspiración que siempre tuve. Apareció esta obra que me encantó y todo se precipitó vertiginosamente. La hemos montado en poco más de un mes.

Su pieza, al igual que en 'Los Coleman', hurga en el microcosmos de la familia...

Sí, habla de dos hermanos cuya vida se queda parada con la muerte de su madre hasta que llega una prima, muy vitalista, y pone su vida patas arriba. Habla de cómo ella modifica su vida y ellos la de ella. Me enganchó porque es una obra que hace pensar y también muy entretenida.

Dirige a actores argentinos y españoles, como Eloy Azorín. ¿Hay diferencias?

Por mi experiencia en esta obra, no noto ninguna. Me encontré con gente con mucho talento, que además son buenas personas.

La sombra de Tolcachir se va a cernir sobre esta pieza...

Lo sé, es algo a lo que no puedo escapar, porque llevamos trabajando juntos toda la vida. No pretendo distanciarme de él ni acercarme, ni nada. No sólo con Claudio, sino con toda la compañía, mantengo una idea muy fluida sobre el trabajo.

Como conocedor de las carteleras de Madrid y Buenos Aires, ¿se pueden comparar?

Bueno, la verdad es que allí hay mucho más teatro. Ésa sería la principal diferencia. Aquí hay cosas muy buenas, regulares y muchas aburridas. Allí también, pero en más cantidad. Aquí me ha encantado 'Veraneantes' y también vi 'Delicadas'.'Algo de ruido hace' | Varios escenarios | Dirección: Lautaro Perotti | Intérpretes: Eloy Azorín, Santi Marín y Fernanda Orazi | En cartel del 21 de mayo al 3 de junio

Bag Lady estreno infantil este fin de semana en el Teatro Pradillo


Bag Lady
Cía. Descarnada Señorita (Castilla-León / EEUU) / Títeres
21 y 22 de mayo 2011
Sábado / 17h. y domingo / 12h.30
INFANTIL: Niñas y niños a partir de 5 años
Estreno absoluto


Espectáculo premiado por la Jim Henson Foundation.

“Descarnada Señorita presenta “Bag Lady”, esa dama que da aliento a alegres y tristes, blancas y petulantes bolsas de plástico… nacen de la oscuridad, se transforman con su cuerpo en pequeños y medianos personajes, y sin palabras, con el silencio y la música nos van contando pedazos de su vida que iluminan poco a poco el oscuro escenario.”

Pendientes de un Hilo 2011. VIº Festival del teatro visual, de objetos y títeres para adultos




Los objetos cobran vida en el Festival Pendientes de un hilo 2011

El festival Pendientes de un hilo vuelve por sexta vez al Teatro Pradillo de Madrid, del 27 de junio al 30 de julio. Se presentarán varios espectáculos de teatro de objetos, una instalación y tres talleres a lo largo de esta edición, dedicada este año a los circos y ferias de objetos.

Pendientes de un hilo, nacido en el Teatro Pradillo en 2006, pretende dar cabida al teatro de objetos y teatro visual. Este año, el festival, el único especializado en estas prácticas escénicas en Madrid, se traslada al mes de julio y se incluye dentro de la programación del Teatro Pradillo para los veranos de la Villa. Un año más, la programación consta de un conjunto rico y variado de obras de calidad, nacionales o internacionales.
  • La compañía Ferroluar instalará en el Teatro del 6 al 30 de julio su obra Hormigas. “Unos extraños seres han tomado la ciudad. Hormigas gigantes que nos miran he intimidan. Seres mecánicos que interactúan con el público y los viandantes. Nadie está a salvo ante ésta nueva revolución” asegura la compañía.
  • Paisajes en tránsito, de la compañía portuguesa Circolando, es un solo, cuyo tema principal es el exilio: en el hall de una estación de trenes imaginaria hay un hombre cargado de maletas. Viajante sin destino con una historia guardada en el equipaje. El tren no llega. Desesperado, el hombre abre una maleta detrás de otra, revelando pedazos de su vida. Del fondo de ellas salen badajos, un uniforme de combate, paja, tierra, paisajes de la memoria… Se podrá ver esta obra, por primera vez en la Comunidad de Madrid, del miércoles 6 al sábado 9 de julio.
  • A medio camino entre el circo y los objetos teatrales, Debout de bois (Madera en pie) de la compañía francesa La main d’oeuvre se centra en el movimiento, la acrobacia y la manipulación de un tronco de árbol que a veces es compañero, otras un aparejo de circo o también un instrumento musical. Del miércoles 13 al sábado 16 de julio.
  • Malabaristas de palabras, ladrones de Aire, hombres payaso, magos capaces de hacer desaparecer bosques, fieras humanas poblarán el C. I. H. (Circo Interior Humano) del miércoles 20 al sábado 23 de julio. Protagonizarán el mayor espectáculo de fracasos del mundo submarino, creado por la compañía Onírica Mecánica. Un hombre entra gateando, llevando consigo una maleta en la espalda. De aquí saca 55 minutos de espectáculo con pocos elementos. Una cuerda para “malabarear”, que se comporta como una víbora. Un pececito casi vivo. Ratoneras para un número de faquirismo extraño.
  • En Cuerdo, el danés Karl Stets reúne elementos de circo, de danza, de manipulación de objetos y de marionetas. Esta obra clausurará el festival, del miércoles 27 al sábado 30 de julio.
Previamente, tendrá lugar Rompiendo los hilos, un programa que incluye tres talleres que proponen nuevas formas de entender el teatro de objetos. Los talleres serán impartidos los días 27, 28 y 29 de junio. De 10h a 14h se desarrollará un taller de creatividad para padres, hijos y educadores, a cargo de Carmen La Griega.Alicia Ríos y Ali&Cia. Food Artists propondrán un taller de sombreros comestibles para niños a partir de 5 años, de 16h a 18h. En cuanto al taller de manipulación de muñecos de Bunraku, será impartido por Alejandra Prieto, de 19h a 20h y e irá dirigido a los educadores, actores y manipuladores.

Además, el jueves 30 de junio y el viernes 1 de julio se podrá ver La gran madre negra de Carmen la Griega y Dance Extreme de Belén Sánchez, además de Bernarda’s Backstage (Títeres) de Alejandra Prieto los sábado 2 y domingo 3 de julio.

Programa Pendientes de un Hilo 2011:

Paisajes en Tránsito
Cía. Circolando (Portugal) / Títeres
Del 6 al 9 de julio 2011 / De miércoles a sábado / 20h.30
Estreno en la Comunidad de Madrid
Premio al mejor espectáculo Fira de Titelles de Lleida 2011.

Debout de bois (Madera en pie)
Cía. La Main D´oeuvres (Francia) / Circo de objetos.
Del 13 al 16 de julio 2011 / De miércoles a sábado / 20h.30
Estreno en España.

C. I. H. (Circo Interior Humano)
Cía. Onírica Mecánica (Murcia) / Circo de Objetos.
Del 20 al 23 de julio 2011 / De miércoles a sábado / 20h.30
Estreno Comunidad de Madrid
Premio del jurado Internacional y mención especial del jurado en la Fira de Titelles de Lleida 2011.

Cuerdo
Cía. Sr. Stets (Dinamarca) / Títeres
Del 27 al 30 de julio 2011 / De miércoles a sábado / 20h.30
Estreno en la Comunidad de Madrid

Hormigas
Cía. Ferroluar (Cataluña) / Instalación permante
Del 6 al 30 de julio 2011
De miércoles a sábado / 20h.30
Estreno absoluto

Rompiendo los hilos
Nuevas formas de entender el teatro de objetos


Extreme dance
Cía. Belén Sánchez (Madrid) / Instalación
+
La gran madre negra
Cía. La Griega (Madrid) / Performance
30 de junio y 1 de julio 2011
Jueves y viernes / 20h.30

Bernarda´s Backstage
Cía. Alejandra Prieto (Asturias) / Títeres
2 de julio y 3 de julio 2011 / Sábado y domingo / 20h.30

Talleres:

La Danza de los objetos
Taller de creatividad para padres, hijos y educadores por La Griega (Madrid)
De lunes 27 a miércoles 29 de junio 2011 / De 10h. a 14h.
Precio: 60 €

Taller de Sombreros Comestibles
Taller de creativad con alimentos para nños y padres a partir de 5 años
Por Alicia Ríos y Ali&Cia. Food Artists (Madrid)
De martes 28 a jueves 30 junio 2011 / De 16h. a 18h.
Precio: 60 €



Eloy Azorín: "A mí me gustaría oír más veces a un actor


El actor Eloy Azorín. (Jorge París)


Prepara el estreno teatral de Algo de ruido hace, dirigida por Lautaro Perotti.
Será en el madrileño Teatro Pradillo, en el Festival de Otoño en Primavera.

20 minutos. R. G. OTERO. 09.05.2011

Está "de luto" por la eliminación del Real Madrid de la Liga de Campeones, pero se muestra encantado por su papel en Algo de ruido hace. En el madrileño Teatro Pradillo prepara el estreno absoluto de esta coproducción con la compañía argentina Timbre 4 en el Festival de Otoño en Primavera.

¿Cómo es trabajar con Timbre 4?
Yo me perdí el último curso de la RESAD porque empecé a trabajar y porque era un vago. Me pilló muy joven, con 18 años, y de lo que me estimulaba a medias, pasaba. Ahora, de algún modo, estoy haciendo un curso de interpretación.

¿Es cierto que los argentinos llevan la interpretación en su ADN?
No lo sé. Sí sé que hacen mucha piña. A mí me gustaría oír más veces a un actor hablando bien de otro actor. Ellos van en bloque, no hay esa sensación de competencia. Los del Barça son como los argentinos: muy buenos actores y hacen piña, ¡es genial!

¿Cuánto le importa el teatro?
Disfruto porque todo lo que hago tiene que ver conmigo. Como lo del Madrid-Barça: es el partido, no lo que lo rodea. En la tele te cortan una trama, te cogen un plano... Aquí no estás por la pasta ni por el forro, sino porque quieres. Ensayas un domingo y el 1 de mayo.

Teniendo pasta para no llegar jodido a fin de mes, soy feliz; no necesito mucho más

En cine ganaría más dinero.
Sí, y a lo mejor estaría protestando por tonterías: "Esta agua no está fría, me la cambian"..., ese tipo de cosas con las que te vuelves un poco loco. Aquí te lo tienes que hacer todo tú.

Empezó a trabajar muy joven, ¿también se cansará antes?
No, porque en esta profesión te tiras mucho tiempo sin currar. Conozco a pocos actores que se hayan cansado, solo algunos que son un poco tontos. Si eres Tito Valverde y llevas 10 años enEl comisario o eres Imanol... ¡Ni ellos se cansan! Te cansas de no trabajar.

Tiene su gracia...
Cuando no tienes curro te hace valorarlo mucho. Encima, a veces hacemos un trabajo que no es el que más nos molaría. Y a veces estás jodido porque no te han cogido para algo que no te habría gustado hacer, que ya es el máximo trauma. Pero no me quejo, ¿eh? [ríe]. Soy del Madrid, pero no me quejo [finge llanto].

¿Se lleva el trabajo a casa?
Si es un dramón de tres horas, sí, porque hay un desgaste del copón; pero normalmente, no.

No lo es todo en su vida…
Espero que no sea el trabajo lo más importante nunca jamás. Sí es vital para tener tu autoestima en condiciones, si no, no puedes disfrutar de una birra. Pero no salgo de aquí y te estoy dando la chapa con la obra. Como espectador sí soy un pesado, muy friki. Soy un adicto a las series y a las películas.

Hay quien dice que para ver teatro no tenemos educación.
Yo no creo que exista esa obra que sea excepcional y que el público no la entienda. El público tiene razón casi siempre; si una obra es buena, le llega.

¿Podría elegir entre cine, teatro y televisión?
En España no podemos elegir. ¡Pueden elegir dos, y están casados! Pero lo que más me gustaría sería trabajar con estos [Timbre 4] en sus montajes y hacer una peli al año.

¿Qué película sería?
Déjame entrar, por poner una que me gusta mucho. Teniendo pasta para no llegar jodido a fin de mes, soy feliz; no necesito mucho más.

Paisajes de Marisa Amor


Éste sábado, estreno para bebés en la Pradillo.

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Paisajes
Cía. Marisa Amor (Madrid) / Danza
7 y 8 de mayo 2011
Sábado / 17h. y domingo / 12h.30
14 y 15 de mayo 2011
Sábado y domingo / 12h.30
Teatro para bebés (desde 18 meses)





Y alguien le contestó: – uhmm… paisajes no cuenta una historia, aunque cada pequeño paisaje parece contarnos algo. Quizá…uhmm…descubrir en un viaje a poca velocidad y detenerse a mirar, a escuchar, a tocar y sentir…a experimentar. Paisajes es… un círculo, un árbol y una ciudad…uhmm…, un cascabel, una casita, un cerdo y una caquita de oveja, una bici, algo negro, tres amigos, algo blanco, del derecho y del revés, mirar al sol y llover…uhmm…creo que eran más cosas…



Paisajes, es una pieza de danza imagen y sonido.

Paloma Díaz trabaja como intérprete para diferentes compañías además de tener la suya propia y colaborar en otros proyectos en la ayudantía de dirección y de movimiento. Nilo Gallego es músico y performer. Trabaja con distintas compañías y en diferentes colectivos, con experiencia en la docencia en torno al arte sonoro. Carlos Fernández es dramaturgo, director de escena y profesor de teatro, con experiencia en materia técnica. Y, por último, Marisa Amor trabaja como intérprete para diferentes compañías. Co-creadora y ayudante de dirección en varios proyectos, y tiene amplia experiencia como docente, y en particular en el mundo infantil.

Creación del sonido e intervenciones musicales: Nilo Gallego.
Sonido e intervenciones musicales en directo: Nilo Gallego u Óscar Villegas.
creación coreográfica y bailarinas: Paloma Díaz y Marisa Amor.
Dirección, idea y creación de imágenes: Marisa Amor.
Iluminación: Elena Fernández.
Producción: Marisa Amor. LaTía Mardalina en Galicia, La Suite en Andalucía con el Circuito Abecedaria
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La Más Bella Revista



Durante los días de 14 al 15 de mayo de 2011 el Teatro Pradillo se convertirá en el soporte y contenedor de La Más Bella REVISTA.

Con el precio de la entrada cada asistente recibirá un ejemplar físico de La Más Bella REVISTA (tres entregas + extras), junto a un fabuloso pack donde guardar todos los contenidos y poder así tener completa la edición La Más Bella REVISTA.

Los asistentes podrán vivir en directo las diferentes secciones y contenidos de la edición con la presencia de algunos de sus autores e inspiradores, un inédito experimento editorial en vivo que se desarrollará tanto en el espacio escénico como en varios lugares aledaños al Teatro Pradillo.

El colectivo de arte madrileño La Más Bella se adueñará del Teatro Pradillo del 14 al 15 de mayo para ofrecer al público REVISTA. Un espectáculo editorial de La Más Bella, un proyecto de reflexión, acción y experimentación en el mundo de la edición de arte contemporáneo, que impulsa y realiza proyectos artísticos específicamente pensados para ser editados por canales y métodos alternativos al mundo editorial convencional, y que se lanzan por primera vez a las tablas de un teatro.

Esta obra multidisciplinar propone una reflexión sobre la creación escénica, lo objetual, el arte contemporáneo de creación in situ.



REVISTA es muchas cosas. Entre ellas, hacer una revista. Eso es a lo que La Más Bella se dedica desde el año 1993. A hacer una revista de arte contemporáneo, con sus colaboraciones, su portada y su precio de venta al público, pero también con muchas preguntas: ¿qué es una revista, cómo debe ser, tienen que ser todas iguales o pueden ser todas distintas? Además, La Más Bella ha venido haciéndose preguntas que son un poco menos usuales en este gremio, por ejemplo: ¿Cuánto ocupa una revista? Y ¿cuánto dura? ¿Se puede entrar dentro de una revista, pasear por ella, verla, leerla y escucharla a la vez?

Duración: 90 m. (variable)
Precio + publicación: 15 € – sin descuento
Más información: lamasbella.org




REVISTA es muchas cosas. Entre ellas, hacer una revista. Eso es a lo que La Más Bella se dedica desde el año 1993. A hacer una revista de arte contemporáneo, con sus colaboraciones, su portada y su precio de venta al público, pero también con muchas preguntas: ¿qué es una revista, cómo debe ser, tienen que ser todas iguales o pueden ser todas distintas? Además, La Más Bella ha venido haciéndose preguntas que son un poco menos usuales en este gremio, por ejemplo: ¿Cuánto ocupa una revista? Y ¿cuánto dura? ¿Se puede entrar dentro de una revista, pasear por ella, verla, leerla y escucharla a la vez?Después de las dos primeras entregas de REVISTA.



Un espectáculo editorial de La Más Bella en ARCOmadrid_2011 y en EDITA 2011 en Punta Umbría (Huelva), se desvelará la tercera en el Teatro Pradillo en mayo. En este proyecto, el colectivo va a desplegar la edición de una revista dentro del teatro, tanto en el escenario como en la entrada, los pasillos, el patio de butacas, el bar o los camerinos. Algunos espacios cercanos al teatro acogerán también páginas de la edición: máquinas expendedoras distribuirán poemas en los bares del barrio, por ejemplo. Son las páginas de una revista lo que los asistentes van a disfrutar. Algunas serán más o menos escénicas, pero otras serán simplemente visuales, olfativas, performáticas, y tal vez otras sean simple papel impreso que, conveniente colocado y ordenado, componen una revista que sólo puede ser saboreada en ese espacio y en ese momento.

Una revista de variedades, pero de variedades editoriales.



Muchas de las páginas que se estén desplegando en vivo en el Teatro Pradillo estarán protagonizadas por colaboradores que in situ actuarán o completarán con su presencia la colaboración editorial. Artistas y colectivos como Left Hand Rotation, MMMM…, Daniel Charquero, María Salgado entre otros participan en la edición La Más Bella REVISTA, y alguno de ellos está elaborando una colaboración que tendrá una extensión escénica en el Teatro Pradillo.

Formalmente La Más Bella es una revista ensamblada, un compendio de colaboraciones de formatos y naturaleza variada. Al final de la función, el espectador se llevará a casa, bajo el brazo, su ejemplar de la Revista La Más Bella REVISTA, ensamblada por una cadena de montaje abierta a los colaboradores, amigos, conocidos, transeúntes…

Nacida en 1993 y formada por Pepe Murciego y Diego Ortiz, La Más Bella ha publicado cerca de 30 ediciones, contando con cerca de 600 colaboradores del ámbito artístico y cultural español. Además de los contenidos, La Más Bella ha querido ser siempre un producto experimental en su formato y apariencia externa, acercándose a la idea de revista ensamblada o libro objeto que han cultivado muchos artistas y colectivos a lo largo del siglo XX. La Más Bella es un proyecto de reflexión, acción y experimentación en el mundo de la edición de arte contemporáneo, que impulsa y realiza proyectos artísticos específicamente pensados para ser editados por canales y métodos alternativos al mundo editorial convencional.

QUÉ
REVISTA. Un espectáculo editorial de La Más Bella.

QUIÉN
La Más Bella (Pepe Murciego y Diego Ortíz)

CUÁNDO
14 y 15 de mayo de 2011 - Fiestas de San Isidro

DÓNDE
Teatro Pradillo
C/ Pradillo 12 Madrid
Tlf: 91 416 90 11 www.teatropradillo.com

CÓMO LLEGAR
Metro: L9 Concha Espina Salida Plaza Cataluña

INFORMACIÓN ADICIONAL
Disponibles imágenes en alta resolución.

Madrid, 29 de abril 2011

Información adicional: David Rodríguez y Florence Calvez
info@teatropradillo.com
Tf: 91 416 90 11


Duración: 90 m. (variable)
Precio + publicación: 15 € – sin descuento
Más información: lamasbella.org



Últimas semanas de la temporada de danza contemporánea en el Teatro Pradillo

Nota de prensa
Madrid, 14 de abril 2011


  Últimas semanas de la temporada de danza contemporánea en el Teatro Pradillo.

Para el final de su temporada de danza contemporánea, el Teatro Pradillo de Madrid propone dos programas dobles, caracterizados por su interdisciplinaridad, y un taller para intérpretes.

Madrid (14/04/2011)- Después de un mes durante el cual los espectadores han disfrutado de tres piezas, que formulaban una reflexión sobre la libertad de movimientos, y del Festival Gracias X Favor, la temporada de danza contemporánea del Teatro Pradillo empieza su recta final. 



La última quincena de la temporada estará marcada por la vuelta al Teatro Pradillo de Pablo Esbert, que estrenó en la sala su pieza “Play” en 2006. Volverá a bailar este dúo junto con Janet Novás que vimos recientemente en “Cara pintada”, que formaba parte de la temporada de danza del Teatro Pradillo. “Play” es el resultado de una investigación basada en las similitudes y diferencias entre el soporte audiovisual (video) y el dispositivo escénico (teatro). Además, Pablo Esbert interpretará “Edit”, proyecto inacabado en dos partes, una performance y una instalación. En cada representación cinco video-cámaras graban las acciones. Al final de la performance los espectadores/visitantes pueden bajar a escena y observar una versión reconstruida de las acciones que han tenido lugar esa misma noche.
En este camino de ida y vuelta el video tiene una función inversa a la habitual: en vez de fragmentar la realidad continua de la cual es una copia, aquí se utiliza para reconstruir una realidad discontinua, fragmentada de antemano de forma artificial. 



Guillermo Weickert también presentará un programa doble, compuesto por dos solos: “Material Inflamable” (estreno) y “Descenso, Capricho”. En “Material Inflamable” Guillermo Weickert se plantea interpretar una variación de movimiento que resuma y recoja de un manera lo más fiel posible su vocabulario personal. “Descenso, Capricho” trata de un miedo universal: el miedo a la muerte. Modelando fuerzas contradictorias, entre la ansiedad y el humor, vemos una mano que acaricia asustada la pared de un pasillo como asiendo lo real frente a la sensación de ahogo que nos produce el miedo a la oscuridad. 

Asimismo, Guillermo Weickert impartirá un training físico para intérpretes. mOvers es una forma de definir a aquellos intérpretes de artes escénicas que emplean de manera activa, consciente, personal y comprometida los recursos expresivos de su cuerpo como herramienta de trabajo. Se aplica no exclusiva ni necesariamente a los bailarines ya que implica un trabajo de investigación y desarrollo de una fisicalidad y un movimiento propio y no siempre académico o técnico en el sentido más tradicional de la palabra.




QUÉ
Final de la temporada de danza

QUIÉN
- “Edit” + “Play”, Pablo Esbert
www.pabloesbertlilienfeld.com
- “Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”, Guillermo Weickert
- “mOvers”, Training físico para intérpretes, Guillermo Weickert
www.guillermoweickert.com

CUÁNDO
- “Edit”+“Play” del 28 de abril al 1 de mayo a las 20.30,
- “Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”, del 5 al 8 de mayo a las 20h.30
- “mOvers” del 3 al 6 de mayo, de 10h a 14h


DÓNDE
Teatro Pradillo
C/ Pradillo 12 Madrid
Tlf: 91 416 90 11 www.teatropradillo.com
Entrada: 12 €
CÓMO LLEGAR: Metro: L9 Concha Espina Salida Plaza Cataluña

Información adicional:
David Rodríguez
Florence Calvez
info@teatropradillo.com

Tf: 91 416 90 11
 Disponibles imágenes en alta resolución y entrevistas.

Artez: La Más Bella propone al público entrar en el interior de una revista editorial



El colectivo de arte madrileño La Más Bella se adueñará del Teatro Pradillo del 13 al 15 de mayo para ofrecer al público 'REVISTA. Un espectáculo editorial de La Más Bella', una propuesta multidisciplinar en la que Pepe Murciego y Diego Ortiz proponen una reflexión sobre la creación escénica, lo objetual, el arte contemporáneo de creación in situ. REVISTA es muchas cosas. Entre ellas, hacer una revista. Eso es a lo que La Más Bella se dedica desde el año 1993. A hacer una revista de arte contemporáneo, con sus colaboraciones, su portada y su precio de venta al público, pero también con muchas preguntas: ¿qué es una revista, cómo debe ser, tienen que ser todas iguales o pueden ser todas distintas? Además, La Más Bella ha venido haciéndose preguntas que son un poco menos usuales en este gremio, por ejemplo: ¿Cuánto ocupa una revista? Y ¿cuánto dura? ¿Se puede entrar dentro de una revista, pasear por ella, verla, leerla y escucharla a la vez? Después de las dos primeras entregas de REVISTA. Un espectáculo editorial de La Más Bella en ARCOmadrid_2011 y en EDITA 2011 en Punta Umbría (Huelva), se desvelará la tercera en el Teatro Pradillo en mayo. En este proyecto, el colectivo va a desplegar la edición de una revista dentro del teatro, tanto en el escenario como en la entrada, los pasillos, el patio de butacas, el bar o los camerinos. Algunos espacios cercanos al teatro acogerán también páginas de la edición: máquinas expendedoras distribuirán poemas en los bares del barrio, por ejemplo.

Son las páginas de una revista lo que los asistentes van a disfrutar. Algunas serán más o menos escénicas, pero otras serán simplemente visuales, olfativas, performáticas, y tal vez otras sean simple papel impreso que, conveniente colocado y ordenado, componen una revista que sólo puede ser saboreada en ese espacio y en ese momento. Una revista de variedades, pero de variedades editoriales.

Muchas de las páginas que se estén desplegando en vivo en el Teatro Pradillo estarán protagonizadas por colaboradores que in situ actuarán o completarán con su presencia la colaboración editorial. Artistas y colectivos como Left Hand Rotation, MMMM..., Daniel Charquero, María Salgado entre otros participan en la edición La Más Bella REVISTA, y alguno de ellos está elaborando una colaboración que tendrá una extensión escénica en el Teatro Pradillo.

Formalmente La Más Bella es una revista ensamblada, un compendio de colaboraciones de formatos y naturaleza variada. Al final de la función, el espectador se llevará a casa, bajo el brazo, su ejemplar de la Revista La Más Bella REVISTA, ensamblada por una cadena de montaje abierta a los colaboradores, amigos, conocidos, transeúntes...

Nacida en 1993 y formada por Pepe Murciego y Diego Ortiz, La Más Bella ha publicado cerca de 30 ediciones, contando con cerca de 600 colaboradores del ámbito artístico y cultural español. Además de los contenidos, La Más Bella ha querido ser siempre un producto experimental en su formato y apariencia externa, acercándose a la idea de revista ensamblada o libro objeto que han cultivado muchos artistas y colectivos a lo largo del siglo XX.

La Más Bella es un proyecto de reflexión, acción y experimentación en el mundo de la edición de arte contemporáneo, que impulsa y realiza proyectos artísticos específicamente pensados para ser editados por canales y métodos alternativos al mundo editorial convencional.

Taller de teatro: Actor- Libertad-Creación por Lautaro Perotti



Actor- Libertad-Creación

Taller de teatro impartido por Lautaro Perotti.
Del 15 al 17 de junio 2011.
De miércoles a viernes de 11h. a 15h.Precio: 100 €
Reserva tu plaza escribiendo a info@teatropradillo.com

Muchas veces, aún en el momento profesional, el actor se encuentra en la situación de no poder escapar a moldes y formas en su trabajo. Autolimitando su libertad creativa, termina apostando a fórmulas conocidas, aferrándose a lo seguro y alejándose de lo nuevo, del vértigo de lo desconocido y del verdadero trabajo creativo del actor. Dándole una preponderancia mayor a trabajo intelectual, y abandonando el cuerpo como verdadero instrumento creativo.

El enemigo mayor para un actor es la actuación si esta se ubica por delante de la propia acción del personaje. La enorme y sutil diferencia entre actuar y accionar, entre estar y mostrar. Representar un pensamiento o una emoción o lograr un verdadero proceso de pensamiento que produzca una emoción genuina nacida en el aquí y ahora.

La idea entonces es apostar por un actor independiente con capacidad de propuestas, de poner en juego todo su creatividad y poseer herramientas para hacerlas efectivas, y también incorporar las propuestas de los compañeros y del director y transformarlas en motores propios que enriquezcan su trabajo.
Lautaro Perotti
Egreso de la Escuela Labarden, con especialización en actuación. se formó en la escuela de actuación de alejandra boero y en los talleres de entrenamiento actoral para profesionales de Juan Carlos Gene. Estudió además canto, acrobacia, zancos, mimo y artes plásticas. Sus últimos trabajos en teatro son: El viento en un violín (de Claudio Tolcachir), La omisión de la familia Coleman (de Claudio Tolcachir, premio Trinidad Guevara al mejor actor), Lisístrata (dirección Claudio Tolcachir),Jamón del diablo, Cabaret (dirección Claudio Tolcachir), La maraña (dirección Claudio Tolcachir), La Flor de Lirolay (dirección Lautaro Perotti), Feve (dirección Paula Ransberg), Orfeo y Eurídice (dirección Claudio Tolcachir), La comedia de las equivocaciones (dirección Sergio Amigo), Chau Misterix (dirección Claudio Tolcachir) y El organito (dirección María Bertuchelli).
Sus trabajos como director son: Porque todo sucedió en el baño (autor y director) y La flor del Lirolay (director).
En cine trabajo en Por tu culpa (Anahi Berneri), El pasado (Héctor Babenco), Las manos (Alejandro Doria) y Fuga de cerebros (Fernando Mussa).

Su experiencia docente: se desempeña en el teatro Timbre 4,como coordinador de la escuela y dictando talleres de formación actoral. También a dictado talleres de actuación en la escuela de teatro Arte 4 (Madrid) y en el Teatro Español (Madrid).

Germen y futuro de un bailarín

Manuel Rodríguez, bailarín

EL PAÍS MADRID CRÍTICA: DANZA LIMITS
ROGER SALAS - Madrid - 08/04/2011

Reconforta encontrar el talento de un bailarín-coreógrafo, algo que escasea en su manifestación más vertical. Aparecen voces asociadas al teatro del gesto o a otras corrientes, pero la primera impresión que se tiene con este debutante de lujo es que se trata de un artista de danza contemporánea al que le interesa la danza misma, la génesis del movimiento, la enjundia que alberga una arriesgada proposición que pasa de lo decente a lo enervante.

Manuel Rodríguez es original en lo que hace y parte de una formación bastante limitada. Eso se ve, pero no es pretencioso en lo absoluto, como si conociera su cuerpo muy bien y la asunción de ese diapasón le liberara de demostraciones a ultranza. Lo interesante es, entre otras cosas, cómo supera sus carencias a base de trabajo disciplinar, de soluciones escénicas.

Con un físico particular, casi gótico, longuísimo en la línea (brazos como aspas, interminables, con piernas a juego), se crece por su voluntad modular, con lo que simula la estructura del espectáculo, a todas luces revisable (y debe hacerlo) si se somete a un análisis del movimiento más a fondo donde además del espejo interviene el cálculo.

El universo monologar hace de péndulo desde la dispersión a la concentración, con una presentación en riguroso altorrelieve de contraste en la que se ve ayudado académicamente por las luces cenitales y rasantes, procesando unas formas que tienen, en su dinámica, algo de escultórico.

Ese discurso poco distanciado de sí mismo es otro factor bisoño, parte del proceso en marcha, otra de sus fases alentadoras. Limits se abre con una diagonal muy forzada en su equilibrio inestable (piénsese en el uso que da William Forsythe a este término como figuración) dibujando una mímica hosca y agonista que va revelando al espectador el discurso, las líneas casi siempre rectas y truncadas por mor de un efecto de distorsión voluntarioso no exento de ironía y donde no hay ni una mínima gota de humor; se llega a respirar trabajosamente un tono dramático.

Ese discurso obtura en posicionamientos que sirven de tránsito, y de allí esa fluidez extenuante del material que no acaba y es reiniciado en canon aleatorio, lo que no es una contradicción, sino el feliz boceto de un estilo, los roces de una estética, y por eso podemos hablar de descubrimiento, bien entendido que esa explotación de sus proporciones físicas, como acto de taller, ha sufrido un pulimento adecuado hacia la obra consumada de baile.

El trabajo de suelo de Rodríguez evoca sin estridencia su pasado break, lo matiza tanto que muy intencionadamente se vuelve formalista, circula por el fraseado con gravedad y llega a sus brazos, sinuosos fugazmente, expresivos, para volver a entrar en el discurso facetado, de aristas. El suelo se percibe como un enemigo del que se quiere separar.

El bailarín aparece impecablemente vestido por David Delfín. Hay un uso del color intencionado, brutal, como foco dinamizador al que se regresa tras un intento de liberación ambiciosa en el espacio. El bailarín reta ilusoriamente la planimetría disponible sin descomponerse, estilizando su obseso continuo como un ritual que aún en su frialdad geométrica rezuma cierto hedonismo. No se da tregua, pero se contempla. El tiempo se va volando y eso es muy buen signo también hasta que se llega al decisivo bloque final donde reafirma lo mucho que le queda por decir.