Artez: La Más Bella propone al público entrar en el interior de una revista editorial

MIÉRCOLES, 16 DE MARZO DE 2011 15:36 ARTEZBLAI

El colectivo de arte madrileño La Más Bella se adueñará del Teatro Pradillo del 13 al 15 de mayo para ofrecer al público 'REVISTA. Un espectáculo editorial de La Más Bella', una propuesta multidisciplinar en la que Pepe Murciego y Diego Ortiz proponen una reflexión sobre la creación escénica, lo objetual, el arte contemporáneo de creación in situ. REVISTA es muchas cosas. Entre ellas, hacer una revista. Eso es a lo que La Más Bella se dedica desde el año 1993. A hacer una revista de arte contemporáneo, con sus colaboraciones, su portada y su precio de venta al público, pero también con muchas preguntas: ¿qué es una revista, cómo debe ser, tienen que ser todas iguales o pueden ser todas distintas? Además, La Más Bella ha venido haciéndose preguntas que son un poco menos usuales en este gremio, por ejemplo: ¿Cuánto ocupa una revista? Y ¿cuánto dura? ¿Se puede entrar dentro de una revista, pasear por ella, verla, leerla y escucharla a la vez? Después de las dos primeras entregas de REVISTA. Un espectáculo editorial de La Más Bella en ARCOmadrid_2011 y en EDITA 2011 en Punta Umbría (Huelva), se desvelará la tercera en el Teatro Pradillo en mayo. En este proyecto, el colectivo va a desplegar la edición de una revista dentro del teatro, tanto en el escenario como en la entrada, los pasillos, el patio de butacas, el bar o los camerinos. Algunos espacios cercanos al teatro acogerán también páginas de la edición: máquinas expendedoras distribuirán poemas en los bares del barrio, por ejemplo.

Son las páginas de una revista lo que los asistentes van a disfrutar. Algunas serán más o menos escénicas, pero otras serán simplemente visuales, olfativas, performáticas, y tal vez otras sean simple papel impreso que, conveniente colocado y ordenado, componen una revista que sólo puede ser saboreada en ese espacio y en ese momento. Una revista de variedades, pero de variedades editoriales.

Muchas de las páginas que se estén desplegando en vivo en el Teatro Pradillo estarán protagonizadas por colaboradores que in situ actuarán o completarán con su presencia la colaboración editorial. Artistas y colectivos como Left Hand Rotation, MMMM..., Daniel Charquero, María Salgado entre otros participan en la edición La Más Bella REVISTA, y alguno de ellos está elaborando una colaboración que tendrá una extensión escénica en el Teatro Pradillo.

Formalmente La Más Bella es una revista ensamblada, un compendio de colaboraciones de formatos y naturaleza variada. Al final de la función, el espectador se llevará a casa, bajo el brazo, su ejemplar de la Revista La Más Bella REVISTA, ensamblada por una cadena de montaje abierta a los colaboradores, amigos, conocidos, transeúntes...

Nacida en 1993 y formada por Pepe Murciego y Diego Ortiz, La Más Bella ha publicado cerca de 30 ediciones, contando con cerca de 600 colaboradores del ámbito artístico y cultural español. Además de los contenidos, La Más Bella ha querido ser siempre un producto experimental en su formato y apariencia externa, acercándose a la idea de revista ensamblada o libro objeto que han cultivado muchos artistas y colectivos a lo largo del siglo XX.

La Más Bella es un proyecto de reflexión, acción y experimentación en el mundo de la edición de arte contemporáneo, que impulsa y realiza proyectos artísticos específicamente pensados para ser editados por canales y métodos alternativos al mundo editorial convencional.

Taller de teatro: Actor- Libertad-Creación por Lautaro Perotti

Actor- Libertad-Creación

Taller de teatro impartido por Lautaro Perotti.
Del 15 al 17 de junio 2011.
De miércoles a viernes de 11h. a 15h.Precio: 100 €
Reserva tu plaza escribiendo a info@teatropradillo.com

Muchas veces, aún en el momento profesional, el actor se encuentra en la situación de no poder escapar a moldes y formas en su trabajo. Autolimitando su libertad creativa, termina apostando a fórmulas conocidas, aferrándose a lo seguro y alejándose de lo nuevo, del vértigo de lo desconocido y del verdadero trabajo creativo del actor. Dándole una preponderancia mayor a trabajo intelectual, y abandonando el cuerpo como verdadero instrumento creativo.

El enemigo mayor para un actor es la actuación si esta se ubica por delante de la propia acción del personaje. La enorme y sutil diferencia entre actuar y accionar, entre estar y mostrar. Representar un pensamiento o una emoción o lograr un verdadero proceso de pensamiento que produzca una emoción genuina nacida en el aquí y ahora.

La idea entonces es apostar por un actor independiente con capacidad de propuestas, de poner en juego todo su creatividad y poseer herramientas para hacerlas efectivas, y también incorporar las propuestas de los compañeros y del director y transformarlas en motores propios que enriquezcan su trabajo.

Lautaro Perotti
Egreso de la Escuela Labarden, con especialización en actuación. se formó en la escuela de actuación de alejandra boero y en los talleres de entrenamiento actoral para profesionales de Juan Carlos Gene. Estudió además canto, acrobacia, zancos, mimo y artes plásticas. Sus últimos trabajos en teatro son: El viento en un violín (de Claudio Tolcachir), La omisión de la familia Coleman (de Claudio Tolcachir, premio Trinidad Guevara al mejor actor), Lisístrata (dirección Claudio Tolcachir),Jamón del diablo, Cabaret (dirección Claudio Tolcachir), La maraña (dirección Claudio Tolcachir), La Flor de Lirolay (dirección Lautaro Perotti), Feve (dirección Paula Ransberg), Orfeo y Eurídice (dirección Claudio Tolcachir), La comedia de las equivocaciones (dirección Sergio Amigo), Chau Misterix (dirección Claudio Tolcachir) y El organito (dirección María Bertuchelli).

Sus trabajos como director son: Porque todo sucedió en el baño (autor y director) y La flor del Lirolay (director).
En cine trabajo en Por tu culpa (Anahi Berneri), El pasado (Héctor Babenco), Las manos (Alejandro Doria) y Fuga de cerebros (Fernando Mussa).

Su experiencia docente: se desempeña en el teatro Timbre 4,como coordinador de la escuela y dictando talleres de formación actoral. También a dictado talleres de actuación en la escuela de teatro Arte 4 (Madrid) y en el Teatro Español (Madrid).

Germen y futuro de un bailarín

EL PAÍS MADRID CRÍTICA: DANZA LIMITS
ROGER SALAS - Madrid - 08/04/2011

Reconforta encontrar el talento de un bailarín-coreógrafo, algo que escasea en su manifestación más vertical. Aparecen voces asociadas al teatro del gesto o a otras corrientes, pero la primera impresión que se tiene con este debutante de lujo es que se trata de un artista de danza contemporánea al que le interesa la danza misma, la génesis del movimiento, la enjundia que alberga una arriesgada proposición que pasa de lo decente a lo enervante.

Manuel Rodríguez es original en lo que hace y parte de una formación bastante limitada. Eso se ve, pero no es pretencioso en lo absoluto, como si conociera su cuerpo muy bien y la asunción de ese diapasón le liberara de demostraciones a ultranza. Lo interesante es, entre otras cosas, cómo supera sus carencias a base de trabajo disciplinar, de soluciones escénicas.

Con un físico particular, casi gótico, longuísimo en la línea (brazos como aspas, interminables, con piernas a juego), se crece por su voluntad modular, con lo que simula la estructura del espectáculo, a todas luces revisable (y debe hacerlo) si se somete a un análisis del movimiento más a fondo donde además del espejo interviene el cálculo.

El universo monologar hace de péndulo desde la dispersión a la concentración, con una presentación en riguroso altorrelieve de contraste en la que se ve ayudado académicamente por las luces cenitales y rasantes, procesando unas formas que tienen, en su dinámica, algo de escultórico.

Ese discurso poco distanciado de sí mismo es otro factor bisoño, parte del proceso en marcha, otra de sus fases alentadoras. Limits se abre con una diagonal muy forzada en su equilibrio inestable (piénsese en el uso que da William Forsythe a este término como figuración) dibujando una mímica hosca y agonista que va revelando al espectador el discurso, las líneas casi siempre rectas y truncadas por mor de un efecto de distorsión voluntarioso no exento de ironía y donde no hay ni una mínima gota de humor; se llega a respirar trabajosamente un tono dramático.

Ese discurso obtura en posicionamientos que sirven de tránsito, y de allí esa fluidez extenuante del material que no acaba y es reiniciado en canon aleatorio, lo que no es una contradicción, sino el feliz boceto de un estilo, los roces de una estética, y por eso podemos hablar de descubrimiento, bien entendido que esa explotación de sus proporciones físicas, como acto de taller, ha sufrido un pulimento adecuado hacia la obra consumada de baile.

El trabajo de suelo de Rodríguez evoca sin estridencia su pasado break, lo matiza tanto que muy intencionadamente se vuelve formalista, circula por el fraseado con gravedad y llega a sus brazos, sinuosos fugazmente, expresivos, para volver a entrar en el discurso facetado, de aristas. El suelo se percibe como un enemigo del que se quiere separar.

El bailarín aparece impecablemente vestido por David Delfín. Hay un uso del color intencionado, brutal, como foco dinamizador al que se regresa tras un intento de liberación ambiciosa en el espacio. El bailarín reta ilusoriamente la planimetría disponible sin descomponerse, estilizando su obseso continuo como un ritual que aún en su frialdad geométrica rezuma cierto hedonismo. No se da tregua, pero se contempla. El tiempo se va volando y eso es muy buen signo también hasta que se llega al decisivo bloque final donde reafirma lo mucho que le queda por decir.

Mayores de 65 años

Mayores de 65 años: Tu entrada por 3 €. 
Oferta válida para todas las funciones del 2011 según disponibilidad de plazas y sujeta a cambios.

El Festival de Otoño en Primavera pasa por el Teatro Pradillo

El Festival de Otoño en Primavera pasa por el Teatro Pradillo

Con motivo de la XXVIII edición del Festival de Otoño en Primavera, el Teatro Pradillo de Madrid acoge dos obras, ambas en estreno absoluto.

Arranca el 11 de mayo la nueva edición del Festival de Otoño en Primavera, cuya programación consta de 32 espectáculos de teatro, danza, música, circo… Cuatro son estrenos absolutos y dos de ellos serán presentados en el Teatro Pradillo en los meses de mayo y junio.

Al menos dos caras es la nueva pieza de la compañía Projects in Movement, dirigida por el prometedor bailarín y coreógrafo israelí Sharon Fridman. “Los objetivos principales de nuestro trabajo, dice Fridman, son la investigación, el aprendizaje y el desarrollo del lenguaje físico y, mediante esta búsqueda, la creación de un espacio virtual donde el público puede ver, sentir e imaginar”. Al menos dos caras es una obra para dos bailarines (el propio Sharon Fridman y Arthur Bernard Basin, ganador de los galardones Málaga Crea e Injuve 2009) y un actor, que se buscó activamente a través de las redes sociales.

Projects in Movement es un grupo de danza contemporánea formado en el año 2007 y afincado en Madrid cuyos trabajos han traspasado nuestras fronteras y han podido verse en países como Italia o Reino Unido. En septiembre de 2010, la compañía fue invitada a disfrutar de una residencia artística en el Centro Coreográfico La Gomera, donde desarrolló el espectáculo que presentará en el Teatro Pradillo del 27 al 29 de mayo.

La Compañía Lautaro Perotti propone, por su parte, Algo de ruido hace de la autora argentina Romina Paula. En escena, Eloy Azorín, Santi Marín y Fernanda Orazi se enfrentan al viento constante y al otoño de un pequeño pueblo costero. Dos hermanos que a veces parecen ser uno solo, verán alterada su rutina con la llegada de una prima que busca su lugar en el mundo. La suma de pequeñeces, dolores y silencios, la necesidad de olvidar, de no olvidar, la lucha constante por seguir adelante y la apabullante soledad impulsarán a los tres personajes a través de una compleja trama de enfrentamientos y alianzas, en la que se presienten peligros escondidos e inesperados desenlaces. Porque hay cosas que son posibles, y otras que no.

Esta obra se podrá ver durante el Festival de Otoño en Primavera del 1 al 3 de junio y se prolongará del 9 al 26 de junio, de jueves a domingo.

Notodo.com premia a Muda de Pablo Messiez

Premio del Jurado al Mejor Montaje Teatral: Muda, de Pablo Messiez, en el Teatro Pradillo de Madrid. 

"El sencillo y eficaz planteamiento del director argentino Pablo Messiez basa la potencialidad vívida (de palabras y de silencio, de realidad y de ficción) de un discurso extra-teatral gracias a una focalización actoral y textual (excelentes, en ambos casos) y hurga así en el daño compartido y en la única verdad que gobierna la condición de los personajes, acaso de todos nosotros: la de la soledad."


Finalistas: Coses que dèiem avui, de Neil LaBute, en la Sala Beckett de Barcelona; Del maravilloso mundo de los animales: el cordero, deDaniel Veronese en el Teatro Español de Madrid; La última cena, de Ignacio Amestoy, en el Teatro Guindalera de Madrid; y Todos eran mis hijos, de Arthur Miller, en el Teatro Español de Madrid.

Vía Artez.

Bienvenidos al archivo del Teatro Pradillo

Poco a poco, a modo de beta, iremos subiendo gran parte del amplísimo material en texto, imágenes, vídeo que es la memoria de la sala Pradillo, una eslabón más de la memoria del teatro contemporáneo de este país.

Desde el año 1990 hasta hoy: John Cage, Peter Brook, Rodrigo García, Antonio Fernández Lera, Mónica Valenciano, La Ribot, Carlos Marquerie, … por mencionar algunos nombres, y dentro de la comunidad de usuarios libre teatron.com. Cómo tiene que ser.

Compartir es ayudar a construir la memoria colectiva.

http://tea-tron.com/archivopradillo

Teatro Pradillo "estamos en un momento en que no tienes derecho a la pataleta, y es lo peor que puede haber"

Salas alternativas: entrevista a Juan Muñoz y David Rodríguez
Publicado el Miércoles 16 de marzo de 2011, a las 12:32

Julio Castro – laRepúblicaCultural.es - Una alternativa al teatro, las salas de pequeño formato

Es una compañía, como en otras salas alternativas, la que impulsa en su momento la creación de la Pradillo. En este caso fue La Tartana, que con un perfil peculiar, comparada con otras, lleva más de 30 años bregando en el panorama escénico español, sometida a distintos cambios y adaptaciones con los tiempos, pero a partir de sus montajes de títeres para todos los públicos, para niñ@s o para adultos.

Uno de los creadores de la compañía y de los impulsores iniciales de la sala Pradillo, Juan Muñoz, es el actual Director Gerente. Sigue ahí al pie del cañón, codo con codo con las otras salas alternativas de Madrid, pero también con las compañías a las que ofrecen espacio en su escenario, y con compañer@s y trabajador@s de la propia sala.

Su planificación de la programación tiene las especificidades que definen este espacio, y de ella que nos habla junto a David Rodriguez, responsable junto a Juan, de la programación y también de comunicación de la sala.

Hay algunas cuestiones principales en el espacio de Pradillo: la primera es la variedad y diversidad que ofrecen en su programación, aunque algunos ciclos se programen periódicamente. La segunda es una especial intensidad en la programación de danza, apostando por el crecimiento y difusión de un género que apenas ha tenido posibilidades en el panorama escénico quitando lo más comercial o los grandes espectáculos. También hay que señalar un gran énfasis en la programación dirigida a niñ@s, jóvenes o a público en general, con propuestas muy variadas en las que abundan buenas producciones, interesantes en su contenido, en lo formal y en su puesta en escena.

Además de sus actividades habituales, de vez en cuando uno puede encontrarse con presentaciones literarias, o con tertulias poéticas como la que parece que arranca en estos días, e incluso algún pequeño concierto, que se podrán acompañar con un café o unas cervezas tranquilamente. Quiero destacar que la actividad de sus habitantes, igual que en muchos otros espacios de estas pequeñas salas alternativas madrileñas, es la que corresponde a seres muy inquietos, a la búsqueda de algo que haga a la gente tener un criterio, una postura un desarrollo personal a través del hecho cultural. Por eso David no tarda en responder claramente “la cuestión es que la cultura tiene que emanar de la gente y si seguimos comprando o pagando el servicio a alguien, nos convertimos en especuladores, que es lo que está pasando: que en el barrio más degradado de Madrid tienes el Centro Dramático Nacional, la Casa Encendida, el Circo Price…, como si con poner esos teatros hubieran arreglado el barrio. Es un pelotazo”. Y en este sentido, Juan redunda en la explicación acerca de la situación actual respecto a las Administraciones: “Me hace gracia la última frase de la presentación de Escena Contemporánea: si se puede hacer con la mitad está muy bien ¿no? Es que lo podemos hacer sin nada, pero usted también puede dejar de venir a trabajar y no cobrar, si estamos en eso, porque no veo su trabajo por ningún sitio. Creo que las Administraciones nos están influyendo demasiado, porque nos han dejado sin el poder de protestar”.

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J-17-M Recitando que es gerundio: Poesía en el Pradillo

¿ALGUNA VEZ HAS IDO A UN RECITAL DE POESÍA?
¿PIENSAS QUE LA POESÍA ES DENSA, ABURRIDA…?
¿PIENSAS QUE LA POESÍA ES SÓLO DE UN@S POCOS…?

… PUES DEBERÍAS PASARTE POR …

POESÍA EN EL PRADILLO

EMPIEZA UN NUEVO PROYECTO EN EL TEATRO PRADILLO DE MADRID, “POESÍA EN EL PRADILLO”.

UNA VEZ AL MES PODRÁS DISFRUTAR DE UN RECITAL DE POESÍA EN EL BAR DEL TEATRO.
CADA MES UN RECITAL DE POESÍA CON DIVERSOS FORMATOS, CON DIVERSOS POETAS… ¡INCLUIDAS SORPRESAS!

… y para empezar con fuerza…

ESTE MES DE MARZO, EL 17 JUEVES, A LAS 20 HORAS:
RECITAL DE POESÍA CON J.SANTOS B Y EL UJE ÑO
“Poesía musicada con varios tientos.”

(ENTRADA LIBRE)

Y AL FINAL DEL RECITAL TENDREMOS UN RATO DE “MICRO ABIERTO”:
¡SI ESCRIBES, PUEDES TRAERTE UN PAR O TRES DE TUS POEMAS PARA LEERLOS!

¡ANÍMATE, TE ESPERAMOS!

BAR DEL TEATRO PRADILLO
TEATRO PRADILLO: CALLE PRADILLO, 12 MADRID.

Desde los hielos polares llegan los Monstruos en la maleta

Un trabajo de la veterana compañía de títeres La Tartana

Monstruos en la maleta
Julio Castro – laRepúblicaCultural.es
Martes 8 de marzo de 2011

En un espacio terrestre donde los hielos polares son casi eternos (si no fuera por este calentamiento global que hemos creado y los destruye), algunas especies de la última glaciación reaparecen en sus viejas formas de pequeños monstruos peludos, cada uno de ellos con sus peculiaridades.

A partir de la llegada de dos titiriteros al escenario, se desarrollará esta pequeña historia, en la que vemos desde la construcción de buena parte de la escenografía, hasta la remodelación de la misma durante la narración. Un entorno bien creado en conjunto, con cierta sencillez que permite una portabilidad del trabajo, lo que no quita la belleza plástica del conjunto.

Lo que más destaca de esta historia es el manejo de los títeres, que permite centrarse en lo visual sin perder el hilo de la historia, porque aunque los titiriteros están a la vista, la habilidad del uso que dan a sus personajes pone el foco de atención dónde debe estar en cada momento.

Desde los títeres, hasta los distintos elementos de construcción, compuestos por piezas que encajan entre sí, y pasando por el interesante juego de movimiento de las pequeñas olas marinas más cercanas, o el efecto de las grandes olas que hacen saltar de vez en cuando, todo tiene su pequeño y gran trabajo detrás.

Los pequeños monstruos peludos, que van cambiando de color con el paso del tiempo, gruñen, protestan, se asustan, aprenden, buscan su alimento y su hábitat diferente según donde les tocó nacer, pero también se encuentran, aprenden a conocerse y relacionarse entre sí, mostrando cada uno al otro y al público, aquello que es y cómo vive: esto es lo que hay, así soy yo y, si te gusta, este es mi entorno.

En este caso me parece que se ha volcado más el interés de la compañía en la construcción y el movimiento que la propia dramaturgia, tratando de acercar a l@s niñ@s a una historia de amistad y relación entre personajes tan cercanos entre sí, como ajenos y desconocidos, por medio de la recreación de un entorno diferente.

Los monstruos llegan en la maleta de mano de los actores/manipuladores, y así se van, porque tienen que llegar rápido al tren para hacer su espectáculo en otros lugares.

Estamos ante una nueva producción de La Tartana, que de la mano de Juan Muñoz lleva varias décadas en el teatro de títeres, sea de adultos, sea dirigido a niñ@s, o sea para todos los públicos. En este caso se trata de un trabajo centrado en el público de corta edad que, como se puede observar en la sala, participa bastante activamente durante la historia (también es cierto que, algunos de los asiduos pequeños espectadores de la sala Pradillo, ya la vieron en su estreno hace unos meses, y siguen repitiendo).

Sinopsis

Dos Cuenta Cuentos se disputan el escenario para contar su propia historia. Dos huevos que son separados por los azares de una tormenta. Dos monstruos que ante la soledad en que se encuentran, deberán aprender a valerse por sí mismos. Y llegado el ansiado encuentro, deberán aprender a superar sus diferencias y de este modo alcanzar una buena convivencia.

Es nuestra historia un canto a la diversidad, que busca transmitir a l@s niñ@s la importancia de respetar la diferencia.

Sobre la compañía

Avalada por una trayectoria que supera ya los 30 años, La Tartana Teatro continúa trabajando para acercar a la infancia al mundo del títere. Adaptando cuentos clásicos en unas ocasiones y creando nuevas historias en otras, sus obras se han caracterizado por ser un vehículo perfecto para hacer llegar a l@s niñ@s valores importantes para su educación.

En este caso, Monstruos en la Maleta, supone una creación completamente original, cuyos valores fomentaran el respeto por lo diferente y la importancia de la convivencia en la vida diaria.

Buscamos que el niño se identifique con los monstruos, ya que estos tienen los mismos miedos e inquietudes que ellos. Enfrentándose a los problemas típicos de su edad.

Arranca una nueva temporada de danza contemporánea en el Teatro Pradillo

El Teatro Pradillo de Madrid propone cinco piezas de danza contemporánea, un festival para creadores emergentes y un taller del 24 de marzo hasta el 8 de mayo de 2011. Un recorrido por el trabajo de cinco coreógrafos multidisciplinares que nos proponen una reflexión profunda sobre el hecho de estar en escena.

Madrid (03/03/2011)- Esta primavera, los espectadores podrán descubrir cuatro piezas de danza contemporánea en el Teatro Pradillo, una de ella en estreno absoluto. Esta programación multidisciplinar reunirá coreografías que se basan en la mezcla de soportes. El cuerpo, el vídeo, la voz, la luz refuerzan una reflexión sobre el movimiento, la energía, las emociones y la posición del bailarín en la escena.

En Play-inmobil, de la compañía Somosquien, dos coreógrafas se preguntan ¿qué sucede si no te puedes mover? ¿Quién lo decide? ¿Y por qué? Somosquien es un colectivo de artistas con la danza como disciplina en común, abiertos a la exploración, lo multidisciplinar y la creación de redes. Se podrá ver esta pieza del 24 al 27 de marzo.

Cara pintada, el salto de la Rana y otras pequeñas historias de la compañía Janet Novás habla de la esencia, de lo real y verdadero que construye al ser humano. A través de este solo, Janet Novás quiere invitar al espectador a introducirse en la intimidad de sus formas, en la intensidad de sus gestos y en el secreto que estos ocultan. Natural de Galicia, Janet Novás se ha formado en la escuela Carmen Senra, en el Real Conservatorio Profesional de Danza (Madrid) y en diferentes escuelas de Bruselas y Berlín.

Del 7 al 10 de abril, Manuel Rodríguez bailará su pieza Limits en estreno absoluto. ¿Dónde empieza y acaba un movimiento/acción y cuándo decido “yo” hacerlo? Esa es la pregunta que se formula el coreógrafo en este recorrido espacial limitado por un cuerpo que se ve impregnado de sucesos y acontecimientos que le afectan para correr o caminar, para pararse o estremecerse. Otro punto fuerte: el vestuario a cargo del diseñador David Delfín.

La compañía Pablo Esbert Lilienfeld presentará dos piezas, “Edit” y “Play” del 28 de abril al 1 de mayo. Edit es un viaje desde un mundo matemático y mecánico a otro más animal y orgánico que termina con una instalación por la que los espectadores se pueden pasear. Play es el resultado de una investigación basada en las similitudes y diferencias entre el soporte audiovisual y el dispositivo escénico. Pablo Esbert Lilienfeld trabaja con la compañía Philippe Saire de Lausanne, SUDHUM de Madrid y Christoph Winkler de Berlín. Desarrolla una actividad paralela como músico y vive actualmente en Berlín.

Guillermo Weickert presentará en estreno Material Inflamable, solo de danza que surge de un planteamiento muy sencillo: coreografiar e interpretar una variación de movimiento que resuma y recoja de un manera lo más fiel posible el vocabulario personal del coreógrafo. Además los espectadores podrán volver a disfrutar de Decenso, Capricho que se estrenó en el Teatro Pradillo en 2004.

Dentro de esta temporada se incluirá también el festival Gracias X Favor, que da la posibilidad a coreógrafos emergentes de presentar piezas cortas al público. El 13 y el 14 de abril se presentarán Pretérito perfecto simple, de Carmen Fumero, El Amado de David León y Calvas de Joaquín Abella. El segundo programa, los 16 y 17 de abril se compondrá de Trío/Ninguno de La Coja Dansa, Sed erosiona de Maryluz Arcas y Las alas son para volar de Alba Lorca y María Mas.

Esta temporada de danza incluye un taller para intérpretes de artes escénicas: Movers, correrá a cargo de Guillermo Weickert, del 3 al 6 de mayo.

Por último, los espectadores que asistan a dos espectáculos de danza podrán utilizar un Bonodanza que les permitirá disfrutar de una entrada gratis para el tercero.

Reserva tus entradas en el 91 416 90 11.
D.

mOvers, Training físico para intérpretes por Guillermo Weickert

El Teatro Pradillo convoca plazas para el taller: mOvers, Training físico para intérpretes por Guillermo Weickert

Del martes 3 al viernes 6 de mayo 2011
/ De 10h. a 14h. /
Número mínimo de alumnos: 10 / Número máximo de alumnos: 20
Precio: 120 €
Lugar: Teatro Pradillo C/ Pradillo, 12 28012 Madrid
Información y reservas: 91 416 90 11 o info@teatropradillo.com

Sobre el taller:

Movers es una forma de definir a aquellos intérpretes de artes escénicas que emplean de manera activa, consciente, personal y comprometida los recursos expresivos de su cuerpo como herramienta de trabajo. Se aplica no exclusiva ni necesariamente a los bailarines ya que implica un trabajo de investigación y desarrollo de una fisicalidad y un movimiento propio y no siempre académico o técnico en el sentido más tradicional de la palabra.

Es un término por tanto abierto también a actores, músicos, performers, artistas de circo y en general a cualquier profesional de las artes escénicas que otorgue una relevancia especial a su presencia, a su movimiento personal y a las distintas posibilidades de desarrollarlo e instrumentalizarlo. A ellos va dirigido este seminario.
Con este taller me propongo ofrecer mi propio training como Mover. El objetivo de este entrenamiento no busca la adquisición de nuevos conocimientos sino la mejor y más efectiva gestión del conjunto de conocimientos ya adquiridos de cada uno de los
participantes. No se trata por tanto de aprender conceptos nuevos como de observar, analizar , reflexionar y trabajar sobre nuestra manera de abordar el hecho escénico con distintos objetivos:

• Reconectarnos con el impulso.
• Instrumentalizar la intuición.
• Mejorar la escucha.
• Trabajar la fluidez y la facilidad en el movimiento y en la interpretación.

Se planteará un calentamiento físico adecuado a las necesidades del grupo que puede incluir tanto ejercicios estrictamente técnicos como de conciencia corporal, juegos, improvisaciones y trabajos individuales, en parejas o en grupos; trabajaremos como un grupo para crear un espacio de trabajo común que permita a cada alumno sacar sus propias conclusiones , cuestiones y valiosa información con la que revitalizar nuestro trabajo como intérpretes.

Sobre Guillermo Weickert

Guillermo Weickert realiza la carrera de interpretación en el Instituto del Teatro de Sevilla ( Carlos Álvarez-Novoa, Roberto Quintana, Pedro Álvarz-Ossorio, Miguel Garrido, Gabriel Chamé, entre otros) y se forma como bailarín en el Centro Andaluz de Danza ( Peter Goss, Bebeto Cidra, Alexis Euprierre, Mónica Runde, Angelike Wilkie, Carl Paris, Pilar Pérez-Calvete, Norio Yoshida, Ramón Oller, Jeremy Nelson, entre otros). Es miembro de los Talleres de Creación Corográfica y recibe becas de la Junta de Andalucía (Perfeccionamiento en Danza Contemporánea en la cía. Metros, Barcelona) , del Centre de Développement Chóreographique de Tolousse (stage “Prospectivas del Intérprete) y de la C.E.E (Col.lina Colaboration in Arts, Newcastle, Reino Unido, 2006)

Desde 1995 trabaja con compañías de danza contemporánea y de teatro físico tales como General Eléctrica, Rubato Tanzcompagnie, Danat Danza, La Permanente, L´anónima Imperial, Angels Margarit/ cía Mudances, Rui Horta Stage Works, ErrequeErre, Producciones Imperdibles, Ex- Cêntrica Producciones, R.I.P.E. Uk (Marc Rees) , Manuela Nogales cía de Danza, etc. En su trabajo como actor, forma parte de compañías como National Theatre Wales, UR-Antzerkia, Matarile Teatro, La Fundición de Sevilla, Centro Andaluz de Teatro, entre otras.

En 2001 comienza su trayectoria como coreógrafo y director de escena en producciones propias y para compañías tales como ErrequeErre, Mercé Boronat, Raquel Madrid, Bikini.Ducc, etc. Ha sido invitado a mostrar sus trabajos en festivales como Box Nova (CCB, Lisboa), Tanec Praha (Praga),,TanzWoche (Eisenhüttenstadt, Alemania), Em Pé de Pedra (Santiago de Compostela), MAPAFESTIVAL (Sant Mori, Girona), Festival Greg (Barcelona), Mes de Danza (Sevilla) , Escena Contemporánea (Madrid), La Alternativa Festival (Santiago), Ciclo Nuevos Creadores ( Valladolid), etc.
Ha impartido clases de danza y talleres para centros públicos ( Centro Andaluz de Danza, Escola Superior de Danza de Lisboa), privados ( Sala Endanza, El Centro de Artes Escénicas ( Sevilla), Teatro Galán (Santiago de Compostela), Área (Barcelona), Aforo (Madrid), etc) y también para compañías como Rui Horta Stage Works, ErrequeErre, La Permanente o Matarile Teatro y un largo etc.

www.guillermoweickert.com

Imaginando a Bonnie & Clyde

EL PAÍS REPORTAJE
SERGIO C. FANJUL - Madrid - 26/02/2011

Metatarso recrea el mundo sentimental de la legendaria pareja de forajidos

- Clyde, ¿nos van a matar, verdad?
- Sí, Bonnie.

Los legendarios Bonnie Parker y Clyde Barrow, o simplemente Bonnie & Clyde, célebres atracadores y asesinos durante los años treinta, fueron unos de los primeros criminales en instalarse en el imaginario colectivo como icono pop. Sus atracos y tiroteos, sus asesinatos, las persecuciones por carreteras secundarias del sur de EE UU fueron relatados minuciosamente por los periódicos de la época y seguidos con gran interés por la ciudadanía. Pero ¿cómo fue su vida íntima? Nadie lo sabe a ciencia cierta. La vida imaginaria de Bonnie & Clyde, de la compañía teatral Metatarso (se puede ver en el teatro Pradillo hoy y mañana, y la próxima semana de jueves a domingo), es una aproximación a la peripecia sentimental de la pareja de forajidos.

"Su historia siempre me ha fascinado", explica el director Darío Facal. "Hay mucha cultura popular alrededor de ellos y también mucha información, acceso a elementos documentales: fotografías, informes, recortes de prensa, archivos desclasificados... El hecho de que esa historia ofreciera diferentes frentes me pareció un buen punto de partida para hacer un documental-collage poético que resultase en un trabajo escénico". Facal y el poeta Peru Saizprez, coautor del texto, solicitaron al FBI los informes de la época, que sirven como espinazo de la obra.

Es en esos textos, leídos por Ledicia Sola (interpretando a Bonnie) y Juan Carlos Vellido (a Clyde), donde se narran las violentas aventuras de la pareja. Lo que se ve en escena es otra cosa: el amour fou, la obsesión con la muerte y su certeza, la desesperación y el miedo, el pueril orgullo al comprobar cómo su fama aumenta en los periódicos. Unos posibles, imaginados, Bonnie y Clyde de carne y hueso viviendo frenéticos en el atolladero.

Para ello Facal se sirve de varios elementos que confluyen en escena. El más presente es, quizás, la música (siempre importante en las producciones de Metatarso), esta vez en directo. El músico Javier de Prado va desgranando atmósferas fronterizas y blues herido a voz y guitarra, grabando loops en directo, interaccionando con los actores que incluso interpretan alguna canción desgarrada. Proyecciones, piezas de animación de la época, poemas visuales, una colorida máquina tragaperras y hasta un coche teledirigido se suceden en esta obra ágil que va da dando pequeñas sorpresas al espectador. Se recita también un poema de Bonnie Parker: "es otro de los elementos que me impulsó a emprender este proyecto. Bonnie dejó una serie de poemas extremadamente sugerentes, leídos con atención dicen mucho de cómo ellos se podían sentir", dice Facal. "La intención es explorar cómo el lenguaje teatral y la cultura de masas inevitablemente están condenados a manipular y traicionar la historia. Cualquier personaje por el hecho de ser un personaje es una construcción mental y probablemente cultural. No podemos evitar mirar a Bonnie y Clyde como un mito romántico, como ya hace la película de Arthur Penn. Pero en su momento Bonnie y Clyde no eran eso".

En efecto, la producción cultural inspirada en el mito de la pareja es extensa, multitud de películas entre las que destaca la citada Bonnie & Clyde (1967) de Arthur Penn, protagonizada por Warren Beatty y Faye Dunaway, y también multitud de canciones, como la homónima Bonnie & Clyde, a dúo entre Serge Gainsbourg y Jane Birkin, las más conocidas.

Como los que ahora nos aprietan, estos forajidos sufrieron tiempos de crisis en plena Gran Depresión. "Implícito en el trabajo está el hecho de cómo la situación económica y social generan márgenes morales en los cuales nos movemos", explica Facal.

Bonnie y Clyde fueron acribillados en una carretera de Luisiana, sorprendidos en una emboscada policial a bordo de su Ford V8. Era el año 1934 y los agentes vaciaron los cargadores de sus armas en una tormenta de plomo.

La vida imaginaria de Bonnie & Clyde. Teatro Pradillo. Hoy y mañana y de jueves a domingo.

Última semana en cartel de "La vida secreta de Bonnie & Clyde" en el Teatro Pradillo

Por Jose Luis Mora el 27 de Febrero 2011

Hoy domingo, a las 20:30h y del 3 al 6 de marzo a esa misma hora se representarán las últimas funciones de la obra de teatro que Darío Facal escribió para analizar cómo sería la vida íntima de estos célebres criminales que marcaron toda una época en los Estados Unidos durante los años 30.

A continuación, os dejamos la información que nos han enviado sobre este montaje teatral.
"La vida secreta de Bonnie & Clyde".con Ledicia Sola y Juan Carlos Vellido
Música: Javier De PradoDirección: Darío Facal
Producción: Metatarso Producciones

Solo nos queda la función de hoy a las 20.30h y la semana que viene del 3 al 6 de marzo (de jueves a domingo) a las 20.30h

¿¿¿¿Te lo vas a perder????
El Cultural:
http://www.elcultural.es/version_papel/ESCENARIOS/28677/Trozos_de_Bonnie_&_Clyde

El País:
http://www.elpais.com/articulo/madrid/Imaginando/Bonnie/26/Clyde/elpepiespmad/20110226elpmad_15/Tes

Crítica en La República Cultural:
http://www.larepublicacultural.es/article3881.html

Entradas:
http://www.entradas.es/asterix/evento.do?idEvento=204663&entidad=1

Teatro Pradillo:
Calle Pradillo 12, Metro Concha Espina (linea 9)
http://teatropradillo.com/wp/?p=919

Danza

Nueva programación de danza para los meses de marzo a mayo 2011:


play-inmobil
Cía. Somosquien (Madrid) / Danza
Del 24 al 27 de marzo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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Cara pintada, el salto de la Rana y otras pequeñas historias
Cía. Janet Novás (Galicia) / Danza
Del 31 de marzo al 3 de abril 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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Limits
Manuel Rodríguez (Andalucía) / Danza
Del 7 al 10 de abril 2011
De jueves a domingo / 20h.30
Estreno absoluto
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Gracias X Favor / Abril 2011
Procedencia coreógrafos: Canarias/Madrid/Andalucía/Valencia/Aragón/Baleares

Primer Programa:
Miércoles 13 y jueves 14 de abril 2011 / 20h.30

- Carmen Fumero, solo  10 m.: “Pretérito perfecto simple”
- David León, solo 20 m.: “El Amado”    
- Joaquín Abella, cuarteto, aprox. 20 m.: “Calvas”

Segundo Programa:

Sábado 16 y domingo 17 de abril 2010 / 20h.30

- La Coja Dansa, trío aprox. 30 m.: “Trío/Ninguno”
- Maryluz Arcas, solo aprox. 30 m.: “Sed erosiona”
- Alba Lorca y María Mas, dúo, aprox. 10 m.: “Las alas son para volar”
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“Edit” + “Play”
Programa doble
Cía. Pablo Esbert Lilienfeld (Berlín) / Danza
28 de abril a 1 de mayo 2011
De jueves a domingo / 20h.30
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“Material Inflamable” + “Descenso, Capricho”
Programa doble
Cía. Guillermo Weickert (Andalucía) / Danza
Del 5 al 8 de mayo 2011
De jueves a domingo / 20h.30

Además:

Taller Danza y movimiento como herramientas del intérprete

Un taller que continúa la línea de investigación que Guillermo Weickert ha desarrollado sobre los recursos físicos del intérprete como herramienta para profundizar en el trabajo creativo y expresivo.

Martes 3 a viernes 6 de mayo, de 10h a 14h.
Número mínimo de alumnos: 10
Número máximo de alumnos: 20

Color en la viñeta móvil

CRÍTICA: DANZA MANGA
ROGER SALAS - El País. Madrid - 15/01/2011

La coreógrafa y bailarina venezolana afincada en Madrid Mey-Ling Bisogno desborda imaginación y hace un usufructo notable de unos recursos modestos, tanto en elementos ambientales como en los propiamente dancísticos que le ofrecen sus compañeras de escena: Diana Bonilla y Cristina Pérez Sosa.

La inspiración en las viñetas japonesas es llevada en literalidad. Los efectos luminotécnicos, rapidez de acción, secuenciado vertiginoso y sensación de urgencia sobre la historia corta, están presentes. Todo empieza con un viaje. Las tres artistas se hacen acompañar de tres maletitas con ruedas (los habituales trolleys, sin los que es difícil imaginar el viaje contemporáneo). Un signo de admiración se dibuja con luz en el suelo y en el fondo, y ese elemento tan presente en los recursos iconográficos del cómic, ya sea japonés o de otro sitio, viene a significar aquí algo más que asombro, quizá habla de un patrón de comportamiento rozando esquemas burlescos y con ingredientes de humor, hasta derrotar hacia una densidad menos evidente, más oscura.

Mey-Ling tiene sentido de la distribución espacial, maneja los ritmos teatrales para no aburrir al público en ningún momento; densifica una acción mayormente gráfica y fragmentada hasta hacer la lectura cognoscible. Las imágenes se suceden. Puede intuirse un orden en la acción o aventura, pero eso no está en el cardinal de la coreógrafa, que se interesa más por los cuadros mismos en su especificidad, su apertura y cierre como células o módulos de un todo. Algunas de esas imágenes son poderosas, como la doble camisa de fuerza-crisálida, que ofrece momentos conseguidos de la línea en blanco y negro, pues a continuación, llega (y triunfa) el color ácido con su masa casi sacado de pantone profesional en pelucas, calzado y otros accesorios, a la vez relacionados con la estética de los barrios más modernos de Tokio como Shinjuku o Shibuyu.

La luz de espectáculo Manga, que abusa de los efectos estroboscópicos (por cierto, está comprobado: son dañinos al ojo humano), en el resto cumple eficazmente. Con respecto al baile, conviene detenerse y analizar dos aspectos. De un lado, el abundante material sugerido por Mey-Ling y las formaciones que comporta no son ofrecidos rigurosamente, se recurre a una ejecución relajada y debería dominar un reglado estricto que ofreciera contraste con lo visual. La música potente se inserta sobre la historieta y dimensiona escenas como la del chicle asesino, que recibe su merecido y se pega a un zapato anónimo crecido en pantalla con un acento de pop-art.

MANGA
Compañía Trans / Garden. Coreografía: Mey-Ling Bisogno. Música: Martín Ghersa. Luces: Paloma Parra. Ilustraciones: Lucas Rearte. Vídeo: Esteban Ghersa. Vestuario: Milan Hau. Teatro Pradillo. Hasta el 23 de enero.

El «Manga» es cosa de chicas

Mey-Ling Bisogno toma la estética del cómic japonés para hablar de cambios y deseos

Pérez-Sosa, Bonilla y Bisogno, como Chic, Ultra y Freak

14 Enero 11 - La Razón - M. Ayanz - Madrid
Ultra, Chic y Freak no paran de mutar. Son tres heroínas que van cambiando de historia en historia, de viñeta en viñeta, de página en página... Y así, hasta que llega el sorprendente final del cómic. Abran bien los ojos, pero también los oídos, porque no les estamos invitando a leer un tebeo, sino a ver «Manga». Y es lo mismo, pero no lo es. Dicho de otra forma, es la primera vez que alguien se anima a llevar a las tablas el vitalista e inabarcable universo del tebeo japonés que hace furor entre los adolescentes... y entre los no tan jóvenes. No esperen, eso sí, una adaptación de las aventuras de Akira, el lobo solitario, Astroboy, Kusanagi, Naruto, Asa, Nana o cualquier otro de los personajes que han hecho historia en el género: «Manga» ofrece un pasatiempo inspirado en este tipo de lecturas.

Colorida y caprichosa
Su responsable, Mey-Ling Bisogno, directora y coreógrafa de las compañías Compagnie 3gallos y la Compañía TYrans/Garden, es además Freak en el montaje (o sea, en la foto, «la morenita pequeña de la peluca rosa», como se describe entre risas). Junto a ella, con peluca verde, está Diana Bonilla (Ultra) y con peluca naranja, Cristina Pérez-Sosa (Chic). «No es que sea una gran lectora de manga, pero sí he leído algunos. Me fascina la cultura japonesa, y siendo madre además de dos hijas, tengo conexión con ese mundo», cuenta Bisogno, cuya biografía merece un párrafo: venezolana afincada en España y a medio camino entre París y Madrid (en ambas ciudades tiene compañía) desde hace ya una década larga, por sus venas corre sangre italiana y china, como delata su apellido.

«Mi padre trabajó casi treinta años con japoneses. Me obligaba a cantar cancioncitas en japonés para quedar bien con los directivos de las compañías con las que trataba», recuerda con una sonrisa como explicación de su fervor por lo asiático. Y aclara que quería «indagar en el tema de la transformación» y que elegir el manga no es arbitrario: «Más allá de la estética, que siempre me ha fascinado, me interesa lo que supone para la cultura japonesa: hay mangas para todo tipo de públicos y edades, es algo que llega a todo el mundo». Pero, a la vez, bromea: «Es un espectáculo muy caprichoso: me he propuesto hacer lo que me quiero». Y eso es, traducido, «una obra bastante “soft”. Sinceramente, es un infantil para adultos, como un caramelo».

Aunque mangas hay de muy diversos tipos (no es lo mismo el «shônen», subgénero de aventuras para chicos, que el «shôjo», que es lectura de chicas, y así otros tantos), Bisogno ha querido rescatar en esta pieza de teatro físico –«es una obra bastante silenciosa, hay momentos en los que hablamos algo de japonés, pero mal», confiesa la actriz– la esencia más pop y naïf del tebeo nipón: «Tenía ganas de trabajar en algo alegre, algo que tuviera felicidad, color y ligereza en esta época tan terrible que estamos pasando».


- Dónde: Teatro Pradillo. Madrid.
- Cuándo: hasta el 23 de enero. De jueves a domingo, 20:30 h.
- Cuánto: 15 euros. Tel. 91.416.90.11.

ENTREVISTA A MEY LING BISOGNO

10.01.11
ENTREVISTA A MEY LING BISOGNO

eter.es

Vídeo "Soniris" en el Teatro Pradillo

- SONIRIS (Simona Ferrar, 2010)
- Gracias X Favor Invierno 2010
D.

Manga

¡A sólo 9 días del estreno!
Manga
En el Teatro Pradillo
Del 13 al 23 de enero de jueves a domingo a las 8:30

D.

Cuando uno es Uno, ajeno a todo y libre de cargas

Mar López y Anuska Alonso, se miran a mismas, con la relatividad del espacio y el tiempo.
Publicado el Sábado 11 de diciembre de 2010 por Julio Castro – laRepúblicaCultural.es

La cuestión son puntos de referencia, es decir, la relatividad con que las cosas se perciben, cuando cada Uno mira a sí mismo o a los demás desde su lugar de observación. Esas coordenadas definen los ejes con los que se percibe y se elabora la concepción de la vida. Pero si a esto añadimos un factor adimensional, como es el tiempo, conseguiremos complicar la forma de mirar las cosas, confiriendo a la relatividad un peso mayor del que ya tenía esa observación.

Así desarrollan su trabajo Mar López y Anuska Alonso en este Uno, el nuevo trabajo escénico de danza que ahora nos presentan. Si hace pocas semanas veíamos a Mar López en Tris Tras, con Mónica Runde, en un trabajo en el que la plasticidad era el sentido dominante de la armonía, aquí la encontramos dirigiendo y comprometida en la interpretación con Anuska, en un concepto que se definiría mejor como lo orgánico, dentro de una visión más personalista, y de una forma de intimismo que se aproxima más a la visión cotidiana del espectador, antes que al deseo de lo esperado.

Esta nueva puesta en escena, conserva en la composición numerosos referentes de su trabajo conjunto A 2 centímetros del suelo, pero transformando aquella plasticidad y rompiendo en buena medida con la coordinación en el movimiento conjunto, para transformarse precisamente en lo que la descripción de su trabajo quiere abordar: lo que es cada uno y cómo se ve frente al otro.

Además de la seriedad en el trabajo, les va lo divertido, y por eso arrancan con una curiosa forma de “calentar” en escena, derivando hacia un modelo de juego de niñ@s, a partir del cual arranca el movimiento de la pieza.

Quien ha fumado o tenido cerca a un fumador, sabe cómo es encender un cigarrillo tras otro, o varios a la vez, en un movimiento mecánico y compulsivo que no tiene noción del tiempo ni de la realidad, en tanto que otros instantes llegan a cámara lenta, dejando una sensación de inmovilidad en fotogramas para quien los percibe de esa manera, estas son comparativas que irán desarrollándose en el trabajo corporal escénico de las dos integrantes del dúo de danza, a través de distintas formas creativas, con el gesto (el reflejo), con la posición (la forma o el espacio), con la velocidad (relación espacio tiempo) o con la descripción del entorno, en un medio en el que los elementos que integran el atrezo son escasos, pero suficientes para la comparación, sea por contigüedad, como en el caso del tamaño de las tazas de té, sea por intercambio, como ocurre al cambiarse las prendas de ropa… parece que cada una quiere imponer a la otra su forma de percibir y de querer las cosas, mientras que a la vez, cada una se ve de una manera desde su punto de vista y a través de los ojos de la otra

Desarrollan movimientos que pueden ser más estáticos, o más dinámicos en función del quién y el momento, así como la disrupción en las secuencias, hacen que el conjunto del diseño coreográfico ofrezca las diferentes posibilidades que conducen al final, con el logro del ser Uno, independientemente de los deseos del otro: hacia esa liberación que no hace al otro inexistente, pero que acaba con la propia anulación bajo el peso ajeno. Un complicado juego, en el que las iluminaciones, que casi pasan desapercibidas, tienen su peso a la hora de marcar esa transferencia de la información al otro: al público.

Enseñar las tripas

El País. Madrid. La semana por delante DANZA
Enseñar las tripas
ROGER SALAS 12/12/2010

Como parte del ciclo Diciembre en Danza, la compañía gallega Nabeirrarúa Danza estará en el teatro Pradillo hasta el próximo día 19 (20.30) con un espectáculo titulado Uno, y concebido por Anuska Alonso Montero (Vigo, 1983) y Mar López Martínez (Vitoria, 1979), bajo una tutoría de la bailarina y coreógrafa Elena Córdoba. Reflexión sobre el tiempo como entidad coreográfica o motivo y sus posibilidades con el cuerpo, los artistas se proponen exhibir el proceso de investigación, dando importancia a la reflexión desde la que resultará el producto. En el equipo artístico también participan Sergio G. Domínguez, Jorge González y Pedro López. Todos ellos inciden en dar lugar al concepto de performance, así como a otras herramientas convencionales, entre ellas la iluminación, a la que conceden el lugar de "arquitecturas luminosas".

Mañana "Chinese lesson" de Akademia Ruchu en España

24 de noviembre de 2010 a las 20h30 en el Teatro Pradillo (c/Pradillo 12, Madrid)   

La compañía polaca Akademia Ruchu abrirá el programa de la vigésimo primera edición de la Muestra con el estreno en España del espectáculo Chinese lesson, un trabajo integrado por una serie de piezas cortas, de una duración entre cinco y diez minutos, que son representadas por cinco miembros que forman parte del grupo, y que carece de estructura narrativa convencional. La obra que presenta esta compañía fundada en 1973 en Varsovia por artistas teatrales entre los que se encuentra Wojciech Krukowski, su director artístico que desempeña esa función desde su creación, ha desarrollado una especialidad escénica conocida como el ‘Teatro del comportamiento’ y la narración visual. La formación, además, se define como un grupo creativo que trabaja en las fronteras de los diferentes géneros teatrales y su actividad creativa se caracteriza por la transdisciplinariedad artística, ya que en los espectáculos que producen el teatro se combina con otras disciplinas como las artes visuales, las artes escénicas y el cine.

Las piezas cortas que integran Chinese lesson componen un espectáculo son el fruto de las tres décadas de actividad y de la experiencia que en ese período ha atesorado la compañía y que le han permitido construir su propio lenguaje de teatro visual. Se trata de una serie de “acciones desinhibidas” que protagonizan los cinco integrantes de Akademia Ruchu, que se mueven “entre unos momentos íntimos y otras partes que requieren unas capacidades excepcionales para la realización de un teatro físico” y que se han convertido en las principales señas de identidad de esta compañía de Varsovia.

Tanto en el caso de Chinese lesson como en el resto de sus creaciones, el movimiento, el espacio y el mensaje social son características comunes en todos ellos, lo que se deriva “de la convicción de que el radicalismo artístico y el mensaje social no son mutuamente excluyentes”, señalan. Akademia Ruchu se ha convertido en el principal ejemplo polaco de una compañía que funciona fuera del ámbito oficial de las artes, representando sus obras en espacios urbanos dispares como calles, residencias o zonas industriales, donde ha desarrollado una actividad regular con más de medio millar de representaciones, eventos y happenings callejeros. Esas actividades se completan con la producción regular de espectáculos destinados a ser representados en teatros y salas convencionales.

Festival navideño para los más pequeños

Festival navideño para los más pequeños

Del 23 de diciembre 2010 al 7 de enero 2011

24 y 31 de diciembre y 5 de enero sólo función 12h.

No hay función 25 de diciembre, 1 y 6 enero

Gracias X Favor Invierno 2010

Gracias X Favor Invierno 2010

Danza

Teatro / Performance