Estrena en Madrid «Muda», avalado por los elogios de Veronese y Tolcachir
La Razón. 4 Enero 10 - Madrid - Miguel Ayanz
Algo tendrá Pablo Messiez (Buenos Aires, 1974) para que dos de sus compatriotas más aplaudidos de los últimos años, Daniel Veronese y Claudio Tolcachir, le avalen con perlas como «es muy particular, no copia, no sigue modas, produce con extraña sensibilidad y potencia lo que dicta su corazón». LA RAZÓN habló con el director escénico sobre «Muda», su segundo montaje –el primero, «Antes», estuvo dos años en cartel–, que llega este viernes al Teatro Pradillo.
–Hay una frase curiosa de la promoción del espectáculo: «El poder sanador de las ficciones».
–Eso es el punto de partida de todo. Yo estaba con el día regular, entré en una tienda de discos de Buenos Aires, me puse a escuchar una canción de Ute Lemper y me cambió el día y los siguientes. Creo mucho en la realidad de la ficción. La única manera que tenemos de acceder a la realidad es a través de las palabras. En mi vida paso todo el tiempo construyendo historias. Y es igual en la de todo el mundo. Muchas ficciones han tenido el poder de modificar situaciones, de sostener el peso de la realidad.
–¿Esta historia habla entonces de las ficciones que construímos?
–Trata de cómo las historias que construímos y las que nos cuentan hacen que la vida sea soportable. Tener otro con el que entenderse se convierte en un bálsamo. Me importa mucho el tema de la comunicación: poder encontrar un mismo idioma. De eso trataba mi obra anterior, «Antes».
–Tiene dos tarjetas de presentación de primera, Veronese y Tolcachir. ¿El teatro de ambos tiene algo que ver con el suyo?
–Sí, estéticamente son similares, y está marcado por las condiciones de producción de Buenos Aires, donde todo es un poco despojado a la fuerza. A mí me gusta el teatro muy diferente. Me encanta cuando veo un buen montaje de Bob Wilson, aunque es puro artificio. Pero el teatro que me gusta hacer es el que deja espacio para que el actor se apodere del terreno.
–Por lo que cuenta, en Buenos Aires una generación teatral ha surgido se diría que por necesidad...
–Sí, se fue marcando una tendencia estética pero que surgía de los modos de producción. De la necesidad se hizo estilo y se terminó volviendo una marca propia.
–Esta corriente ha llegado hace tiempo a Madrid, pero quizá en Buenos Aires ya haya otras. ¿Qué prima ahora allí?
–Es cierto que lo que más llega acá es este tipo de teatro. Pero hay otros directores con líneas de trabajo muy interesantes. Como Ricardo Bartís: la suya es una poética muy personal, genial, y no tiene nada que ver con este tipo de teatro. La escenografía es determinante en sus obras y el estilo de actuación está más vinculado a lo grotesco y no al realismo, que es la línea que trabajamos Veronese, «Tolca», yo y mucha otra gente.
–Se suele hablar de la boyante escena argentina, de los 200 teatros de Buenos Aires. ¿Aún es así?
–El momento del teatro en Buenos Aires está muy bien. Se mantiene una variedad de estilos, de salas, de producciones... Pero visto desde lejos parece mejor de lo que es: la realidad es compleja, la gente no llena siempre los teatros. Las salas alternativas tienen un máximo de 80 butacas y hacemos una o dos funciones por semana. Pero le damos tiempo a las obras para que se sostengan. En España en general las temporadas son cortas, no permiten que el espectáculo crezca, que funcione el boca a boca y se transforme en un fenómeno. Pero no nos engañemos: el teatro no es el fútbol. Acá está muy instalado el discurso de la maravilla de las 200 salas, pero no todas trabajan mucho. Y en Buenos Aires, como en todos lados, hay mal teatro.
Una semana alternativa
Además de Messiez, el circuito alternativo madrileño arranca con fuerza en 2010: Cuarta Pared acoge desde el 7 de enero «El alma se serena», de Hongaresa Teatre (arriba). El mismo día, Lagrada retoma «Conversaciones en la oscuridad», de José Ramón Fernández (dcha.)
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HluzO
Cía. Buscando aberraciones (Madrid) / Teatro de los sentidos
Del 27 y 28 de febrero 2010
Sábado / 17h. y domingo / 12h.30
Estreno absoluto
Infantil para niñas y niños desde 18 meses.
no inventamos la luz
ni el agua ...
solo paramos un momento
a observarlos
. . .
El agua y la luz son dos elementos de sobra conocidos por todos, grandes y pequeños.
Cotidianos, cercanos, explorados…
Pero quizás se nos hayan escapado algunas de sus más sorprendentes cualidades,
¿paramos un momentito a observarlos con otros ojos?
sin duda recompensarán nuestra atención con sensaciones fascinantes...
Experiencia para los sentidos de niñas y niños de todas las edades que mantengan la capacidad de fascinación por la belleza de las pequeñas cosas.
Con agua contenida en distintos recipientes, desde una gran pecera sin peces hasta un simple vaso y luz que la hace visible y le da vida, el espectáculo hace un recorrido de posibilidades plásticas desde el juego, la improvisación y la búsqueda. Una sucesión de movimientos que tratan de seducirnos con bailes hipnóticos.
Este espectáculo fue seleccionado para desarrollarse en el taller Luz, espacio y percepción en Medialab-Prado en enero del 2009. A Lucía, Óscar y Mónica les une, además de una larga y estrecha relación, una gran curiosidad. Cada uno desde su campo (fotografía, iluminación y arquitectura respectivamente) aporta una dosis de ilusión, juego e intuición que hace que cada proceso creativo sea tan inesperado como placentero.
Protagonistas: Agua del grifo / Luz artificial / Sonidos en directo y enlatados
Agradecimientos: a MEDIALAB, por su apoyo sin prisa y sin pausa.
a EMILIO CAPRILE, por cedernos tan inspirador espacio.
a DAVID RODRÍGUEZ que tanto confía.
Cía. Buscando aberraciones (Madrid) / Teatro de los sentidos
Del 27 y 28 de febrero 2010
Sábado / 17h. y domingo / 12h.30
Estreno absoluto
Infantil para niñas y niños desde 18 meses.
no inventamos la luz
ni el agua ...
solo paramos un momento
a observarlos
. . .
El agua y la luz son dos elementos de sobra conocidos por todos, grandes y pequeños.
Cotidianos, cercanos, explorados…
Pero quizás se nos hayan escapado algunas de sus más sorprendentes cualidades,
¿paramos un momentito a observarlos con otros ojos?
sin duda recompensarán nuestra atención con sensaciones fascinantes...
Experiencia para los sentidos de niñas y niños de todas las edades que mantengan la capacidad de fascinación por la belleza de las pequeñas cosas.
Con agua contenida en distintos recipientes, desde una gran pecera sin peces hasta un simple vaso y luz que la hace visible y le da vida, el espectáculo hace un recorrido de posibilidades plásticas desde el juego, la improvisación y la búsqueda. Una sucesión de movimientos que tratan de seducirnos con bailes hipnóticos.
Este espectáculo fue seleccionado para desarrollarse en el taller Luz, espacio y percepción en Medialab-Prado en enero del 2009. A Lucía, Óscar y Mónica les une, además de una larga y estrecha relación, una gran curiosidad. Cada uno desde su campo (fotografía, iluminación y arquitectura respectivamente) aporta una dosis de ilusión, juego e intuición que hace que cada proceso creativo sea tan inesperado como placentero.
Protagonistas: Agua del grifo / Luz artificial / Sonidos en directo y enlatados
Agradecimientos: a MEDIALAB, por su apoyo sin prisa y sin pausa.
a EMILIO CAPRILE, por cedernos tan inspirador espacio.
a DAVID RODRÍGUEZ que tanto confía.
Sitio web: www.buscandoaberraciones.blogspot.com
Primero, se igualan en el sabor anejo. Todas las piezas recuerdan a los montajes de hace una década: en estilo, referencias, revisionismo o simplemente pose. Es pues, el momento de la impostura generacional. Mateo,Diana y la Tristura, están en la edad de hacerse dueños de su generación. Los otros ya lo fueron entonces, ahora les toca a ellos.
El segundo punto, y más importante, es el valor de la imperfección (magnífica en el antológico inicio de la Mateo Feijoó). Ninguna de estas piezas da el nivel que se espera, ninguna salvo Años 90, rodada sin parar por un buen número de salas, frente a las otras dos que no han hecho más que una única función. Los fallos están a la vista, no se esconden, no son más que el producto de la improvisación. Sí están ahí, olvidémosnos ya de ellos, pues no pensar en los detalles garantiza tener las fuerzas intactas para otras cosas. Las manos más libres, los cojones en su sitio.
Al final de este año 2009, tenemos tres piezas sobresalientes que en el fondo no sólo claman por hacerse un hueco, sino por tomar visibilidad revindicando el género que otros crearon y que ellos aman, adoran, siguen desde sus inicios, y el que ellos, ahora, tienen en sus manos.
Quizá, sólo la pieza de Claudia Faci va un poco más allá. Plot, propone a cuatro directores trabajar en apenas un día para crear una única pieza para una sólo función, en la que ella, es la intérprete despojada (a priori y voluntad) de sus atributos. Los directores llegan tocados, fríos, sin una mínima capacidad de ensayos, sin una producción decente, bajo presión, ... ésto va a salir mal seguro... deben pensar todos al entrar por la puerta del teatro.
Claudia ha creado una gran idea, que me recuerda muchísimo a Sonia Gómez y sus Experiencias, que es la evolución (y quizá salvación) del teatro contemporáneo actual. Ya se acabó el tiempo del ombliguismo, del trabajo sobre la propia realidad del performer, ahora es momento, además, de gozar creando, de aprovechar la oportunidad maravillosa de hablar sobre el porqué de poner algo en escena. De porqué se hace eso tanchungo, que se llama teatro contemporáneo.
Pero al contrario que otros que ya habían recorrido antes ese camino, como Bernat o Faustino, lo que tenemos ante nosotros en Plot, es una propuesta sin madurar, a pelo. Turbulencia creativa provocadora de imágenes como tiros en la nuca que no tienen vuelta atras. Si no querías matarla, haberlo pensado antes de disparar. Crudeza, que en el fondo representa la oportunidad de tener la mayor libertad creativa a tu alcance: sólo un bolo, una noche, nada más,... y a tomar por culo...
... luego de llenar el aire de brillantina, Mateo pegó, apretándose a la espalda de Claudia Faci, un torpe y estruendoso tiro de fogueo hacia el público. Pues, de eso iba: de que pasase lo que pasase, esta noche no había vuelta atrás.
D.
Plot: ardid – argumento - complot – conjura – conspiración – intriga – parcela –solar – terreno - trama - trazar Cuatro directores han sido invitados a participar en esta propuesta en la que, cada uno de los días programados, se pondrá en escena el primer ensayo de la idea que cada uno de ellos quiera materializar.
Danza en diciembre 2009
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"JERK", DE GISÈLLE VIENNE /DENIS COPER. LAS MARIONETAS CORRUPTAS, LA TRASGRESIÓN OTAL EN ESCENA, LA VIOLENCIA EN VIVO
Él está ahí, muy cerca. A escasos metros de mí. Ese chico casi imberbe con la mira entre dulce y perdida. Sentado. Solo, frente a nosotros. Inofensivo, indefenso. Tranquilo. Nos mira con una expresión casi aniñada, cabizbajo, como si tuviera vergüenza y no estuviera cómodo. Al final, somos nosotros los que nos hemos removido en el asiento, incluso le tenemos miedo. El chico guapo se ha hecho feo.
Él, la suma de todas las cosas cuya resultante es la maldad. Como si se tratase del mismísimo Norman Bathes en la escena final de “Psicosis” en la que dice que no mataría ni a una mosca (cuando ha matada su madre, a la mujer de la que creyó estar enamorado…) pero, a pesar de la negación, la lleva dentro. La maldad. Forma parte de él. Y de Jerk, también. Cómo se va transformando y llevándonos hasta el precipicio de la maldad, de la crueldad absoluta. Y no nos queda más remedio que ir con él y perder la esperanza de que haya algo que haga recuperar la armonía, la moral, la justicia.
A medida que el espectáculo avanza, le vemos transformarse en diversos personajes hasta, todos muertos, llegar a la ventriloquia, anulación total del gesto, de la palabra. Por tanto, una evolución conceptual nada fácil de (con)seguir, la complejidad y la existencia de varias lectura en simultáneo, de varios temas en sustratos que componen ese todo que, sin poder desglosarlo ni encajarlo, toma en todo momento el POV del asesino y niega, o deja en segundo plano, el del asesinado. Y, por consecuencia o extensión, deja en un no man´s land, que al final acaba por hablar de lo complejo que es el ser humano. Como dice en un momento –transcribo peor no textualmente: “los personajes que salen en las series son lo que hacen en la pantalla; las personas… son esos seres complejos sencillamente imposibles de entender…”
Para todavía hacer más potente ese infanticidio al que asistimos sin remedio, algunos de las víctimas son personajes de series: series que forman parte de nuestra infancia y, por tanto, es como si nos robaran a todos o desprendieran de aquellas cosas más queridas, de los buenos recuerdos, de lo que parece que nos deja totalmente desprotegidos porque si lo perdemos no lo podremos nunca recuperar: la ingenuidad.
EL IMPACTO
Primer motivo del impacto: esperar ver un espectáculo de títeres y que éstos resulten ser absolutamente perversos, malvados, violadores, asesinos... Deja con un nudo en la garganta ya sólo por ese infanticidio que no sucumbe a ninguna moral.
Ser “voyeur de títeres”, ver a títeres pelearse, darse por culo –perdón por la expresión-, matar uno a otro..
Segundo motivo de mi impacto: su trabajo físico. Y mi cercanía a él. El intérprete escupía, dejaba la baba caer, una bilis espesa goteando a borbotones sobre el suelo, junto a la silla, después de haber generado todo tipo de sonidos guturales, de haber simulado con sonora verosimilitud un coito. Un espectáculo 100% fisiológico, de bajos fondos. No sólo por lo frontal y falta de adornos, de sus temas ilícitos y violentos; sino por la propia puesta en escena. Títeres vestidos con chándal o vaqueros, con caretas de oso...Tercer elemento de total desconcierto e impacto y, para mí, el mejor elemento escénico-narrativo: la continuidad, la extrapolación de la historia de esos actos vandálicos y criminales. No a la moralina, adonde estamos acostumbrados nos las lleven, sino precisamente a darle voz, lo que nos resulta también violento. Inquietante. Grotesco. Que, en vez de condenar se le cite, que un catedrático de universidad de psicología, como parte del espectáculo, al que él al principio, cuando se dirigió a nosotros quiso hacer un especial agradecimiento. Que este profesor se interese por él y lleve a sus alumnos a sus obras. Que le escriba una carta y que ésta sea leída en off al final, para que podamos escucharla, que en ella le diga que le envía el mejor ejercicio como material de registro, por si fuera de su interés. Sin juzgarle, sin juzgar la atrocidad de sus actos, teniéndolos en cuenta apenas como motor de inspiración.
Cuarto motivo: Cómo el protagonista/intérprete daba voz a cuatro personajes, incluido él mismo, en una mezcla extrañísima de realidad y ficción, que transgredía todas las barreras y todo lo que nos puede proteger o amortiguar el impacto.
Personalmente, nombro a "Jerk", de la compañía Gisèlle Vienne, en colaboración con el polémico, y aun desconocido para mí, escritor norteamericano Dennis Cooper, interpretado por Jonathan Capdevielle, el montaje más radical que he visto nunca (y creía haberlo visto "todo" en teatro alternativo…)
Basada en una historia real, la de un asesino en serie que, con la ayuda de dos chicos, mató a veintisiete jóvenes y los enterró en un cobertizo, no sin antes ultrajarles, abusar de ellos, desgarrarles, cortarles dedos o testículos, romperles el cráneo con un bate de béisbol…es, como la obra, la más absoluta de las apologías de la violencia.
*
EL POSICIONAMIENTO
> Si alguien no está acostumbrado a lo extraño, lo enajenado, lo abyecto y lo desconcertante, verdadero sello/adjetivos de lo profundamente contemporáneo, le recomiendo que no vea este espectáculo. No me hago a la ida del efecto que esto le pueda causar. Aunque, más que asco, le provocará un absoluto rechazo: Considerará lo políticamente incorrecto un recurso fácil, no reconocerá el mínimo ápice de belleza, lo tachará de un mal espectáculo y se irá de la sala. Se librará. Se le envenenará la boca de ira y despotricará.
> Si alguien si lo está - acostumbrado a lo extraño, lo enajenado, lo abyecto y lo desconcertante -, o cree estarlo, entonces que lo vea. Aun creerá tener la decisión de discernir entre lo que le resulta cómodo e incómodo, pero no encontrará nada del primer tipo. No se arrepentirá pero le provocará un efecto perverso e inquietante, le removerá y casi le vaciará por dentro. Le dará una oportunidad al desarrollo violento de los hechos, aun a expensas de saber que esto no le reportará nada, y no se confundirá. Así será.
Los hay que condenan como base de un trabajo artístico lo violentamente cruel, la violencia salvaje, gratuita, incluso verídica (a los que tal vez se les pasa que el teatro alternativo contemporáneo en general hace tiempo que ha dejado de pretender agradar); Y los hay que consideramos que estos temas perversos son los más desprestigiados y, sin embargo, fuente de toda una “corriente” de propuestas de bastante complejidad, en términos de tratamiento y de puesta en escena, que bien vale la pena seguir de cerca.
Y yo, arrepentidísima de haberme ido perdiendo grandes espectáculos que han pasado ya por el Festival de Otoño -lacrème de la crème de la vanguardia escénica, la cita imperdible con el escaparate internacional de las nuevas tendencias y de todos lo híbridos y propuestas más innovadoras en materia de de danza, teatro, etc.- ayer intenté ponerle remedio y fui al Teatro Pradillo. Y, una vez más, lo confirmo como uno de los espacios más arriesgados y punteros en programación, con Laura Kumin al frente. Y es que no era "plato fácil" lo que ayer se vio allí…
*
EPÍLOGO...
Aunque esta propuesta es de lo más personal y apabullante, que poco puede recordar a algo más que al propio efecto que produce, me ha venido a la cabeza "Elephant" de Alan Clarke, que creo que podría estar casi en el mismo grado de violencia, en cuanto a la indiferencia. y la normalidad, la "violencia normalizada". Post que ya escribí en su día y que os animo a que leáis, o al menos a ver es material tan impactante sobre los "ESTADOS DE VIOLENCIA". (las diferentes puesta en escena de las varias muertes de Elephant)
(Obviamente la pantalla marca una frontera y una cercanía o un alejamiento que poco -o nada- tiene que ver con el del teatro y la cuarta pared...)
VAN A CERRAR SALA DE TEATRO LOS MANANTIALES EN VALENCIA?
ESTE ES LLAMAMIENTO A TODA LA COMUNIDAD ESCÉNICA DE TODOS LADOS.
QUIEN NO ACTÚO EN LOS MANANTIALES EN VALENCIA?
NO PODEMOS ESTAR CON MANOS CRUZADAS Y VER COMO SE
VAN CERRANDO LOS POCOS ESPACIO DONDE SE HACE
CREACIÓN ESCÉNICA ACTUAL ( DE LA POCA QUE HAY EN ESTE PAÍS).
PROPONGO QUE CADA ENTIDAD QUE RECIBE LA SUBVENCIÓN PÚBLICA
(QUE ES NUESTRO DINERO, NOSOTROS PAGAMOS SUELDOS DE LOS
FUNCIONARIOS Y POLÍTICOS COMO EN LA GENERALITAT, ASÍ EN AYUNTAMIENTOS O INAEM)
Y PIENSO QUE TENEMOS LA OBLIGACIÓN DE REACCIONAR ANTE UN CIERRE DE UN ESPECIO,
QUE PONGAMOS UN DINERO PARA AYUDAR A LOS MANANTIALES EN VALENCIA!
LOS ARTISTAS QUE RECIBEN DINERO PUBLICO, TAMBIÉN QUE AYUDAN APORTANDO DINERO.
ES NUESTRA OPORTUNIDAD DE SALVAR UN ESPACIO, DESPUÉS QUE
NO NOS LAMENTAMOS QUE EN VALENCIA NO HAY NADA A DONDE ACTUAR.
SI LA COMUNIDAD ESCÉNICA NO REACCIONA A ESTO:
ES UNA COMUNIDAD BRUTALMENTE EGOÍSTA Y CAPITALISTA
CONFORMADA CON SU MISERIA ECONÓMICA
TRABAJANDO SOLO DESDE UN INTERÉS PERSONAL
FASCISTA
PODRÍA DECIR TODO SOLO LO PEOR DEL SER HUMANO.
PIDO QUE POR UNA VEZ, DESPERTÉMONOS Y ENTENDAMOS QUE ESTA PASANDO
Y REACCIONAMOS Y HAGAMOS ALGO
POR FAVORRRRRRRR
(CUANDO CERRABAN CANTO DE CABRA, ¿QUÉ PASO? NADA..
NO OS PARECE MUY FUERTE TODO LO QUE ESTA PASANDO)
NOSOTROS MISMOS SOMOS CAPACES DE HACER FUERZA Y
RESOLVER SITUACIONES GRAVES DENTRO DE NUESTROS TRABAJOS COTIDIANOS?
Semolinika Tomic representante de Antic Teatre - Espai de Creació de Barcelona
Teatro Pradillo presenta
Muda
Cía. Pablo Messiez / Teatro
Cía. Pablo Messiez / Teatro
Del 8 al 17 de enero 2010 / 20h.30
No hay función de lunes a miércoles
Con Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado
Diseño de iluminación: Paloma Parra
Estreno absoluto
What Does It Make You Feel?
Cía. Projects in Movement (Israel/Madrid) / Danza
Programa doble: “Q Project” y “Beyond”
» Del 10 al 12 de diciembre 2009
De jueves a sábado / 20h.30
Estreno este jueves a las 20h.30.
Marina Bollaín pone en pie La ópera de tres peniques en Madrid.D.
La directora ha adaptado a la actualidad española la obra de Brecht.
Además, actúa en Historia de Yuco, un cuento infantil.
Ambas obras serán parte del Festival de otoño de teatro
ANTONIO GÁRATE (MIRADAS 2) - MADRID
26.11.2009
"Mackie Navaja" es sin duda una de las canciones más populares del siglo XX, de la que se han hecho cientos de versiones.
Pertenece a la obra La ópera de 3 peniques de Bertolt Brecht, con música de Kurt Weill, escrita a finales de los años 20, y prohibida después por los nazis, que la tacharon de arte degenerado.
Es una historia que habla de corrupción y pobreza, de prostitutas, políticos sin escrúpulos y mendigos. El mayor éxito teatral de Brecht que, ahora, la directora Marina Bollaín lleva a escena en Madrid.
"Brecht critica a la sociedad burguesa, al capitalismo", asegura Bollaín. "Yo lo he trasladado a una capital española, con sus casos de corrupción, de delincuencia aceptada", asegura. Un ejemplo impactante, "el caso de la Policía de Coslada".
Cuento infantil en pequeño formato
Frente a esta producción de gran formato que se presentará en los Teatros del Canal el 27 y el 28 de noviembre, Bollaín actúa en un montaje pequeño para un público también muy exigente.
Historia de Yuco, que se representará en el Teatro Pradillo de Madrid los días 5 y 6 de diciembre "es un infantil, un cuento musical, de formato sencillo". Ella canta y baila en el escenario.
Cuenta atrás antes del estreno para las dos en el Festival de Otoño de Madrid. Un montaje donde la música de Kurt Weill, con sabor a cabaret y jazz, es tan expresiva como el texto de Brecht.
Teatro musical que quiere lanzar un mensaje al patio de butacas, antes que quedarse en un musical de mero entretenimiento.
Historia de Yuco, la niña que perdió una canción
Cía. De Marina Bollaín (Madrid) / Danza
» 5 y 6 de diciembre 2009
Sábado 17h. y domingo / 12h.30
Infantil: Niñas y niños desde 3 años
Historia de Yuco la niña que perdió la canción de su abuela
Cuentos y canciones para voz, guitarra, contrabajo y castañuelas
Una mañana Yuco se despertó y notó algo extraño.
Intentó tararear la canción que le cantaba su abuela cuando era muy pequeña pero no pudo. Lo intentó y lo intentó y nada:
se le había olvidado.
Se puso muy triste y se lo contó a su amigo el contrabajo.
Éste le dijo: “Si la canción ha salido de tu cabeza, tiene que haber ido a algún lado.
¡Así que vamos a buscarla!”.
La guitarra y las castañuelas se les unieron en su viaje y salieron los cuatro a buscar la canción de la abuela.
Cantacuentos:
La soprano: Marina Bollaín, y el guitarrista y contrabajista: Pablo Navarro van cantando y contando la historia de Yuco, la niña que perdió la canción de su abuela.
En compañia de sus amigos la guitarra, las castañuelas y el contrabajo, Yuco emprenderá un viaje lleno de aventuras para encontrarla.
Canciones infantiles y populares como “Los cuatro muleros”, “La Tarara”, “Estaba la pastora”, “Arrollo claro”, etc... jalonarán el viaje de Yuco.
Un espectáculo sencillo y entrañable que enseña a los niños las canciones de toda la vida.
Así, entre todos, conseguiremos que Yuco no olvide las canciones de Su abuela.
Marina Bollaín nace en Madrid, donde estudia canto y germanística. En el año 1993 se traslada a vivir a Berlín donde concluye
sus estudios de canto y de dirección escénica de ópera.
Canta como artista invitada en distintos teatros alemanes y realiza numerosos conciertos en Alemania y España así como para las embajadas españolas en Guinea Ecuatorial, Serbia, Camerún, Costa de Marfil, Etiopía y Líbano, entre otros. Su repertorio hace especial hincapié en la música española y ha grabado tres discos compactos con canciones de Federico García Lorca, Fernando Sor y Enrique Granados.
Ha trabajado como actriz en distintas producciones cinematográficas y para televisión en Madrid y Sevilla (Premio a la mejor actriz en el Festival de Cine de Gijón en 1992) y ha sido profesora de danza. En los últimos años se ha dedicado, paralelamente a su actividad como cantante, a la dramaturgia y dirección de escena. Fue becaria en la Academia de España en Roma en 1999 y ha recibido diferentes becas del Ministerio de Cultura para estudiar dirección de escena en Berlín durante años 2000 a 2003. Ha realizado la dirección de escena de la zarzuelas La Verbena de la Paloma” y “Adios Julián”, ha creado y dirigido Harragas” sobre la inmigración marroquí en España y ha escrito el libreto y realizado la puesta en escena de la ópera de cámara “Cuerpos Deshabitados” con música de José María Sánchez-Verdú, y de “Canciones Españolas” con repertorio de Manuel de Falla y Federico García Lorca.
Pablo Navarro comienza muy pronto sus estudios de guitarra clásica en el Conservatorio Superior de Madrid.
Despues de estudiar seis años guitarra clásica, comienza a estudiar contrabajo, terminando la carrera con el título de Profesor Superior de contrabajo en el Conservatorio Superior de Madrid.
Amplía su formación en Cuba con el maestro de contrabajo Cachao.
Ha grabado y colaborado con músicos de los más diferentes géneros: flamenco con José el Francés, El Negri, Lolita y Los Panchos, entre otros; Jazz con Natalia Dicenta y Joshua Edelman; Rock con Josele Santiago y Marlango.
Forma parte del grupo Racalmuto y la orquesta de Mastretta.
Tambien ha tocado con el guitarrista cubano Cotan y ha trabajado con los grupos de teatro Dagoll Dagom y la compañía Animalario. |
LA.Otra compañía (Canarias) / Danza
» Del 27 al 29 de noviembre 2009
Viernes a domingo / 20h.30
Encontrar “it”, pronombre inglés que posee un significado propio e indefinible y que en español se traduce como “ello” o “eso”, ha sido y es el gran motivo de búsqueda del ser humano.
La misma búsqueda que ha encontrado la fe y la razón, la sabiduría y la conciencia, la salud y la enfermedad, el odio y la tolerancia, la guerra y la no guerra…
Danza en diciembre 2009
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Todo Oídos: concierto para una escucha activa
Cía. Neopercusión (Valencia) / Música
» 1 de diciembre, martes / 20h.30
Interpretaremos Anatomía de una marcha militar de Alberto Bernal para tres percusionistas
Los comentarios correran a cargo del propio compositor. Invitaremos luego a un vinito a los que vengan.
Danza en diciembre 2009
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Historia de Yuco, la niña que perdió una canción
Cía. De Marina Bollaín (Madrid) / Danza
» 5 y 6 de diciembre 2009
Sábado 17h. y domingo / 12h.30
Infantil: Niñas y niños desde 3 años
Una mañana Yuco se despertó y notó algo extraño.
Intentó tararear la canción que le cantaba su abuela cuando era muy pequeña pero no pudo. Lo intentó y lo intentó y nada:
se le había olvidado.
Danza en diciembre 2009
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What Does It Make You Feel?
Cía. Projects in Movement (Israel/Madrid) / Danza
Programa doble: “Q Project” y “Beyond”
» Del 10 al 12 de diciembre 2009
De jueves a sábado / 20h.30
Tenía que hacerlo justo en ese momento,
sabía cuál era la señal.
Los caminos estaban a punto de cruzarse,
y de repente… todo parecía más desconocido.
Dudé por un instante,
pero dejé que se acercara.
Cerré los ojo y cuando los volví a abrir,
todo había cambiado.
Era mi "Q" para actuar.
Danza en diciembre 2009
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Cía. Projects in Movement (Israel/Madrid) / Danza
Programa doble: “Q Project” y “Beyond”
» Del 10 al 12 de diciembre 2009
De jueves a sábado / 20h.30
Tenía que hacerlo justo en ese momento,
sabía cuál era la señal.
Los caminos estaban a punto de cruzarse,
y de repente… todo parecía más desconocido.
Dudé por un instante,
pero dejé que se acercara.
Cerré los ojo y cuando los volví a abrir,
todo había cambiado.
Era mi "Q" para actuar.
Danza en diciembre 2009
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Plot
Cía. Claudia Faci e invitados (Andalucía / Madrid) / Danza
» 17 de diciembre jueves / 20h.30 director invitado Mateo Feijoo
»18 de diciembre viernes / »20h.30 director invitado Martín Vahamonde
»19 de diciembre sábado / 20h.30 director invitado Carlos Fernández
»20 de diciembre domingo / 20h.30 director invitado Óscar Villegas
Plot: ardid – argumento - complot – conjura – conspiración – intriga – parcela –solar – terreno - trama - trazar
Cuatro directores han sido invitados a participar en esta propuesta en la que, cada uno de los días programados, se pondrá en escena el primer ensayo de la idea que cada uno de ellos quiera materializar.
Danza en diciembre 2009
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Exposición:
"Meter la pata", Álvaro Basagoiti Plá-Font
Inauguración 26 de diciembre 2009 / 20h.
Hasta el 8 de diciembre 2010 en el Hall de Teatro Pradillo de Madrid
Desmadre teatro presenta:
Inversamente proporcional
Tomás Pozzi
4 de diciembre / 22h.
Teatro Pradillo
Ciclo El Único
Nena . . . nena . . . . escucha lo que dice mama . . . ¿Ves esta herida que tengo acá, la ves? Es una herida profunda, habla de cosas reales e irreales también. ¿Te la muestro? Mirá, ves? Es la marca que se hace entre hermanos, como mordiscones, como una... la tapo porque tengo miedo que sea antes de tiempo y el cuerpo se elevaría a dos metros del suelo y se haría humo verde como una barca que se va . . . me escuchas . . . SORDAAAAA . . . tullida emocional . . . AYYYYYYY perdona . . . no Estoy bien sin beber alcohol. Estoy muy tranquila, no pienso
chupar… que traigan todas las aves de corral, quiero verlas pasar un instante frente a mi ventana. Traigan a los gallos pigmeos, los pollitos, las batarazas, los gansos, los zodapes, todo traigan. Depués traigan los carruajes, que se aniden los escorpiones sobre los terciopelos embarrados.
Saquen todas las montañas del horizonte, todas. Quiero pampas y pongan un mar, un mar pero chiquito, tampoco un mar gigante llenos de aletas que sobresalen de la espuma. El mar trae bichos como las enredaderas y se llenan todas con sombrillas y pelotudos con bronceadores y paletas con la pelota adosada y todo , , , Algunas veces se que desvario . . . y caigo en un terreno baldio . . . SHHHHHHHH escuchas . . . Oigo sopolos, shhhh, si, si, soplos etéreos, sobrehumanos. Una tira de asado es el cuerpo mio. Sujetame. Sujetame con tu mano, que si el viento se mueve, ha de bambolearme . . . ves, lo ves . . . enseguida vuelo . . . me elevo . . . levo . . . . ay dios !!!!!! la TARTA . . . La muerte disfrazada de sombra, la sombra disfrazada de muerte. Siempre esa cara de orto seco que tenés. Nunca me regalaste nada, ni un caramelo ni un par de galochas me regalaste, nada, siempre esa cara de orto seco, ni una sonrisa . . . nena como te digo una co te digo la o . . . Más que un encuentro sorpresivo con un hombre, me encantaría un encuentro con una mañana. Siempre atardece, siempre es ocaso, acaso . . .
Me siento rara,. A veces cuando camino por la casa, , siento que estamos en un sueño. No puedo dormir,. No duermo. Nadie duerme. La vida no es un sueño,. Yo sé que soy superficial, e infantil. Vos has leído mucho más que yo. Has estudiado, has dado cátedras… Yo sólo vivo para escucharte ¡!!!!!!! Que decis nena? no te escucho . . . .decimelo al oido despacito . . . Hija: mama esta lúgubre manía de vivir, esta recóndita humorada de vivir, te arrastra mamá, no lo niegues. Hoy me miré en el espejo y me fué triste. Estaba sola. La luz rugía, el aire cantaba, pero mi amado no volvió. Envié mensajes, sonreí, demolí mis manos por que me dijeron que de esa manera iba a volver mi amado tan amado.
Oigo la demente sirena que le robé. El barco con barcas de espuma donde murieron mis risas. Recuerdo el último abrazo ¡no! Nada angustias. Río en el pañuelo, lloro a carcajadas, pero cierro las puertas de mi rostro para que no digan que esta mujer enamorada soy yo. Me remuerden los días, me preocupan las noches, me duele la vida tanto, tanto. Deseperada ¿a dónde vas?, deseperada mamá, nada más . . . Como seria el paisaje si nuestros corazones se abriesen como una compuerta y de alli salieran aquellas niñas que fuimos… Las dos envueltas en carcajadas, para ponernos a bailar sobre una hoja… Seca… Apenas soplada por el viento… ¡¡¡¿¿¿Qué nos paso!!!???
De min nâo posso fugir, paciência!
Cía. Tânia Carvalho (Portugal) / Danza
» 24 y 25 de noviembre 2009
Martes y miércoles / 20h.30
Festival de Otoño
La joven coreógrafa y bailarina portuguesa Tânia Carvalho (Portugal, 1976) empezó a bailar con tan sólo cinco años. Se ha formado en el Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea del Fórum Dança (Lisboa) y trabajado con Francisco Camacho, Carlota Lagido, David Miguel, Filipe Viegas y Vera Mantero, entre otros. Con De mim não posso fugir, paciência! (¡De mí no puedo huir, paciencia!) -estrenada en mayo de 2008 en BlackBox (Montemor-o-Novo, Portugal)- propone una pieza para cuatro bailarines y un pianista.
Después de espectáculos como Um privilégio característico (2002), Barulhada (2007) y Danza Ricercata (2008), Carvalho presenta esta última coreografía que toma su título de un verso de la poetisa Patricia Caldeira y sobre la que reflexiona: “El expresionismo es la tendencia del artista hacia la deformación de la realidad mediante un efecto emocional, es
una forma de arte subjetivo. Cuando empiezo una pieza de danza, me involucro con las experiencias del mundo que he acumulado en mi interior y creo una composición a partir de esto. Cada uno de nosotros ve y siente las cosas que nos rodean de manera diferente. En este sentido, cuando me sumerjo en una obra con lo que mis sensaciones y mi imaginación me sugieren, estoy distorsionando el mundo a los ojos de los otros. Lo que tenemos dentro es, en mi opinión, una forma de expresionismo para los otros. Deformamos el mundo, cada uno a nuestra manera”.
Tânia Carvalho empezó a estudiar danza clásica con cinco años. En 1991 ingresa en la Escuela Superior de Danza de Lisboa y en los años siguientes participa como alumna en distintos
seminarios y cursos de danza (Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea Forum Dança y Curso de Coreografía de la Fundación Calouste Gulbekian). Además, ha participado en
proyectos de vídeo y colaborado como actriz para Projecto Teatral. Entre sus trabajos como coreógrafa encontramos: Mulher à beira de um contrabaixo (1997), A corte (2000), Inicialmente Previsto (2000), New Tan (2001), Um privilégio característico (2002), The Best of Them All (2003), If I could stay there forever (2005), A silent explosion is not quite disturbing (2005), I walk, you sing (2006), Orquéstica (2006), A Slowness that looks like a velocity (2007), #1 Ricardo - Different movements, for different people (2007), Barulhada (2007), #2Ramiro, #3Bruna - Different movements, for different people y Danza Ricercata (2008). En 2004 es invitada como coreógrafa portuguesa a participar en el encuentro Point to Point en Tokio, en 2006 disfruta una residencia con la Company of Elders (The Place, Londres) y en 2007 es artista en residencia en La Chartruse-Centre National des Écritures du Spectable en Francia. También se ha interesado por la composición musical, interés del que han surgido los proyectos Com a voz me enganas y Trash Nynph. Es cofundadora de la asociación Bomba Suicida.
“La pieza está compuesta para que parezca que los bailarines reaccionan a lo que el pianista toca, a los sonidos Del Piano y a sus silencios. como si fueran marionetas y el pianista los manipulara.”- Tânia Carvalho
Coreografía: Tânia Carvalho
Interpretación:Tânia Carvalho, Luís Guerra, Marlene Freitas, Ricardo Vidal y Maria João Rodrigues
Música: Tânia Carvalho
Texto: Patrícia Caldeira
Iluminación: Anatol Waschke
Vestuario: Aleksandar Protich
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio)
http://teatropradillo.com
Programación de teatro infantil a partir de 2 años segundos y cuartos domingos de cada mes.
13 de Diciembre, a las 12:30 representación de "Los Tres Cerditos" de la compañía TROPOS.Entrada 5 €
Casa de la Cultura de El Escorial
Organiza: Nuevos Públicos
Teatro Pradillo presenta
Muda
Cía. Pablo Messiez / Teatro
Del 8 al 17 de enero 2010 / 20h.30
No hay función de lunes a miércoles
Con Fernanda Orazi, Marianela Pensado y Óscar Velado
Diseño de iluminación: Paloma Parra
Estreno absoluto
Después de once años de desarrollar su carrera como actor en Buenos Aires bajo las órdenes de directores como Leonor Manso, Rubén Szuchmacher o Daniel Veronese, en el año 2006 Pablo Messiez debuta como director con su espectáculo ANTES.
El montaje tuvo una excelente recepción crítica y se mantuvo en cartel durante dos años, además de haber sido seleccionado para participar del Festival Porto Alegre Em Cena de Brasil, junto con La noche canta sus canciones (obra que protagonizaba con la dirección de Daniel Veronese).
Muda es su nuevo proyecto de dramaturgia y dirección.
“Hace unos 10 años estaba en Buenos Aires pasando por uno de esos momentos en los que de repente nada parece tener sentido. Entré a una tienda de discos y me puse a escuchar uno de Ute Lemper. Era un tema en alemán. Yo no entendía la letra, pero la composición tuvo un efecto terapéutico. No recuerdo cómo pasé de estar perdido a verlo todo un poco más claro. Pero sí me acuerdo perfectamente que me compré el disco (aunque no parecía lo más sensato gastar dinero en cd’s teniendo en cuenta la precariedad del estado de mi economía de esos días) y que sabía que esa canción me había salvado.
Muda es una obra sobre el poder sanador de las ficciones.
Una muda que no podía dejar de mudarse llega por fin al sitio que buscaba: un departamento silencioso en pleno centro porteño. Su vecina de arriba y el encargado del edificio intentarán aplacar sus propias soledades a fuerza de llenarla de relatos. Cada uno irá aportando involuntariamente su ración de ficción. Los relatos propios y ajenos serán la materia que los mantendrá vivos, la que les permitirá dejar de estar solos.”
Pablo Messiez
“El mérito de Antes es, sin dudas el gran trabajo de estos tres actores que, con una ajustada dirección de Pablo Messiez, encaran una historia llena de dobleces. Se trata de un trabajo más que recomendable de Messiez, quien debuta como dramaturgo y director, y en el que también despunta su talento” -
Verónica Pagés. Diario La Nación/ 12 de Agosto de 2007
“Queda claro que Messiez (actor de La noche canta sus canciones, que acaba de estrenar Daniel Veronese, y que antes brilló en Un hombre que se ahoga, versión del mismo director de Tres hermanas, de Chejov) se tomó muchas libertades: niños encarnados por adultos y una nana negra y tuerta personificada por un hombre. Pero el desplazamiento no desentona: el flamante director se animó a más. Hacia un lateral del espacio escénico, la cocina floreada se desdibuja, desaparece y deja ver el esqueleto del escenario, las maderas, los bastidores. Así, la ficción deviene hecho escénico, verdad teatral; y algo de los muchos universos que aparecen (del elenco y de los personajes) se entreteje: la necesidad de compartir, de establecer algún tipo de comunión para no sentirse tan solos.” - Carolina Prieto. Página 12/ 20 de junio de 2008
“Esta opera prima de Messiez es de tal belleza que brilla aun de ternura en su melancolía” - Lucho Bordegaray. Revista Llegás/ septiembre 2007
“Antes, primero y prometedor primer trabajo de Pablo Messiez, imita la productiva liturgia de jugar, fabular posturas e imposturas, códigos y lenguajes.” - Luis Masas/ Revista Veintitrés/ 20 de septiembre de 2007
“Para lograr la simpleza, la emotividad y la brillantez citadas, fueron necesarias la adaptación y dirección sensible e inteligente de Pablo Messiez” - Gabriel Peralta. Crítica Teatral/ 17 de Agosto de 2007.
“Pablo Messiez se tropezó con Verdad tropical de Caetano Veloso y como suele suceder con las buenas escrituras -y con las lecturas atentas, hambrientas- ese texto le abrió puertas. Algunas ya conocidas y otras totalmente nuevas, como la obra de Carson McCullers: aire para respirar según el autor de Antes, y musa de la pieza que acaba de estrenar. Con mucho acierto, el autor y director armó una pieza sencilla en su estructura y corta en su duración, que cuenta una misma historia desde diferentes focalizaciones y en donde juega con el coqueteo entre la realidad y la ficción dándose -de paso- el gusto de hablar del también del teatro.” - Silvia Sánchez. Mundo Teatral/ 17 de Julio de 2007
Jerk
Cía. Gisèle Vienne / Dennis Cooper / Jonathan Capdevielle (Francia) / Teatro
» Del 17 al 20 de noviembre 2009
De martes a viernes / 20h.30
Jerk es la cuarta obra de la directora, coreógrafa, intérprete y artista visual Gisèle Vienne en colaboración con el polémicoescritor norteamericano Dennis Cooper (autor de, entre otros libros, Contacto, Cacheo, Tentativa, Guía o Chaperos).
Tras I Apologize (2004), Une belle enfant blonde (2005) y Kindertotenlieder (2007), este “solo para titiritero” continúa poniendo a prueba los vínculos entre realidad y fantasía.
Gisèle Vienne, Dennis Cooper y Jonathan Capdevielle suben al escenario una reconstrucción imaginaria -extraña, poética, divertida y lúgubre- de los crímenes perpetrados por el asesino en serie Dean Corll que, con la ayuda de los adolescentes David Brooks y Wayne Henley, mató a más de veinte niños en el estado de Texas a mediados de los años 70.
David Brooks cumple cadena perpetua. En prisión aprende el arte de los títeres y, en una función para una clase de estudiantes de psicología, reconstruye los asesinatos cometidos por Corll. Siguiendo la tradición del género, los títeres de guante sirven aquí para representar temas ilícitos y violentos. Precisamente la violencia y el humor del texto convierten
a Jerk en una pieza llena de fiereza que mezcla sin reparos sexualidad y estética gore. El aparente realismo del espectáculo, la narración lineal y la historia verdadera de la que parte consiguen, paradójicamente, sumir al público en una atmósfera de irrealidad y extrañamiento. El titiritero, embaucador y farsante, se identifica totalmente con el personaje
de David Brooks...
Jerk se estrenó en el Festival Antipodes en el año 2008.
Gisèle Vienne nació en 1976 y actualmente vive y trabaja entre Grenoble y París. Tras licenciarse en Filosofía, estudió el arte de los títeres en la Ecole Supérieure Nationale des Arts de
la Marionnette entre 1996 y 1999.
Ha coreografiado y llevado a escena Splendid’s, de Jean Genet en el año 2000; ShowRoom-Dummies en el 2001; Stéréotypie en el 2003; y Tranen Veinzen en el 2004, junto a Etienne
Bideau-Rey.
Desde 2004 ha coreografiado y dirigido I Apologize y Une belle enfant blonde/ A young, beautiful blond girl (2005), Kindertotenlieder (2007) y Jerk (en su versión radiofónica dentro del
contexto del taller de creación de radio de France Culture y en su versión teatral).
También ha realizado una creación titulada Eternal Idol con un patinador sobre hielo y un actor, en febrero de 2009. Ha trabajado con Etienne Bideau-Rey en Showroomdummies para
su recreación en febrero de este año.
Junto a Etienne Bideau-Rey ha escrito Corps/Objet – Sur le rapport du corps au corps artificial,
publicado por el Centre Chorégraphique National de Grenoble.
A partir de una novela de Dennis Cooper
Dirección: Gisèle Vienne
Dramaturgia: Dennis Cooper
Música: Peter Rehberg
(Música Original) y El Mundo Frío De Corrupted
Iluminación: Patrick Riou
Interpretado y creado en Colaboración con: Jonathan Capdevielle
Voces Grabadas: César Bernard y José Enrique Oña Selfa
Estilismo: Stephen O’malley y Jean-Luc Verna
Títeres: Gisèle Vienne Y Dorothéa Vienne Pollak
Maquillaje: Jean-Luc Verna y Rebecca Flores
Vestuario: Dorothéa
Vienne Pollak, Marino Marchand Y Babeth Martin
Profesor De Ventriloquia: Michel Dejeneffe
Ensayos En Español en colaboración con: Pierre Dourthe y Luisma Soriano
Traducción Al Español: Javier Calvo
Estreno En Madrid
Foto: Alain Monot
Idioma: español
Duración aproximada: 55 minutos (sin intermedio)
De min nâo posso fugir, paciência!
Cía. Tânia Carvalho (Portugal) / Danza
» 24 y 25 de noviembre 2009
Martes y miércoles / 20h.30
La joven coreógrafa y bailarina portuguesa Tânia Carvalho (Portugal, 1976) empezó a bailar con tan sólo cinco años. Se ha formado en el Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea del Fórum Dança (Lisboa) y trabajado con Francisco Camacho, Carlota Lagido, David Miguel, Filipe Viegas y Vera Mantero, entre otros. Con De mim não posso fugir, paciência! (¡De mí no puedo huir, paciencia!) -estrenada en mayo de 2008 en BlackBox (Montemor-o-Novo, Portugal)- propone una pieza para cuatro bailarines y un pianista.
Después de espectáculos como Um privilégio característico (2002), Barulhada (2007) y Danza Ricercata (2008), Carvalho presenta esta última coreografía que toma su título de un verso de la poetisa Patricia Caldeira y sobre la que reflexiona: “El expresionismo es la tendencia del artista hacia la deformación de la realidad mediante un efecto emocional, es
una forma de arte subjetivo. Cuando empiezo una pieza de danza, me involucro con las experiencias del mundo que he acumulado en mi interior y creo una composición a partir de esto. Cada uno de nosotros ve y siente las cosas que nos rodean de manera diferente. En este sentido, cuando me sumerjo en una obra con lo que mis sensaciones y mi imaginación me sugieren, estoy distorsionando el mundo a los ojos de los otros. Lo que tenemos dentro es, en mi opinión, una forma de expresionismo para los otros. Deformamos el mundo, cada uno a nuestra manera”.
Tânia Carvalho empezó a estudiar danza clásica con cinco años. En 1991 ingresa en la Escuela Superior de Danza de Lisboa y en los años siguientes participa como alumna en distintos
seminarios y cursos de danza (Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea Forum Dança y Curso de Coreografía de la Fundación Calouste Gulbekian). Además, ha participado en
proyectos de vídeo y colaborado como actriz para Projecto Teatral. Entre sus trabajos como coreógrafa encontramos: Mulher à beira de um contrabaixo (1997), A corte (2000), Inicialmente Previsto (2000), New Tan (2001), Um privilégio característico (2002), The Best of Them All (2003), If I could stay there forever (2005), A silent explosion is not quite disturbing (2005), I walk, you sing (2006), Orquéstica (2006), A Slowness that looks like a velocity (2007), #1 Ricardo - Different movements, for different people (2007), Barulhada (2007), #2Ramiro, #3Bruna - Different movements, for different people y Danza Ricercata (2008). En 2004 es invitada como coreógrafa portuguesa a participar en el encuentro Point to Point en Tokio, en 2006 disfruta una residencia con la Company of Elders (The Place, Londres) y en 2007 es artista en residencia en La Chartruse-Centre National des Écritures du Spectable en Francia. También se ha interesado por la composición musical, interés del que han surgido los proyectos Com a voz me enganas y Trash Nynph. Es cofundadora de la asociación Bomba Suicida.
“La pieza está compuesta para que parezca que los bailarines reaccionan a lo que el pianista toca, a los sonidos Del Piano y a sus silencios. como si fueran marionetas y el pianista los manipulara.”- Tânia Carvalho
Coreografía: Tânia Carvalho
Interpretación:Tânia Carvalho, Luís Guerra, Marlene Freitas, Ricardo Vidal y Maria João Rodrigues
Música: Tânia Carvalho
Texto: Patrícia Caldeira
Iluminación: Anatol Waschke
Vestuario: Aleksandar Protich
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio)
Cía. Tânia Carvalho (Portugal) / Danza
» 24 y 25 de noviembre 2009
Martes y miércoles / 20h.30
La joven coreógrafa y bailarina portuguesa Tânia Carvalho (Portugal, 1976) empezó a bailar con tan sólo cinco años. Se ha formado en el Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea del Fórum Dança (Lisboa) y trabajado con Francisco Camacho, Carlota Lagido, David Miguel, Filipe Viegas y Vera Mantero, entre otros. Con De mim não posso fugir, paciência! (¡De mí no puedo huir, paciencia!) -estrenada en mayo de 2008 en BlackBox (Montemor-o-Novo, Portugal)- propone una pieza para cuatro bailarines y un pianista.
Después de espectáculos como Um privilégio característico (2002), Barulhada (2007) y Danza Ricercata (2008), Carvalho presenta esta última coreografía que toma su título de un verso de la poetisa Patricia Caldeira y sobre la que reflexiona: “El expresionismo es la tendencia del artista hacia la deformación de la realidad mediante un efecto emocional, es
una forma de arte subjetivo. Cuando empiezo una pieza de danza, me involucro con las experiencias del mundo que he acumulado en mi interior y creo una composición a partir de esto. Cada uno de nosotros ve y siente las cosas que nos rodean de manera diferente. En este sentido, cuando me sumerjo en una obra con lo que mis sensaciones y mi imaginación me sugieren, estoy distorsionando el mundo a los ojos de los otros. Lo que tenemos dentro es, en mi opinión, una forma de expresionismo para los otros. Deformamos el mundo, cada uno a nuestra manera”.
Tânia Carvalho empezó a estudiar danza clásica con cinco años. En 1991 ingresa en la Escuela Superior de Danza de Lisboa y en los años siguientes participa como alumna en distintos
seminarios y cursos de danza (Curso de Intérpretes de Danza Contemporánea Forum Dança y Curso de Coreografía de la Fundación Calouste Gulbekian). Además, ha participado en
proyectos de vídeo y colaborado como actriz para Projecto Teatral. Entre sus trabajos como coreógrafa encontramos: Mulher à beira de um contrabaixo (1997), A corte (2000), Inicialmente Previsto (2000), New Tan (2001), Um privilégio característico (2002), The Best of Them All (2003), If I could stay there forever (2005), A silent explosion is not quite disturbing (2005), I walk, you sing (2006), Orquéstica (2006), A Slowness that looks like a velocity (2007), #1 Ricardo - Different movements, for different people (2007), Barulhada (2007), #2Ramiro, #3Bruna - Different movements, for different people y Danza Ricercata (2008). En 2004 es invitada como coreógrafa portuguesa a participar en el encuentro Point to Point en Tokio, en 2006 disfruta una residencia con la Company of Elders (The Place, Londres) y en 2007 es artista en residencia en La Chartruse-Centre National des Écritures du Spectable en Francia. También se ha interesado por la composición musical, interés del que han surgido los proyectos Com a voz me enganas y Trash Nynph. Es cofundadora de la asociación Bomba Suicida.
“La pieza está compuesta para que parezca que los bailarines reaccionan a lo que el pianista toca, a los sonidos Del Piano y a sus silencios. como si fueran marionetas y el pianista los manipulara.”- Tânia Carvalho
Coreografía: Tânia Carvalho
Interpretación:Tânia Carvalho, Luís Guerra, Marlene Freitas, Ricardo Vidal y Maria João Rodrigues
Música: Tânia Carvalho
Texto: Patrícia Caldeira
Iluminación: Anatol Waschke
Vestuario: Aleksandar Protich
Estreno en Madrid
Duración aproximada: 45 minutos (sin intermedio)
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