La Razón: "«Monstruos. Catálogo de perversos» Entre el cabaret y el teatro, Marina Wainer y su elenco dibujan una historia humana que, dice la directora, «no solo es un cabaret, es una galería donde se exponen en extremo la maldad, la avaricia, el egoísmo». En ella se cuelan malos de bisutería, aspirantes a perversos, aficionados... Música, clown, humor, vodevil, marionetas y baile se unen en un estreno que aspira a ser «el más gamberro del verano». Wainer, que ha dirigido espectáculos como «De velorios y verbenas» y «Sin Dios», presenta ahora una galería de personajes patéticos y divertidos. Y la bebida va incluida en la entrada."
El Mundo.es: "La alternativa viene, precisamente, de una sala alternativa. El Teatro Pradillo --experto en veladas con cena que, incluso, llegó a presentar espectáculos de danza en los que todas las coreografías estaban inspiradas, desde el baile al vestuario, en determinados platos-- pone el punto gamberro a la propuesta gastronómica-cultural con 'Monstruos' (del 7 al 31 de julio). La sala, como el resto de espacios, pone mesa y mantel. También menú, incluido en el precio, pero un tanto especial. Frente a la cocina más selecta de Galileo y Price, el Teatro Pradillo ofrece a los espectadores "sangría fría y perritos calientes" y alguna que otra bebida espirituosa. Y para los asistentes vegetarianos o abstemios, siempre cabe la posibilidad de que se lleven "el tupper de casa y el bocata con albal" sin que nadie vaya a ponerles mala cara. Al contrario, serán bien recibidos para presenciar un cabaret con números de teatro, baile, vodevil, clown y marionetas, entre otros géneros, dedicado a la maldad, la avaricia y el egoísmo extremo como pasa al otro lado del escenario todos los días."
A través de este enlace estamos recogiendo firmas en apoyo a las actividades del Aula de Danza de la Universidad de Alcalá:
http://www.ipetitions.com/petition/continuidad_aula_danza/
Os agradecemos el apoyo y la difusión.
La Razón:
"«Monstruos. Catálogo de perversos»
Entre el cabaret y el teatro, Marina Wainer y su elenco dibujan una historia humana que, dice la directora, «no solo es un cabaret, es una galería donde se exponen en extremo la maldad, la avaricia, el egoísmo». En ella se cuelan malos de bisutería, aspirantes a perversos, aficionados... Música, clown, humor, vodevil, marionetas y baile se unen en un estreno que aspira a ser «el más gamberro del verano». Wainer, que ha dirigido espectáculos como «De velorios y verbenas» y «Sin Dios», presenta ahora una galería de personajes patéticos y divertidos. Y la bebida va incluida en la entrada."
El Mundo.es:
"La alternativa viene, precisamente, de una sala alternativa. El Teatro Pradillo –experto en veladas con cena que, incluso, llegó a presentar espectáculos de danza en los que todas las coreografías estaban inspiradas, desde el baile al vestuario, en determinados platos– pone el punto gamberro a la propuesta gastronómica-cultural con 'Monstruos' (del 7 al 31 de julio). La sala, como el resto de espacios, pone mesa y mantel. También menú, incluido en el precio, pero un tanto especial. Frente a la cocina más selecta de Galileo y Price, el Teatro Pradillo ofrece a los espectadores "sangría fría y perritos calientes" y alguna que otra bebida espirituosa. Y para los asistentes vegetarianos o abstemios, siempre cabe la posibilidad de que se lleven "el tupper de casa y el bocata con albal" sin que nadie vaya a ponerles mala cara. Al contrario, serán bien recibidos para presenciar un cabaret con números de teatro, baile, vodevil, clown y marionetas, entre otros géneros, dedicado a la maldad, la avaricia y el egoísmo extremo como pasa al otro lado del escenario todos los días."
D.
En "Monstruos, Catálogo de perversos" el público es el protagonista, implicado desde el primer instante en el espectáculo, e invitado a compartir bebida y perritos calientes para acompañar la bajeza dela que va a ser testigo.
Quién quiera un menú más selecto se lo deberá traer él mismo en su "tupper".
Cómo lo oyen....
Monstruos. Catálogo de perversos
Cía. Marina Wainer (Madrid) / Teatro-Cabaret
Del 7 al 31 de julio 2010
De miércoles a sábado / 21h.
Los Veranos de la Villa 2010
— Fragmento de la obra "Susana en el agua y con la boca abierta" Escrita y dirigida por Maria Fernanda Orazi y protagonizada por Mey-Ling Bisogno y Marianela Pensado.
http://teatropradillo.com/wp/?p=32
ENTREVISTA: CENA CON... FERNANDA ORAZI
"Los que te financian quizás no aman el teatro"
ROSANA TORRES 17/06/2010
Tiene y mantiene una actitud tan vital, enérgica y cálida que al poco de compartir mesa con ella se toma conciencia de estar ante una inteligente y jovencísima creadora de brillante futuro. Pero no todo es así. La autora, actriz y directora escénica Fernanda Orazi, efectivamene, es creadora y tiene una cabeza bien amueblada. Pero ni es tan joven como aparenta (calza ya los 34), ni su reluciente carrera es algo solo del mañana. Llegó a España hace cuatro años como una de las voces y de los rostros más firmes de la nueva dramaturgia argentina, lo cual no es decir poco ya que se trata de un país con una cultura teatral excepcional.
Mientras habla va entusiasmandose con la comida y el espacio donde se cena, una pequeña y tranquila terraza del Madrid de los Austrias. Tras una lógica propuesta para compartir platos, y una vez terminado el sabroso guacamole, ataca las quesadillas, unas con flor de calabacín, otras con huitlacoche, un hongo que crece en el maíz, de delicado sabor, que engolosina a Orazi.
Actriz y argentina, lo cual no es decir poco. Nada histriónica. Eso sí, a veces le asoma un coqueteo psicoanalítico, como en el tema de su espectáculo, Susana en el agua y con la boca abierta, un trasunto contemporáneo de la Ofelia hamletiana, en el que se habla a fondo sobre el suicidio: "No es nuevo obsesionarse con la muerte, pero el suicidio provoca un plus de inquietud, incomodidad, ya que hay una voluntad de morir y la mayoría de las personas gastamos nuestros esfuerzos en mantenernos vivos".
Su montaje, el único estreno absoluto del Festival de Otoño en primavera (no es una errata, son cosas de Esperanza Aguirre), puede facilitarle salir del anonimato y abrirse paso en España, donde no se sabe que ella es el relevo de grandes creadores escénicos argentinos como Daniel Veronese, Rafael Spregelburd o Claudio Tolcachir. Pero no piensa moverse de España, donde se estableció mientras estaba de gira con un capital de 700 euros.
Sostiene que las salas alternativas (su montaje está ahora en el Teatro Pradillo), a las que considera su espacio natural en el que crecer y trabajar, tienen en España una excesiva legislación: "Puede que las subvenciones faciliten su existencia, pero va en detrimento de un proyecto artístico; si alguien te da dinero pone condiciones y no siempre ese alguien es cercano al teatro; aquí se evita que en estos teatros haya un caldo de cultivo propio, se generen raíces y lenguajes personales", comenta Orazi, de sangre italiana por los cuatro costados.
Mientras se deleita con unos molcajetes con ternera frijonel cocinados y servidos en piedra volcánica prehispánica y enrolla su tinga poblana de pollo, se sorprende a sí misma descubriendo que la primera vez que pensó en su actual espectáculo fue en este restaurante al que acude de vez en cuando. También parece que en ese momento cae en la cuenta de que hablar del suicidio puede ser de una gran dureza: "Hemos aprendido muy bien de qué cosas hay que reírse y de cuáles no... pero todo apunta a que no lo hacemos muy bien. De hecho, hay quien ríe en los velatorios y quien llora en las fiestas", dice para dejar claro, sin explicitarlo, que su espectáculo está lleno de humor. El que a ella le falta para atacar un postre en estos días de pánicos escénicos.
Hay un montaje teatral que resiste en cartelera a las grandes eventos de la primavera.
Tras su paso por el Festival de Otoño en primavera seguimos programando uno de los hallazgos de la temporada contemporánea: "Susana en el agua y con la boca abierta", de Fernanda Orazi.
Fernanda Orazi, pertenece a la nueva generación de dramaturgos argentinos: Claudio Tocalchir, Pablo Messiez, Daniel Veronese,... Con la misma raigambre, formación y afinidad, nos traen un teatro de boca a boca, gracias a su sabiduría actoral, de puesta en escena y, sobre todo, su onda contemporaneidad y amor por la tablas.
La obra es una suerte de monólogo (no es broma, es literal), interpretado por dos actrices en estado de gracia. Un juego ingeniosísimo sobre la incomunicación, la soledad, el miedo a la muerte, ... amargo, divertido y lleno de sarcasmo.
No hay que perdérsela. Recomendable.
Tras su estreno en el Festival de Otoño en Primavera, la última creación de Fernanda Orazi: Susana en el agua y con la boca abierta, sigue en la cartelera del Teatro Pradillo hasta el 27 de junio 2010.
Susana en el agua y con la boca abierta
Dirección Fernanda Orazi (Argentina) / Teatro
Del 2 al 27 de junio 2010
Del jueves a domingo / 20h.30
Festival de Otoño en Primavera
“Ofelia ama, enloquece y se mata, esta chica da que hablar…”.
– Fernanda Orazi.
“Hemos aprendido muy bien de qué cosas hay que reírse y de qué otras no… Pero evidentemente no nos sale bien, hay quien ríe en los velorios y hay quien llora en las fiestas”. – Fernanda Orazi.
En el escenario dos mujeres hablan. Hablan de otra mujer. De una pobre chica destinada al abandono, la locura y, finalmente, al suicidio. La mujer de la que las mujeres hablan se llamaba Ofelia.
¿Por qué se suicidó? Cuando se dirigía al río, cuando se encaminaba voluntariamente hacia la muerte, ¿en qué pensaba? En el intento por comprenderla y amarla, las dos protagonistas, interpretadas por la actriz Marianela Pensado y la coreógrafa y bailarina Mey-Ling Bisogno, se adentran en territorios que las implican cada vez más. Juntas, esbozan una hipotética biografía para Ofelia, una biografía inacabada que descubre en realidad sus propios miedos, sus faltas, su incapacidad de comprender las decisiones que ellas mismas tomaron. Ofelia se convierte en Susana. Porque en ese momento no recordaban el nombre. Porque el nombre no es importante.
Porque los nombres de las mujeres, como sus destinos, son intercambiables. Quedan también las preguntas. Cuando hablamos del otro, ¿hablamos de nosotros mismos? ¿Qué lugar ocupa el deseo en nuestra vida? ¿En torno a qué se configura nuestra existencia?
Según explica la directora y actriz argentina Fernanda Orazi (Buenos Aires, 1975) “no es ninguna novedad obsesionarse con la muerte, pero el suicidio provoca un plus de inquietud o incomodidad puesto que hay una voluntad de morir, mientras que la mayoría de las personas gastamos nuestros esfuerzos en mantenernos con vida”. Así, para Orazi, el destino trágico de Ofelia “es un festín de desconsuelo”, un desastre que en escena sirve para elaborar “hermosas y absurdas ficciones sobre nosotros mismos”.
Fernada Orazi:
Es actriz y directora. En el año 1996 se gradúa en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Buenos Aires. Tras participar en los montajes más importantes de José María Muscari, pasa a formar parte de la compañía de teatro La Fronda dirigida por Ciro Zorzoli, participando en los espectáculos Living, último paisaje; A un beso de distancia y ArsHigiénica que se han presentado en distintos festivales internacionales. Por Ars Higiénica es nominada a los premios Teatro del Mundo como Mejor Actriz.
Sobre la Compañía:
Esta compañía nace a partir del reencuentro de Marianela Pensado, Mey-Ling Bisogno y Fernanda Orazi en Madrid. Las tres trabajaron juntas en diferentes proyectos en Buenos Aires entre los años 1998 y 2005. Las circunstancias, la necesidad y el deseo las juntaron nuevamente en una misma ciudad. Este es el primer trabajo de la compañía como tal.
Fernanda Orazi se formó como actriz en la Escuela Municipal de Arte Dramático de Buenos Aires. Además, ha tomado clases de danza contemporánea, canto y voz. Como actriz, ha participado, entre otros espectáculos en Pornografía emocional, con dirección de José María Muscari; Living, último pasaje, con dirección de Ciro Zorzoli y presentado en el Festival Internacional de Buenos Aires; A un beso de distancia, con la compañía La Fronda y dirección de Ciro
Zorzoli; Ars Higienica, con dirección de Ciro Zorzoli, la pieza se presentó en varios festivales y teatros y le valió a Orazi una nominación a los Premios Teatro del Mundo en la categoría de Mejor Actuación Femenina. Más recientemente, ha protagonizado, junto a Marianela Pensado, la obra Muda, con dirección de Pablo Messiez.
Como directora, ha llevado a los escenarios Teo con Julia y Cuando me inunda el cuerpo.
También se ha encargado de la dirección artística, creación y producción de Mapping Pradillo, proyecto para La Noche en Blanco del Teatro Pradillo de Madrid.
Dramaturgia y dirección: FERNANDA ORAZI
Intérpretes: MARIANELA PENSADO y MEY-LING BISOGNO
Diseño de iluminación: PALOMA PARRA
Vestuario: GRIC VIDAL
Música original: GUSTAVO BRAGA
Fotos: David Rodríguez
Estreno absoluto
País: España (Comunidad de Madrid) / Idioma: español / Duración aproximada: 1 hora (sin intermedio)
Raro
Compañía del maldito Martillo (Chile) / Títeres
15 y 16 de mayo 2010
Sábado 17h. y domingo 12h.30
Niñas y niños desde 2 años
Festival Pendientes de un Hilo
Fiki es un ser que ha decidido vivir en una bolsa de basura, porque no ha sido capaz de encontrar su lugar en un mundo en el que ser diferente significa ser raro. E spectáculo de títeres y manipuladores, de actores y autómatas. De objetos y acciones, imágenes y emociones, con música y poesía. Con su propia luz y su particular estética.
CRÍTICA: DANZA
El bailarín y su doble virtual
ROGER SALAS - Madrid - 10/05/2010
Los experimentos formales en formato de cámara como nutrientes del desarrollo de la danza actual merecen toda nuestra atención. Unos van más lejos que otros; unos aciertan y otros navegan infructuosamente en su propio intento de síntesis; es lo previsible, pues no todos los días se descubre la utilidad de combinar el molibdeno con el vanadio.
El ciclo Gracias x Favor ofrece una plataforma discreta pero llena de interés alrededor de las zonas menos complacientes y más áridas del trabajo en progresión. El ciclo debe permanecer como foro dinámico y dar seguimiento a los hallazgos, debe explorar aún si cabe, al propio espacio teatral como recurso no convencional y que su aserto como escaparate de lo emergente junto a las nuevas tecnologías tenga total justificación (y rigor) en lo que exhibe.
La vulgaridad, si se quiere adscrito al teatro del gesto, se expresa en una nota previa que tiene un tono (acaso irónico) de cacao mental o trola inspirada apoyándose en las apreciaciones de Peter Sloterdijk sobre el quinismo. Viene a cuento aquello de que la belleza no sería apreciable -o cognoscible- sin una noción definida de su opuesto. Sloterdijk habla de "anestética como oponente", una estética de la ruptura que se sitúa en confrontación (o enfrente) de lo armónico, lo bello establecido. La pieza que vimos en Pradillo es una secuencia de poses continuadas que juega al cuadro viviente ("tableau vivant", que decían los vanguardistas) con escorzos barrocos, luz rasante a lo Caravaggio y un acento trágico y clasicista de la expresión corporal. Después hay catarsis y destrucción obligada de lo conseguido. La asociación posdadaísta de los textos trufados de Shakespeare es un buen chiste irónico y demuestra que abusar del power-point (o Wikipedia) es un peligro para la salud del tirio y del troyano.
La propuesta de Paola Tognazzi carece de estructura y fundamento y si lo que intentaba era desorientar, lo consigue. Apenas se percibe un guión justificatorio, una hilatura a las secciones que incluyen preguntas al público y participación colectiva. De nuevo se obliga al espectador a leer implacablemente a velocidades obtusas. Una mujer se adiciona al brazo un sensor y se mueve sin concierto plástico alguno. ¿Qué ha sucedido? El efecto es nulo.
El trabajo más sólido y donde se ve un producto en vías de cristalización es el Shift, de la norteamericana Lisa Parra en estrecha colaboración (casi coautoría) con la española Ana Crouselles. Partiendo de una intencionada delimitación de nichos planimétricos en el suelo, un mosaico de fotos evoca el pixelado o la génesis secuencial de lo que vemos, su prehistoria instintiva: un dúo muy trabajado en espejo y con acentos líricos muy delimitados por la acción coordinada de las dos artistas (que dominan solventemente el movimiento), a veces funcionando en obligada simetría y otras en ensemble coréutico. La proyección de unas imágenes alternas que se interrumpen a sí mismas con interferencias propias de fallo mecánico dan, paradójicamente, una parte inquietantemente humana al recorrido físico y danzado, brindan una atmósfera de búsqueda interior a la vez que espacial. Se explica que esas proyecciones son el resultado de un escaneado 3D que juega el rol de la memoria inmediata, el flashback como relámpago abisal y fronterizo entre la realidad material y su efecto representado. La concentración de Parra y Cruseilles contribuye a redondear la obra, a darle entidad plástica y coreográfica, a sentir del espectador, estar frente a una pieza real y justificada.
El País
ROGER SALAS - Madrid - 23/04/2010
"Cómeme". Compañía Trans/Garden; Coreografía: Mey-Ling Bisogno; luces: Paloma Parra; música: Martín Ghersa; Teatro Pradillo. Hasta el día 25.
El planteamiento de "Cómeme" remite a varias referencias estéticas, que luego se van manifestando como epidérmicas, sin calado en el meollo de los materiales coreográficos. Así están los cuadros que recrean a los del cineasta Peter Greenaway; al ballet "Arcinboldo" de Jiri Kylian y siempre en formato de cámara, a la frialdad atmosférica de un sector la nueva danza francesa. Pero por encima, o dentro, de todo el andamiaje de tono surrealista y sugerente, de fuerte impronta sexual y chispazos explícitos de desboque erótico, está la voluntad de la coreógrafa de dar continuidad a la trama danzada, lo que está conseguido parcialmente.
Tres mujeres se devoran en un ritual gastronómico que quiere tener tintes humorísticos que no calan ni llegan al público, tomando mayor peso la parte dura o seria. Sí se hace evidente ese "crescendo" de tensión, dentro de una escenografía limpia, útil y muy justificada en que domina el blanco y los elementos "hight-tech". Lo mismo que el vestuario colorista y sacado de la ropa civil y las luces, de fuerte cromatismo intentando acentuar cierto tenebrismo. Pero ¿dónde está la razón medular de esta obra? Probablemente en el señuelo del programa de mano en el que se promete la intervención de un bailarín que por fin no aparece. Es como si las tres mujeres se prepararan y lucharan por él y para él, conformándose finalmente con lo que son capaces de ofrecerse entre ellas mutuamente; ¿ritual de desacralización? ¿conjuro del macho? ¿metáfora de la castración? Todas estas posibilidades se dan cita en lectura abierta. La masa de harina, el gran cuchillo, las fresas rezumantes, la manzana pendiendo de un hilo sobre sus cabezas: son símbolos, algunos más evidentes que otros, reuniéndose y perdiéndose en meandros oscuros, en líneas difusas, como tan difuso es el baile mismo.
Se hecha en falta un cierto terminado en lo estrictamente técnico. La tendencia a dotar de naturalismo, a través de la relajación formal más que de descomposición de las evoluciones de danza, perjudica el dibujo. Baile es dibujo, aún en su negación más explícita (que es este caso). Las bailarinas lucen concentración y energía, pero falta la coherencia que permite determinar que un trabajo de taller asume categoría coréutica real.
Historias de derribo
Cía. La Tartana Teatro (Madrid) / Teatro-Títeres
Del 17 al 25 de abril 2010
Sábados /17h. y Domingos: 12h.30
INFANTIL: Niñas y niños desde 3 años
¡No os la perdáis!
La semana por delante DANZA
Con la boca y el cuerpo ROGER SALAS 11/04/2010
"Existe una íntima relación entre los sabores, los olores y las emociones, incluido el amor, la atracción y el deseo sexual. Comer nunca ha escapado a ese cierto poder erótico; pero no siempre se come por hambre y no siempre se copula por amor. Existe una teoría que afirma que la gula y la lujuria hunden sus raíces en la biología humana, en el propio instinto de supervivencia". Esta enjundiosa y barroca cita es la presentación de la coreógrafa y bailarina venezolana Mey-Ling Bisogno para Cómeme (Teatro Pradillo. Del 15 al 25. 20.30), un trabajo para cuatro bailarines, dos hombres y dos mujeres, y que la incluye a ella misma.
Mey-Ling se formó en un incesante movimiento vivencial y pedagógico, primero por Latinoamérica y luego entre Miami y Nueva York, donde recala becada por el American Dance Center. Esa inquietud la llevó a fundar compañía en Francia y ahora está asentada en Madrid. Cómeme es un trabajo al alimón entre la Compañía 2gallos (París) y la madrileña Trans Garden. La música ha sido compuesta por Martín Ghersa, que también asume la ambientación.
CRÍTICA: DANZA
Rituales con objetos
ROGER SALAS - Madrid - 11/04/2010
El título de esta pieza, conciso hasta lo genérico, no da una fe cierta de lo que se ve, una resultante dramática, tensa, oscura y con tintes que remiten al esperpento teatral en su acepción más clásica. Los tres elementos (el propio Ruz, Maureen López y el búlgaro Dimo Kirilov -ex de la Compañía Nacional de Danza) exprimen sus capacidades histriónicas, desechan las formas específicas de danza para entrar en el registro del teatro gestual puro y duro.
Es cierto que se trata de un espectáculo de danza-teatro, muy cuidado en la precisión de sus evoluciones e influido hasta el tuétano de la escena alemana contemporánea, donde confluye la instalación performativa, los ciclos de automotivación e improvisación y sobre todo la asunción de una estética voluntariosamente tenebrista y desolada. Esa gravedad exponencial, esa ritualización llena de absurdo, tristeza y búsqueda de una salida vital, conforman el fresco de unos seres que no acaban las frases ni cierran las evoluciones. Un triángulo poco adornado y con poca concesión; lo irónico termina por dejar paso a un áspero diálogo físico, donde la sugerencia se aborta en la respiración de un lirismo surrealizante. Los personajes están delineados con amargura, desde la pantomima al vestuario. El humor es tangente.
Colores, este sábado y domingo.
¡Guau!
LA HABITACIÓN AZUL de David Hare en Teatro Pradillo 18, 19 20 y 21 de Marzo 20:30 horas
Si preguntaran a cada una de las parejas sexuales que hemos tenido a lo largo de nuestra vida qué es lo que recuerdan de nosotros, ¿cuál sería la respuesta? ¿Somos conscientes de qué es lo que buscamos o de los riesgos que asumimos en nuestros diferentes encuentros sexuales? ¿Cómo nos mostramos en una transitoria, efímera, intimidad con alguien dependiendo del momento en el que estamos o de quién es ese alguien? Éstas son algunas de las preguntas que se desprenden de “LA HABITACIÓN AZUL” (David Hare, 1998), una revisión actualizada de “LA RONDA” (Arthur Schnitzler, 1897), dónde ambos autores nos proponen un juego escénico de inquietante actualidad en el que es difícil no verse reflejado en algún momento. Edu Cárcamo
Espacio sonoro: JOSE PADILLA
Vestuario: MARTA HERNÁEZ
Iluminación: LOLA BARROSO
Espacio escénico: MARTA HERNÁEZ
Audiovisuales: MANUEL DE
Técnica: LOLA BARROSO
Diseño gráfico: MANUEL DE
Traducción: JOSE PADILLA
Producción: PRODUCCIONES VERTICALES, TEATRO PRADILLO y ESCENA CONTEMPORÁNEA. Con la colaboración de LA SARAGHINA DE STALKER.
Dirección: EDU CÁRCAMO
Cía. Nómada danza-teatro (Canarias) | Danza
9 y 10 de marzo 2010
Martes y miércoles / 20h.30
Mañana vuelve a nuestro teatro este espectácular montaje de Juan Branca sobre texto de David Hare:
Skylight / El enorme cuadro de luz que ella veía desde su cama
Del 25 de febrero al 7 de marzo 2010
De Jueves a domingo / 20h.30
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Me gusta la gente que acepta los retos. Que los hace suyos, que no pregunta como lo quieres, sino que los lleva a cabo hasta el final.
Hace unos meses unos cuantos privilegiados asistimos al proceso de creación de una instalación/performance obra de un colectivo de Madrid, mitad arquitectos, mitad locos, que nos dejó a todos con la boca abierta.
Buscando aberraciones era posiblemente una de las propuestas visualmente más originales que se podían encontrar en estos tiempos. Su gracia: el exceso de empuje y de talento de sus creadoras, y el hecho de que la puesta en escena fuese mitad digital, mitad analógica (más bien acuática).
Por entonces, pude convencerles de que construyeran, a partir de esta idea, un espectáculo para niñas y niños, por ser quizá un público cuya cautivadoras imágenes iban a atrapar con mayor satisfacción.
Este sábado se escena por fin, HluzO, la primera vez que Mónica Bujalance y Lucía Domínguez se suben a un verdadero escenario de teatro bien rodeadas de enanos.
Hoy lunes, apenas desperezado, ya sé que lo que viviremos será una verdadera maravilla.
D.
El Cultural ( 22/01/2010 )
Se estrenan en Madrid tres obras del autor, entre ellas 'Vía Dolorosa'
Liz Perales / Benjamín G. Rosado
Dos de los grandes autores del teatro británico visitan la semana próxima Madrid. El primero en llegar es David Hare, cuya extensa obra, de marcado carácter político, ha sido escasamente representada en nuestro país. Ahora el Festival Escena Contemporánea de Madrid le dedica el ciclo de autor. De él se escenifica Vía Dolorosa, escrita tras un viaje a Israel (Reina Sofía, días 27, 28 y30), The Blue room (sala Pradillo, del 9 al 11 de febrero) y Skylight (Pradillo, días 13 y 14). David Hare es uno de los bastiones del National Theater de Londres. Le gusta diseccionar desde el escenario los temas que más preocupan a la sociedad inglesa en cada momento. Y le suele salir bien, porque su teatro no peca de demagógico, aunque su última obra, The Power of Yes, sobre el mundo de las finanzas y estrenada el pasado año, ha sido maltratada por la crítica. Llegó al National Theatrer en la década de los 80, previo paso por el Royarl Court Theatre, donde llegó a ser director adjunto y en el que se han escenificado la mayoría de sus textos. Especial interés tiene su trilogía sobre la iglesia anglicana, la justicia y la política y los medios de comunicación que retrata, respectivamente, en (Racing Demon, Murmuring Judges y The Absence of War). Pero también tiene un teatro más íntimo y personal, como Skylight, que se estrena en Escena Contemporánea. En nuestro país su obra ha sido escasamente representada.
El monólogo sobre el conflicto israelo-palestino Vía Dolorosa, que se estrena el día 27 en el Festival, lo protagonizó muy dignamente Joaquín Kramer hace años. A este actor se debe también la puesta en escena de El lucernario. Y poco éxito cosechó en 2003, y eso que estaba protagonizada por dos ases de la interpretación (Amparo Rivelles y Nuria Espert), La brisa de la vida, en la que Hare enfrentaba a la esposa con la amante del mismo hombre.
-Cuando se representó en España su Via Dolorosa hubo división de opiniones, algunos críticos la tacharon de proisraelí, otros de propalestina.
-Tiene gracia, porque hubo el mismo número de críticos que me tacharon de proisraelí que de los que lo hicieron de propalestino. Creo que es una buena señal. Significa que el experimento funcionó y confirma también el modelo de sociedad en el que vivimos, donde se nos fuerza a tener opiniones muy concretas y sospechosamente parecidas. Aunque Via Dolorosa no es un acercamiento pretencioso al conflicto, creo que sí arroja luz. Porque no es más que el testimonio sincero de un occidental, y me refiero a mi propia experiencia, que viajó al lugar del conflicto sin ningún prejuicio en la mochila.
-¿Y cuál fue su sorpresa?
-Noté un contraste entre mi mundo interior y el de aquellos dos pueblos. Gente preocupada a diario por cuestiones trascendentales, como la creencia en un ser superior o la vida más allá de la muerte. No hacen literatura con ello, sino que viven a día a dia con esas preguntas. En ese sentido, me sorprendió el hecho de que tantas diferencias podrían encontrarse entre un palestino y un israelí como entre un ateo, como yo, y un protestante o un católico.
-Se estrenó en Londres, capital del multiculturalismo.
-Le diré que me inquietaba cómo podía reaccionar el público y me llegó a preocupar el tipo de gente que me estaría esperando a la puerta del camerino. Ocurrió que la obra funcionó tal y como estaba planteada, y a la salida me esperó gente de 12 nacionalidades diferentes. Esta reacción confirmó el cosmopolitanismo que buscaba en mi texto.
-Su inquietud durante el estreno ¿desvela acaso a un dramaturgo instalado en una provocación y un debate constantes?
-No soy yo el que provoco al público, sino el público el que me provoca y me incita. Mire, el teatro ha de ser estimulante. Al mismo tiempo que puedes tomar prestados algunos temas de la historia, ha de entretener. Informar, formar y entretener. ¿No es eso lo que hacen los periodistas?
-¿Es por eso que algunas de sus obras -sobre cuestiones religiosas, políticas y económicas- parecen inspirarse en los titulares de prensa? Absence of Warm, su última obra, una particular iniciación en el mundo de las finanzas, es el caso más paradigmático.
-Por supuesto que trato cuestiones de la realidad, del mundo en el que vivo. Pero niego la mayor en cuanto a que los titulares de prensa tengan algo que ver con lo que escribo. Desgraciadamente, un tipo con estudios pero sin demasiadas nociones de economía no está preparado para leer la sección de finanzas de la mayoría de los periódicos. Son textos extremadamente confusos, que adolecen de un sentido eminentemente informativo. Lo mismo ocurre con la televisión y otros medios de comunicación. Absence of Warm está pensada para que cualquier ignorante se haga una idea de lo que es el mundo de las finanzas.
-¿Esa pureza que parece haber encontrado en el teatro es acaso lo que lo mantiene prudencialmente distante del cine?
-He llegado tarde al cine aunque, como sabe, se han estrenado con éxito varias de mis adaptaciones. Me creerá si le digo que si me dedicara a las artes cinematográficas con la misma intensidad con que lo hago al teatro estaría instalado en el dólar. Pero mi mundo está aquí, en la cuarta pared. Por esto quiero ser recordado.
-¿En qué términos?
-En cierta ocasión, escuché decir a un espectador que mi obra le resultaba particularmente shakesperiana. Eso es lo que yo quiero. Que dentro de 20 ó 30 años, cuando nadie recuerde los acontecimientos que inspiraron mis trabajos, mis obras sigan funcionando, sigan llegando a la gente, como sigue llegando hoy Shakespeare.
-No ocurrió así con sus aproximaciones a algunos autores españoles… -No puedo sino reconocer que no estuve a la altura en mis adaptaciones de Lorca, y también de Calderón. Lo hice terriblemente mal. Se me escaparon. ¿Cuál es la explicación? Digamos que Lorca utiliza un lenguaje que camina en la cuerda floja, entre lo formalmente serio y lo que no lo es. No sabía cómo acercarme, si política o realísticamente. El resultado fue el que fue. Y yo aprendí la lección.
Cuando los cómics todavía no se llamaban así había una página semanal fascinante en el TBO, titulada Los inventos del profesor Franz de Copenhague. Mientras sus colegas contaban historias con viñetas, Nit, Tinez, Benejam, Tur y Sabatés, autores sucesivos de estos inventos del TBO, dibujaban al detalle artilugios mecánicos descacharrantes de utilidad improbable, tales como, por ejemplo, un limpiador de gafas para motoristas compuesto de cisterna, bomba hidráulica, campana y elefante asiático.
Jean-Pierre Larroche, director de la compañía francesa Les Áteliers du Spectacle, es el Franz de Copenhague del teatro: un demiurgo huidizo en medio de un mar de cachivaches cuyo sentido se nos escapa hasta que empiezan a moverse como por arte de magia.
À distances, que interpreta junto a Marion Lefebvre, es un espectáculo de variedades poéticas protagonizado por artefactos animados: una sucesión de números donde, sin contársenos historia alguna, se nos descubre el alma de los objetos y la vida secreta de la materia inerte.
¿Cómo dar una idea aproximada de lo que sucede en À distances? Si conocen el teatrito de barraca de los Hermanos Oligor o el Circo de Alexander Calder, aquella locura que en los años veinte el entonces incipiente escultor montó con figuritas de hilo y de hierro, quizá puedan hacerse idea de cómo es y por dónde va el universo de Larroche.
Durante el primero de los siete números de su espectáculo, en un teatrito a escala colocado en medio del teatro Pradillo se representa una función bulliciosa sin actores, técnicos ni personajes.
Sus intérpretes son un mar de objetos minúsculos, movidos por Larroche con un haz de hilos desde seis metros de distancia: el ruido que hacen se vuelve estruendo, recogido por micrófonos minúsculos, y amplificado.
Los protagonistas de otro de los números son una docena de taburetes desperdigados por el escenario del Pradillo, sobre los que reposan macetas y pilas de frágil vajilla.
Uno de ellos dobla en humana genuflexión una de sus patas de madera, dejando caer los platos con estrépito: es el comienzo de una reacción química en cadena, de una divertida batalla entre el creador y sus criaturas.
En À distances confluyen la física recreativa, la mecánica para besugos, la pintura en vivo, la performance con un halo de misterio, el uso ingenioso de las nuevas tecnologías y un humor filosófico y surreal. Sus intérpretes, tan serios como parecen, se lo pasan pipa, y nosotros también.
Lástima que esté tan poquitos días en cartel.
JAVIER VALLEJO - Madrid - 24/01/2010
d.
Y lo mejor de este arranque de festival, los franceses de Les ateliers du espectacle, con A distances, obra maestra de exquisita tensión dramática a base de chirrios, golpes de efectos, y poesía visual a troche y moche. Un gustazo.
Si tienen un teatro, programen a estos franceses, el domingo pasado en Pradillo hicieron 200 funciones. Por algo será.
D.
Nadie entiende que La Tristura son unos viejos de 20 años. Todo el mundo les ve como unos chavales emulando a sus maestros. Y es falso, La Tristura son un compañía en ocaso, no creativo, sino que sus paradigmas, su poesía, son de viejos, de gente de cincuenta años. Es raro, pero es así.
Actos de juventud es demasiado larga, pero su luz es la del atardecer, la del campo en verano, la de la siesta. Imágenes bellas, puras, sólo sentidas por bardos experimentados en la vida que ya no se quedan con las florituras, que prefieren los aromas, las risas, la vida. Me recordó, no sé por qué, El Sur de Victor Erice. Ya digo, unos viejos.
Con Años 90, La Tristura homenajeó a un teatro pasado que ellos, que todos, admirabamos. Y que entonces, gustó por que lo hicieron desde la posición que todos esperaban que tomasen: la de unos jóvenes, que hablan como jóvenes,... locuras de juventud, ya se les pasarán. Pues, no, ya estonces, y como ahora en su última creación, hablan como lo que son: viejos, la obra va de viejos, de los que pasó en los años setenta, de los ochenta, ... Cómo Cuéntame...
Me gusta esta compañía, por que pocos les entienden al ser para este mundo teatresco, demasiado puros, frágiles, sin aristas. Lástima que parezca que se están despidiendo del teatro, que se separan, lástima que se acabe ese modo de contar.
D.
