EL PAÍS REPORTAJE
SERGIO C. FANJUL - Madrid - 26/02/2011
Metatarso recrea el mundo sentimental de la legendaria pareja de forajidos
- Clyde, ¿nos van a matar, verdad?
- Sí, Bonnie.
Los legendarios Bonnie Parker y Clyde Barrow, o simplemente Bonnie & Clyde, célebres atracadores y asesinos durante los años treinta, fueron unos de los primeros criminales en instalarse en el imaginario colectivo como icono pop. Sus atracos y tiroteos, sus asesinatos, las persecuciones por carreteras secundarias del sur de EE UU fueron relatados minuciosamente por los periódicos de la época y seguidos con gran interés por la ciudadanía. Pero ¿cómo fue su vida íntima? Nadie lo sabe a ciencia cierta. La vida imaginaria de Bonnie & Clyde, de la compañía teatral Metatarso (se puede ver en el teatro Pradillo hoy y mañana, y la próxima semana de jueves a domingo), es una aproximación a la peripecia sentimental de la pareja de forajidos.
"Su historia siempre me ha fascinado", explica el director Darío Facal. "Hay mucha cultura popular alrededor de ellos y también mucha información, acceso a elementos documentales: fotografías, informes, recortes de prensa, archivos desclasificados... El hecho de que esa historia ofreciera diferentes frentes me pareció un buen punto de partida para hacer un documental-collage poético que resultase en un trabajo escénico". Facal y el poeta Peru Saizprez, coautor del texto, solicitaron al FBI los informes de la época, que sirven como espinazo de la obra.
Es en esos textos, leídos por Ledicia Sola (interpretando a Bonnie) y Juan Carlos Vellido (a Clyde), donde se narran las violentas aventuras de la pareja. Lo que se ve en escena es otra cosa: el amour fou, la obsesión con la muerte y su certeza, la desesperación y el miedo, el pueril orgullo al comprobar cómo su fama aumenta en los periódicos. Unos posibles, imaginados, Bonnie y Clyde de carne y hueso viviendo frenéticos en el atolladero.
Para ello Facal se sirve de varios elementos que confluyen en escena. El más presente es, quizás, la música (siempre importante en las producciones de Metatarso), esta vez en directo. El músico Javier de Prado va desgranando atmósferas fronterizas y blues herido a voz y guitarra, grabando loops en directo, interaccionando con los actores que incluso interpretan alguna canción desgarrada. Proyecciones, piezas de animación de la época, poemas visuales, una colorida máquina tragaperras y hasta un coche teledirigido se suceden en esta obra ágil que va da dando pequeñas sorpresas al espectador. Se recita también un poema de Bonnie Parker: "es otro de los elementos que me impulsó a emprender este proyecto. Bonnie dejó una serie de poemas extremadamente sugerentes, leídos con atención dicen mucho de cómo ellos se podían sentir", dice Facal. "La intención es explorar cómo el lenguaje teatral y la cultura de masas inevitablemente están condenados a manipular y traicionar la historia. Cualquier personaje por el hecho de ser un personaje es una construcción mental y probablemente cultural. No podemos evitar mirar a Bonnie y Clyde como un mito romántico, como ya hace la película de Arthur Penn. Pero en su momento Bonnie y Clyde no eran eso".
En efecto, la producción cultural inspirada en el mito de la pareja es extensa, multitud de películas entre las que destaca la citada Bonnie & Clyde (1967) de Arthur Penn, protagonizada por Warren Beatty y Faye Dunaway, y también multitud de canciones, como la homónima Bonnie & Clyde, a dúo entre Serge Gainsbourg y Jane Birkin, las más conocidas.
Como los que ahora nos aprietan, estos forajidos sufrieron tiempos de crisis en plena Gran Depresión. "Implícito en el trabajo está el hecho de cómo la situación económica y social generan márgenes morales en los cuales nos movemos", explica Facal.
Bonnie y Clyde fueron acribillados en una carretera de Luisiana, sorprendidos en una emboscada policial a bordo de su Ford V8. Era el año 1934 y los agentes vaciaron los cargadores de sus armas en una tormenta de plomo.
La vida imaginaria de Bonnie & Clyde. Teatro Pradillo. Hoy y mañana y de jueves a domingo.
Hoy domingo, a las 20:30h y del 3 al 6 de marzo a esa misma hora se representarán las últimas funciones de la obra de teatro que Darío Facal escribió para analizar cómo sería la vida íntima de estos célebres criminales que marcaron toda una época en los Estados Unidos durante los años 30.
A continuación, os dejamos la información que nos han enviado sobre este montaje teatral.
"La vida secreta de Bonnie & Clyde".con Ledicia Sola y Juan Carlos Vellido
Música: Javier De PradoDirección: Darío Facal
Producción: Metatarso Producciones
Solo nos queda la función de hoy a las 20.30h y la semana que viene del 3 al 6 de marzo (de jueves a domingo) a las 20.30h
A continuación, os dejamos la información que nos han enviado sobre este montaje teatral.
"La vida secreta de Bonnie & Clyde".con Ledicia Sola y Juan Carlos Vellido
Música: Javier De PradoDirección: Darío Facal
Producción: Metatarso Producciones
Solo nos queda la función de hoy a las 20.30h y la semana que viene del 3 al 6 de marzo (de jueves a domingo) a las 20.30h
El Cultural:
http://www.elcultural.es/
El País:
http://www.elpais.com/
Crítica en La República Cultural:
http://www.
Entradas:
http://www.entradas.es/
Teatro Pradillo:
Calle Pradillo 12, Metro Concha Espina (linea 9)
http://teatropradillo.com/wp/?
Nueva programación de danza para los meses de marzo a mayo 2011:
play-inmobil
Cía. Somosquien (Madrid) / Danza
Del 24 al 27 de marzo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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Cara pintada, el salto de la Rana y otras pequeñas historias
Cía. Janet Novás (Galicia) / Danza
Del 31 de marzo al 3 de abril 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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Limits
Manuel Rodríguez (Andalucía) / Danza
Del 7 al 10 de abril 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Estreno absoluto
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Gracias X Favor / Abril 2011
Procedencia coreógrafos: Canarias/Madrid/Andalucía/Valencia/Aragón/Baleares
Primer Programa:
Miércoles 13 y jueves 14 de abril 2011 / 20h.30
- Carmen Fumero, solo 10 m.: “Pretérito perfecto simple”
- David León, solo 20 m.: “El Amado”
- Joaquín Abella, cuarteto, aprox. 20 m.: “Calvas”
Segundo Programa:
Sábado 16 y domingo 17 de abril 2010 / 20h.30
- La Coja Dansa, trío aprox. 30 m.: “Trío/Ninguno”
- Maryluz Arcas, solo aprox. 30 m.: “Sed erosiona”
- Alba Lorca y María Mas, dúo, aprox. 10 m.: “Las alas son para volar”
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“Edit” + “Play”
Programa doble
Cía. Pablo Esbert Lilienfeld (Berlín) / Danza
28 de abril a 1 de mayo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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“Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”
Programa doble
Cía. Guillermo Weickert (Andalucía) / Danza
Del 5 al 8 de mayo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Además:
Taller Danza y movimiento como herramientas del intérprete
Un taller que continúa la línea de investigación que Guillermo Weickert ha desarrollado sobre los recursos físicos del intérprete como herramienta para profundizar en el trabajo creativo y expresivo.
Martes 3 a viernes 6 de mayo, de 10h a 14h.
Número mínimo de alumnos: 10
Número máximo de alumnos: 20
CRÍTICA: DANZA MANGA
ROGER SALAS - El País. Madrid - 15/01/2011
La coreógrafa y bailarina venezolana afincada en Madrid Mey-Ling Bisogno desborda imaginación y hace un usufructo notable de unos recursos modestos, tanto en elementos ambientales como en los propiamente dancísticos que le ofrecen sus compañeras de escena: Diana Bonilla y Cristina Pérez Sosa.
La inspiración en las viñetas japonesas es llevada en literalidad. Los efectos luminotécnicos, rapidez de acción, secuenciado vertiginoso y sensación de urgencia sobre la historia corta, están presentes. Todo empieza con un viaje. Las tres artistas se hacen acompañar de tres maletitas con ruedas (los habituales trolleys, sin los que es difícil imaginar el viaje contemporáneo). Un signo de admiración se dibuja con luz en el suelo y en el fondo, y ese elemento tan presente en los recursos iconográficos del cómic, ya sea japonés o de otro sitio, viene a significar aquí algo más que asombro, quizá habla de un patrón de comportamiento rozando esquemas burlescos y con ingredientes de humor, hasta derrotar hacia una densidad menos evidente, más oscura.
Mey-Ling tiene sentido de la distribución espacial, maneja los ritmos teatrales para no aburrir al público en ningún momento; densifica una acción mayormente gráfica y fragmentada hasta hacer la lectura cognoscible. Las imágenes se suceden. Puede intuirse un orden en la acción o aventura, pero eso no está en el cardinal de la coreógrafa, que se interesa más por los cuadros mismos en su especificidad, su apertura y cierre como células o módulos de un todo. Algunas de esas imágenes son poderosas, como la doble camisa de fuerza-crisálida, que ofrece momentos conseguidos de la línea en blanco y negro, pues a continuación, llega (y triunfa) el color ácido con su masa casi sacado de pantone profesional en pelucas, calzado y otros accesorios, a la vez relacionados con la estética de los barrios más modernos de Tokio como Shinjuku o Shibuyu.
La luz de espectáculo Manga, que abusa de los efectos estroboscópicos (por cierto, está comprobado: son dañinos al ojo humano), en el resto cumple eficazmente. Con respecto al baile, conviene detenerse y analizar dos aspectos. De un lado, el abundante material sugerido por Mey-Ling y las formaciones que comporta no son ofrecidos rigurosamente, se recurre a una ejecución relajada y debería dominar un reglado estricto que ofreciera contraste con lo visual. La música potente se inserta sobre la historieta y dimensiona escenas como la del chicle asesino, que recibe su merecido y se pega a un zapato anónimo crecido en pantalla con un acento de pop-art.
MANGA
Compañía Trans / Garden. Coreografía: Mey-Ling Bisogno. Música: Martín Ghersa. Luces: Paloma Parra. Ilustraciones: Lucas Rearte. Vídeo: Esteban Ghersa. Vestuario: Milan Hau. Teatro Pradillo. Hasta el 23 de enero.
Mey-Ling Bisogno toma la estética del cómic japonés para hablar de cambios y deseos
Pérez-Sosa, Bonilla y Bisogno, como Chic, Ultra y Freak
14 Enero 11 - La Razón - M. Ayanz - Madrid
Ultra, Chic y Freak no paran de mutar. Son tres heroínas que van cambiando de historia en historia, de viñeta en viñeta, de página en página... Y así, hasta que llega el sorprendente final del cómic. Abran bien los ojos, pero también los oídos, porque no les estamos invitando a leer un tebeo, sino a ver «Manga». Y es lo mismo, pero no lo es. Dicho de otra forma, es la primera vez que alguien se anima a llevar a las tablas el vitalista e inabarcable universo del tebeo japonés que hace furor entre los adolescentes... y entre los no tan jóvenes. No esperen, eso sí, una adaptación de las aventuras de Akira, el lobo solitario, Astroboy, Kusanagi, Naruto, Asa, Nana o cualquier otro de los personajes que han hecho historia en el género: «Manga» ofrece un pasatiempo inspirado en este tipo de lecturas.
Colorida y caprichosa
Su responsable, Mey-Ling Bisogno, directora y coreógrafa de las compañías Compagnie 3gallos y la Compañía TYrans/Garden, es además Freak en el montaje (o sea, en la foto, «la morenita pequeña de la peluca rosa», como se describe entre risas). Junto a ella, con peluca verde, está Diana Bonilla (Ultra) y con peluca naranja, Cristina Pérez-Sosa (Chic). «No es que sea una gran lectora de manga, pero sí he leído algunos. Me fascina la cultura japonesa, y siendo madre además de dos hijas, tengo conexión con ese mundo», cuenta Bisogno, cuya biografía merece un párrafo: venezolana afincada en España y a medio camino entre París y Madrid (en ambas ciudades tiene compañía) desde hace ya una década larga, por sus venas corre sangre italiana y china, como delata su apellido.
«Mi padre trabajó casi treinta años con japoneses. Me obligaba a cantar cancioncitas en japonés para quedar bien con los directivos de las compañías con las que trataba», recuerda con una sonrisa como explicación de su fervor por lo asiático. Y aclara que quería «indagar en el tema de la transformación» y que elegir el manga no es arbitrario: «Más allá de la estética, que siempre me ha fascinado, me interesa lo que supone para la cultura japonesa: hay mangas para todo tipo de públicos y edades, es algo que llega a todo el mundo». Pero, a la vez, bromea: «Es un espectáculo muy caprichoso: me he propuesto hacer lo que me quiero». Y eso es, traducido, «una obra bastante “soft”. Sinceramente, es un infantil para adultos, como un caramelo».
Aunque mangas hay de muy diversos tipos (no es lo mismo el «shônen», subgénero de aventuras para chicos, que el «shôjo», que es lectura de chicas, y así otros tantos), Bisogno ha querido rescatar en esta pieza de teatro físico –«es una obra bastante silenciosa, hay momentos en los que hablamos algo de japonés, pero mal», confiesa la actriz– la esencia más pop y naïf del tebeo nipón: «Tenía ganas de trabajar en algo alegre, algo que tuviera felicidad, color y ligereza en esta época tan terrible que estamos pasando».
- Dónde: Teatro Pradillo. Madrid.
- Cuándo: hasta el 23 de enero. De jueves a domingo, 20:30 h.
- Cuánto: 15 euros. Tel. 91.416.90.11.
Mar López y Anuska Alonso, se miran a mismas, con la relatividad del espacio y el tiempo.
Publicado el Sábado 11 de diciembre de 2010 por Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
La cuestión son puntos de referencia, es decir, la relatividad con que las cosas se perciben, cuando cada Uno mira a sí mismo o a los demás desde su lugar de observación. Esas coordenadas definen los ejes con los que se percibe y se elabora la concepción de la vida. Pero si a esto añadimos un factor adimensional, como es el tiempo, conseguiremos complicar la forma de mirar las cosas, confiriendo a la relatividad un peso mayor del que ya tenía esa observación.
Así desarrollan su trabajo Mar López y Anuska Alonso en este Uno, el nuevo trabajo escénico de danza que ahora nos presentan. Si hace pocas semanas veíamos a Mar López en Tris Tras, con Mónica Runde, en un trabajo en el que la plasticidad era el sentido dominante de la armonía, aquí la encontramos dirigiendo y comprometida en la interpretación con Anuska, en un concepto que se definiría mejor como lo orgánico, dentro de una visión más personalista, y de una forma de intimismo que se aproxima más a la visión cotidiana del espectador, antes que al deseo de lo esperado.
Esta nueva puesta en escena, conserva en la composición numerosos referentes de su trabajo conjunto A 2 centímetros del suelo, pero transformando aquella plasticidad y rompiendo en buena medida con la coordinación en el movimiento conjunto, para transformarse precisamente en lo que la descripción de su trabajo quiere abordar: lo que es cada uno y cómo se ve frente al otro.
Además de la seriedad en el trabajo, les va lo divertido, y por eso arrancan con una curiosa forma de “calentar” en escena, derivando hacia un modelo de juego de niñ@s, a partir del cual arranca el movimiento de la pieza.
Quien ha fumado o tenido cerca a un fumador, sabe cómo es encender un cigarrillo tras otro, o varios a la vez, en un movimiento mecánico y compulsivo que no tiene noción del tiempo ni de la realidad, en tanto que otros instantes llegan a cámara lenta, dejando una sensación de inmovilidad en fotogramas para quien los percibe de esa manera, estas son comparativas que irán desarrollándose en el trabajo corporal escénico de las dos integrantes del dúo de danza, a través de distintas formas creativas, con el gesto (el reflejo), con la posición (la forma o el espacio), con la velocidad (relación espacio tiempo) o con la descripción del entorno, en un medio en el que los elementos que integran el atrezo son escasos, pero suficientes para la comparación, sea por contigüedad, como en el caso del tamaño de las tazas de té, sea por intercambio, como ocurre al cambiarse las prendas de ropa… parece que cada una quiere imponer a la otra su forma de percibir y de querer las cosas, mientras que a la vez, cada una se ve de una manera desde su punto de vista y a través de los ojos de la otra
Desarrollan movimientos que pueden ser más estáticos, o más dinámicos en función del quién y el momento, así como la disrupción en las secuencias, hacen que el conjunto del diseño coreográfico ofrezca las diferentes posibilidades que conducen al final, con el logro del ser Uno, independientemente de los deseos del otro: hacia esa liberación que no hace al otro inexistente, pero que acaba con la propia anulación bajo el peso ajeno. Un complicado juego, en el que las iluminaciones, que casi pasan desapercibidas, tienen su peso a la hora de marcar esa transferencia de la información al otro: al público.
El País. Madrid. La semana por delante DANZA
Enseñar las tripas
ROGER SALAS 12/12/2010
Como parte del ciclo Diciembre en Danza, la compañía gallega Nabeirrarúa Danza estará en el teatro Pradillo hasta el próximo día 19 (20.30) con un espectáculo titulado Uno, y concebido por Anuska Alonso Montero (Vigo, 1983) y Mar López Martínez (Vitoria, 1979), bajo una tutoría de la bailarina y coreógrafa Elena Córdoba. Reflexión sobre el tiempo como entidad coreográfica o motivo y sus posibilidades con el cuerpo, los artistas se proponen exhibir el proceso de investigación, dando importancia a la reflexión desde la que resultará el producto. En el equipo artístico también participan Sergio G. Domínguez, Jorge González y Pedro López. Todos ellos inciden en dar lugar al concepto de performance, así como a otras herramientas convencionales, entre ellas la iluminación, a la que conceden el lugar de "arquitecturas luminosas".
24 de noviembre de 2010 a las 20h30 en el Teatro Pradillo (c/Pradillo 12, Madrid)
La compañía polaca Akademia Ruchu abrirá el programa de la vigésimo primera edición de la Muestra con el estreno en España del espectáculo Chinese lesson, un trabajo integrado por una serie de piezas cortas, de una duración entre cinco y diez minutos, que son representadas por cinco miembros que forman parte del grupo, y que carece de estructura narrativa convencional. La obra que presenta esta compañía fundada en 1973 en Varsovia por artistas teatrales entre los que se encuentra Wojciech Krukowski, su director artístico que desempeña esa función desde su creación, ha desarrollado una especialidad escénica conocida como el ‘Teatro del comportamiento’ y la narración visual. La formación, además, se define como un grupo creativo que trabaja en las fronteras de los diferentes géneros teatrales y su actividad creativa se caracteriza por la transdisciplinariedad artística, ya que en los espectáculos que producen el teatro se combina con otras disciplinas como las artes visuales, las artes escénicas y el cine.
Las piezas cortas que integran Chinese lesson componen un espectáculo son el fruto de las tres décadas de actividad y de la experiencia que en ese período ha atesorado la compañía y que le han permitido construir su propio lenguaje de teatro visual. Se trata de una serie de “acciones desinhibidas” que protagonizan los cinco integrantes de Akademia Ruchu, que se mueven “entre unos momentos íntimos y otras partes que requieren unas capacidades excepcionales para la realización de un teatro físico” y que se han convertido en las principales señas de identidad de esta compañía de Varsovia.
Tanto en el caso de Chinese lesson como en el resto de sus creaciones, el movimiento, el espacio y el mensaje social son características comunes en todos ellos, lo que se deriva “de la convicción de que el radicalismo artístico y el mensaje social no son mutuamente excluyentes”, señalan. Akademia Ruchu se ha convertido en el principal ejemplo polaco de una compañía que funciona fuera del ámbito oficial de las artes, representando sus obras en espacios urbanos dispares como calles, residencias o zonas industriales, donde ha desarrollado una actividad regular con más de medio millar de representaciones, eventos y happenings callejeros. Esas actividades se completan con la producción regular de espectáculos destinados a ser representados en teatros y salas convencionales.
Del 23 de diciembre 2010 al 7 de enero 2011
24 y 31 de diciembre y 5 de enero sólo función 12h.
No hay función 25 de diciembre, 1 y 6 enero
Redacción Artez
Miércoles, 29 de Septiembre de 2010
El año de su 35 aniversario, que le valió un MAX Iberoamericano en la edición de 2010, CELCIT volverá a poner la vista en los jóvenes creadores, a los que ofrecerá un espacio específico de exhibición. Lo hará en la Sala Teatro Pradillo de Madrid, que del 13 al 31 de octubre por segundo año volverá a acoger la Muestra de Nuevos Creadores del Teatro Iberoamericano – La Americana. La cita acercará espectáculos de Heidi Steinhardt (Argentina) y Francisco Sánchez (Chile), quienes participarán en un encuentro abierto con el público tras sus respectivas representaciones.
La cita con las más recientes promesas del teatro iberoamericano arrancará el miércoles 13 con los argentinos Tangolpeando, quienes ofrecerán su espectáculo ‘Cacerolas’, que combina música, teatro, y una fuerte presencia audiovisual para reflexionar sobre el fenómeno del “cacerolazo”. Una revisión histórica, en este caso sobre la fundación del estado chileno y la herencia cultural mapuche ofrecerá Tryo Teatro Banda, compañía liderada por el director, compositor y actor Francisco Sánchez. La agrupación representará las obras para adultos ‘Pedro de Valdivia’ y ‘Cautiverio felis (sic)’, así como las infantiles ‘El gato con botas’ y ‘Buscando a Kay Kay y Xeng Xeng Vilu’, que lleva a escena una historia mitológica mapuche.
Dicha compañía integra en sus creaciones música en directo chilena, mapuche y europea, así como diversas técnicas de narración juglaresca. Es por ello que Francisco Sánchez ofrecerá, los días 30 y 31 de octubre, un taller de juglaría que pretende introducir a los participantes en el desarrollo de sus propias habilidades para contar una historia empleando música, poemas, canciones, bailes, adivinanzas, magia, acrobacias, malabarismos y cualquier otro lenguaje que permita atraer la atención del público.
Heidi Steinhardt
La muestra acercará así mismo al público al universo creativo de la actriz, dramaturga y directora argentina Heidi Steinhardt. Lo hará a través de la obra ‘El trompo metálico’, de la compañía El Trompo, que llegará a la Sala Teatro Pradillo los días 28, 29, 30 y 31 para ofrecer una mirada singular sobre el duro universo de las relaciones personales. Completará la oferta de la Muestra de Nuevos Creadores del Teatro Iberoamericano ‘Alas de sueños’, pieza infantil de la compañía cubana La Maleta que adapta tres cuentos del autor Onelio Jorge Cardoso.
La Clá. Un blog de crítica teatral
Desde hace un tiempo la escena teatral madrileña anda gobernada por directores argentinos. Con el éxito de las recientes obras de Daniel Veronese o Claudio Tolcahir se ha producido en el público un encantamiento similar al que vivieron esos mismos espectadores, sentados en otras butacas, con grandes actores y realizadores de películas argentinos.
El Teatro Pradillo ofrece en cartel, en días sueltos y a una hora un poco golfa, la
obra del dramaturgo y directorPablo Messiez, Muda, interpretada por Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado.
Muda es una obra que se presenta tan desnuda como su trama y sus decorados. Una joven se instala a vivir en un edificio de apartamentos de Buenos Aires en el que trabaja un portero emigrante español y en el que reside una vecina dicharachera, los dos tan solos y abandonados como la recién llegada que, sin nada mejor que decir, se mantiene muda. Sin apenas acción, y con la palabra de sus protagonistas como recurso narrador de historias, Muda es una ventana a las soledades y a los encuentros que a diario se viven en las grandes ciudades. Messiez sigue la estela de los narradores norteamericanos que en su día reflexionaron sobre la caída del gran sueño burgués, aunque lo hace a la manera tragicómica de Billy Wilder, es decir, con guiños cómicos para evitar que el espectador urbanita se deprima en exceso.
Los responsables del regusto amable que deja Muda, y de las carcajadas que a su vez provoca, son sus tres actores, de quienes hay que alabar sus respectivas interpretaciones, muy distintas en sus matices.Fernanda Orazi interpreta magistralmente a la locuaz y triste vecina, con una verborrea que parece sólo alcanzable para los porteños. Marianela Pensado hace de vecina muda, llegando a conmover más con su pena gestual que con sus palabras. Y por su parte, Óscar Velado saca todo tipo de sutilezas al personaje de emigrante gallego, un tipo borrachín y ensoñador. Los tres están a la altura del reto de interpretar en un escenario vacío, manteniendo en todo momento la naturalidad de sus protagonistas, sin caer en los peligros de la sobreactuación.
Merece la pena acudir al animado y divertido Teatro Pradillo para disfrutar de esta representación de sabor porteño sobre la que destacan sus tres grandes actores.
*
Teatro Pradillo:
http://teatropradillo.com/wp/?p=307
Imágenes:
Fotografía de Muda con Marianela Pensado en la imagen, por cortesía del Teatro Pradillo.
Hedda Gabler
Cía. Esteban Pico (Madrid) / Teatro
Del 16 al 26 de septiembre 2010
De jueves a domingo / 20h.30
Del 16 al 26 de septiembre 2010
De jueves a domingo / 20h.30
Hedda Gabler (El triunfo de la mediocridad)
Una de las obras más complejas de Ibsen, no solo por su perfecta estructura, sino por un texto depurado que define claramente a cada uno de los personajes en sus más mínimos detalles.
Hedda Gabler es un drama de individualidades, pero también un drama social. Hay un enfrentamiento claro entre dos mundos que conviven sin comprenderse.
Hedda Gabler es un drama de individualidades, pero también un drama social. Hay un enfrentamiento claro entre dos mundos que conviven sin comprenderse.
El triunfo de la mediocridad desde una perspectiva, aunque, desde otra, podría ser también el triunfo de quienes se entregan al trabajo. Como toda gran obra, nos expone una serie de hechos, de los cuales cada cual sacará sus propias conclusiones.
Vemos una clara reflexión poética sobre la necesidad del hombre de vivir en otra forma, la eterna pregunta: ¿En qué consiste la felicidad?
La distancia entre lo que se desea y lo posible es causa tanto de lo trágico como de lo cómico.
Hedda Gabler es un enigma y una clave en sí misma, una mujer atrapada entre dos realidades: su ideal, un mundo sublime lleno de belleza; y su realidad, una vida burguesa, superficial y mediocre.
Hedda Gabler es un enigma y una clave en sí misma, una mujer atrapada entre dos realidades: su ideal, un mundo sublime lleno de belleza; y su realidad, una vida burguesa, superficial y mediocre.
Actores: Marta P. Luis, Laura González, Julia G. Enríquez, Víctor Boira y Esteban Pico.
Foto: Julia Cristina Monge
Atrezzo: Candela Domínguez Dimeo
Diseño de iluminación: Toni Sánchez
Adaptación y dirección: Esteban Pico
Procedencia de la compañía: Madrid
Foto: Julia Cristina Monge
Atrezzo: Candela Domínguez Dimeo
Diseño de iluminación: Toni Sánchez
Adaptación y dirección: Esteban Pico
Procedencia de la compañía: Madrid
La ficción como terapia
ROSANA TORRES 12/09/2010
La semana por delante TEATRO
Discípulo aventajado de Ricardo Bartís, Juan Carlos Gené y Rubén Szuchmacher, con quien además estudió dirección, Pablo Messiez es de esos creadores (actor, dramaturgo, autor y director) que llegan para tomar relevo o aumentar la nómina de un puñado de teatreros argentinos que están cautivando al público español, como Daniel Veronese o Claudio Tolcachir (no perderse su montaje sobre Todos eran mis hijos, de Arthur Miller en el Teatro Español).
Ellos mismos han dicho de Messiez: "Un encantador de espectadores que abre mundos, los arma oscuros pero a la vez luminosos; no copia, no sigue modas, produce con extraña sensibilidad y potencia lo que dicta su corazón", según Veronese, con quien ha trabajado varias veces. Su colega Tolcachir afirma: "Siempre es excitante acercarme a la mirada de Messiez porque es necesario que alguien nos ayude a cambiar el foco y ver lo que estaba frente a nuestros ojos pero transformado en algo profundamente humano y teatral". En cualquier caso estamos ante un más que atractivo fenómeno escénico.
Con Muda, que vuelve al Teatro Pradillo, donde fascinó a principios de año, nos cuenta la historia de Ana, quien sale de una situación de vértigo existencial a través de ficciones propias, ajenas, involuntarias y premeditadas. Un espectáculo con el que comprendemos hasta qué punto la ficción nos puede devolver la paz perdida, la salud deseada y en el que podemos ver el trabajo de tres grandes actores: Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado.
Espectáculo terrorífico de Teatro La Tartana para niñas y niños desde 3 años
Estreno en octubre 2010.
http://latartana.net
Mercedes Gigosos - laRepúblicaCultural.es
Lunes 23 de agosto de 2010, a las 12:03
Por si acaso amanece vamos a bailar. Por si acaso amanece vamos a tocar y a cantar.
Así nos introduce José Barrios este espectáculo, el que trajo a la sala Pradillo y que hace el ecuador de La otra mirada del Flamenco. Por si acaso amanece que nos pille contentos, habiéndolo pasado bien, habiendo disfrutado de la música, flamenca o no, habiendo bailado lo que nos echen, bailado y cantado, habiendo estado allí y, además,… con el público.
Este pareció ser el leitmotiv de la compañía de este bailaor cordobés. La impresión para quienes les observábamos desde nuestros asientos… ¡qué pena no poder entrar al escenario y participar de música y baile! Y, eso que todos, bailaores, músicos y cantaores dejaron patente que la fiesta iba por nosotros.
José Barrios montó en esta ocasión un espectáculo completo, mitad baile, mitad música y voz. Le acompañaron los bailaores Manuela López y José Antonio Jurado, los cantaores Gema Caballero y Juan Debel, la voz de Susana Ruiz, la guitarra de Isaac Muñoz, los vientos de Diego Villegas y la percusión de José Mª Uriarte.
Todos ellos compartieron objetivo, el de hacernos pasar una buena hora y media, mientras que también, ellos, se divertían. El espectáculo arranca con un zapateado y con palos tan flamencos y profundos como el martinete, para ir adentrándose en la fiesta entre guajiras, jaleo y rumbas. No se olvida de la copla, ni del protagonismo instrumental de la guitarra flamenca o del cajón. Y por si acaso amanece, el saxo acompañando al baile o como representante por excelencia del jazz, éste también tiene su espacio. Y como por bailar que no quede,…. un minueto o una de nuestras más conocidas y discotequeras canciones de los ´80 bien pueden bailarse también a ritmo de flamenco.
José Barrios muestra con esta puesta en escena la que ha sido su trayectoria artística. Nacido en Córdoba (1975), además de formarse como bailaor, su inquietud profesional le ha llevado a participar como coreógrafo en la creación de numerosos espectáculos. El Boston Flamenco Ballet o el Parque España en Japón son algunos de los espacios artísticos en los que ha colaborado con sus creaciones. Actualmente, forma parte de la Compañía de María Pagés en la que participa como bailarín, coordinador y ayudante de coreografía. Su acercamiento a composiciones más interpretativas e intimistas queda patente en proyectos como el que ha traído en esta ocasión al Festival La otra mirada del Flamenco.
Ella, Manuela López, bailaora madrileña (1975) metida desde niña en el flamenco; a los 12 años debuta en público y a los 18 tras su paso por el Certamen Coreográfico Nacional que se celebraba en el Teatro Albéniz, entra de lleno en el mundo flamenco. Con la compañía del Camborio y Lucía Real, con Federico el espectáculo de Juan Andrés Maya, en Flamenco Mediterráneo de Joaquín Ruiz o con el Ballet Flamenco de "Paco Peña", Manuela va adquiriendo experiencia en espectáculos mientras continúa su formación y se curte en los tablaos madrileños. Su participación en la Cumbre Flamenca junto a artistas de la talla de Antonio Canales o Sara Baras muestra como la bailaora ha sabido hacerse su hueco. El martinete con el que abrió su participación en este espectáculo dejó constancia de su fuerza flamenca; el resto de la actuación, nos contagió con su soltura y saber llegar al público.
José Antonio Jurado (Córdoba, 1982) hace un buen tándem con José Barrios; mientras que éste se muestra más interpretativo, José Jurado llega al público por su baile limpio y fresco. A la edad de 10 años entra en el Conservatorio Profesional de Córdoba "Luis del Río" y desde entonces ha continuado su formación al lado de grandes del flamenco. Profesionalmente destaca por su carrera como bailaor (actualmente forma parte de la Compañía de María Pages) y por su colaboración en el montaje de espectáculos como Bodas de Sangre de Antonio Gades, Leyenda con José Antonio o el rodaje de Iberia de Carlos Saura.
Como dije al principio, Por si acaso amanece está dedicado no sólo al baile, sino también a la música y a la canción; y ello se nota tanto por su peso en el espectáculo como por la muestra de fusiones que permiten disfrutar de todos y cada uno de los músicos y cantaores.
Entre los primeros, es indiscutible el protagonismo de Diego Villegas (Cádiz, 1987) que a los vientos interpreta no sólo con el saxo sino también con la flauta y la armónica. Este músico posee un currículum artístico acorde con el espectáculo: aunque principalmente trabaja acompañando a flamencos, colabora con grupos musicales de jazz, funky o pop, siendo el mestizaje un terreno en el que se mueve con desenvoltura.
El guitarrista y compositor Isaac Muñoz se prodigó menos de lo que hubiera sido deseado, pues el reconocimiento de este músico ha ido creciendo a nivel nacional e internacional; con lo que ofreció, bastó para intuir su poder con la guitarra. Destacar, igualmente, al percusionista madrileño Chema Uriarte, que aunque en este caso sólo se acompañara del cajón, domina instrumentos de otras culturas musicales como el djembé, congas o la tinaja. Su colaboración en espectáculos de flamenco es ya larga habiendo trabajado con artistas como Antonio “El Pipa”, Belén Fernández y Rafael de Utrera, entre otros.
Las voces en este caso no eran sólo flamencas; al cante, el aplomo y la melodiosa voz de Gema Caballero acompañada por la fuerza del joven Juan Debel, mientras que Susana Ruiz nos permitía disfrutar de una de las voces negras españolas, una voz de rythm & blues.
José Barrios dice que “no podría haber realizado este trabajo si no hubiera nacido de mí mismo, si no lo disfrutara cada minuto, si no me ilusionara mostrar algo de mí, de mi vida, de mis emociones,…”. Y es eso, efectivamente, lo que se aprecia.
La semana por delante DANZA
Bailaor solitario
ROGER SALAS 22/08/2010
Pone colofón al ciclo de nuevo flamenco en el teatro Pradillo la compañía andaluza DSD Cero con la obra A posteriori (del 25 al 28, a las 21.00), donde Ana González y David Nieto se apoyan en un fuerte aparato audiovisual para prestigiar el baile en solitario, lo que da un total protagonismo a la figura del bailaor. En la literatura de este espectáculo se explica que el cuerpo de baile acompañante debe figurarse retórico e invisible, algo que debe estar presente pero que nunca debe contaminar el eje estético principal. La dirección ha sido encomendada al antropólogo Enrique Linera, que ha investigado la vertiente social del arte flamenco y su experiencia se extiende hasta lo musical y la guitarra. T
ambién está en escena el gaditano Daniel Saltares, al que hemos visto en la capital sobre los escenarios del Cardamomo y de Casa Patas. Nieto, natural de Isla de León, parte de una formación bien diferente, con apoyaturas en lo clásico. Las coreografías son compartidas con Miguel Cañas, hombre experto y prismático, que fuera primer bailarín de compañías como las de Paco Romero, Luisillo y Canales. La videocreación es obra de Paco Rodríguez.
La semana por delante DANZA
Quimeras nocturnas
ROGER SALAS 15/08/2010
El ciclo de nuevo ballet flamenco en el teatro Pradillo continúa con la propuesta de José Barrios (del 18 al 21 de agosto a las nueve de la noche), Por si acaso amanece, donde aparece respaldado por el guitarrista Isaac Muñoz. En escena, este experimentado bailaor y coreógrafo debutante se arropa con Selene Muñoz y Adrián Santana.
Tres personalidades distintas y tres formas de entender el baile teatral en sus más complejas tendencias actuales. Mientras Selene representa a la perfección la estampa de la bailarina estética y cuidada, Adrián aporta su energía, concentración y experiencia. José Barrios viene de colaborar en varios montajes con María Pagés; se reconoce como artista ecléctico y en Por si acaso amanece se alternan los ritmos modernos (jazz, funky) junto a un exótico maridaje instrumental: el saxofón y la guitarra.
La obra habla de contrastes y emociones: risa y llanto, locura y sinrazón, deseos y fantasías, que se recrean en el magma de la nocturnidad, un espacio donde florecen todas las quimeras.
Convocatoria abierta de proyectos escénicos para sala y web:
Trabajos sobre lo inacabado, el proceso, lo multidisciplinar, la emergencias,…
Reflexiones sobre la narratividad contemporánea que pasan por el cuerpo, la forma, el movimiento, la acción,…
Un encuentro anual donde poder mostrar:
- Trabajos inacabados.
- Piezas cortas (20 m. máximo).
- Experimentos arriesgados.
- Trabajos en vídeo colgados en la red.
- Creaciones desde la emergencia, la precariedad, la necesidad,…
Calendario:
Los días de presentación serán la primera semana del mes de noviembre de 2010 (2 y 3 de noviembre 2010 o 5 y 6 de noviembre 2010 a las 20h.30)
Fecha límite de presentación de propuestas: 10/10/2010.
Cómo enviar las propuestas:
Podéis mandar vuestras propuestas o pedír más información a graciasxfavor@teatropradillo.com
Indicando según corresponda el siguiente asunto en el email:
“Convocatoria GXF Sala”.
Enviar dossier breve, imágenes, DVD o enlace a vídeo (mejor).
“Convocatoria GXF Web”.
Los trabajos en vídeo deberán estar colgados en algún servicio de vídeo online. No deberán de ser producciones anteriores al 2008.
Los trabajos seleccionados se montarán en el hall del teatro durante el mes de Noviembre 2010.
¡Os esperamos! ¡Gracias!
notodo / citas /
Aunque suene a tópico usado, vapuleado y malgastado, el flamenco es EL arte por excelencia de España. El que nos representa, por el que se nos conoce y el que ha generado que la fusión en el mundo de las artes de nuestro país sea aún más ecléctica. Ya no sólo el mundo de la danza y la música, sino pintores, escenógrafos, escultores y artistas en el sentido más amplio y menos genérico de la palabra se han servido del flamenco como arma de extrapolación, de mezcla de razas y estilos y como exacerbación de la pasión desde un sentido maximalista, desgarrado y desencarnado. El Teatro Pradillo también lo entiende así y, lejos de programar los espectáculos de flamenco clásico o buscar grandes nombres o adaptaciones independientes de obras clásicas, apuesta por el flamenco contemporáneo: aquel que tiene bastante de la raíz clásica pero que reaplica un toque de modernidad sin tapujos y extrapolando el arte flamenco hacia dimensiones desconocidas.
La otra mirada del flamenco es una suerte de festival que organiza el Teatro Pradillo madrileño que contará durante todo el mes de agosto con espectáculos escénicos que mezclan danza, música, teatro, vídeo, historias de amor, cante y pasión por el género. La misma pasión que lleva a las tres compañías andaluzas invitadas a vestir de rojo el verano madrileño y aportar un tono de color diferentes a los (escasos y clásicos) espectáculos que este verano se pueden disfrutar en Madrid. De esta manera, Cartas de amor transformará el escenario del Pradilloen una misa flamenca durante diez días (es el espectáculo que más tiempo tendrá de exposición) en la que la joven (apenas 22 primaveras) Selene Muñoz, acompañada por Adrián Santana, nos mostrará su peculiar modo de entender las cartas de amor. Allí se darán cita, basado en la estructura de las Sevillanas, el amor, el desamor, el desengaño, la esperanza y el género flamenco provisto de una voz joven y experta en nuevos matices, aportando un grado de diferenciación a la danza nunca antes visto. La segunda de las obras será para Por si acaso amanece, un montaje flamenco de la Compañía José Barrios. Tres bailaores, tres voces, una guitarra, un cajón y un instrumento de viento para dar vida a una historia centrada en la noche, con la pretensión de dar rienda suelta al espíritu soñador, a llenar de vida y fantasía cada momento. El flamenco mezclado con el funk y el jazz visto desde los ojos de uno de los bailaores más rompedores de la escena independiente, con quince años a sus espaldas bailando para diversas compañías, recorriendo el mundo y, en esta ocasión, apostando fuerte por el cambio de tónica en su visión del flamenco, el arte, sus uniones y desuniones. El tercer y último espectáculo es, si acaso, el que tiene un mayor grado de versatilidad y que se acerca más fervientemente a la modernización del género. Se trata de A posteriori, un montaje escénico centrado en el baile y en la imagen del arte en un sentido global. Por eso es que la compañía centra su espectáculo en el bailaor como protagonista base que se encarga de llenar el espacio vacío, sirviéndose de pantallas, enfrentándose al miedo, adaptando la queja al baile y de ahí a la aparición de los sonidos. Un espectáculo goloso, totalmente diferente y con un trabajo de dirección superior. En verano, Madrid no está solo: el arte flamenco contemporáneo sirve de acompañamiento y banda sonora de un periodo estival agitado y seco de propuestas nuevas. ¡Ojú!
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